Monday, January 16, 2017

Críticas de cine y premios

Como suele ocurrir en cualquier historia, la de los Premios Oscar no está libre de injusticias y lo cierto es que, desde que tuviera lugar la primera gala, en 1929, ha habido muchas películas, actores y directores que se han quedado sin la merecida estatuilla.


 Otras, que es de lo que ahora nos ocupamos, ni siquiera entraron en las nominaciones.




— «El Resplandor» (1980), de Stanley Kubrick y que tiene a Jack Nicholson y Shelley Duvall como grandes protagonistas no fue nominada en la categoría de Mejor Película. Sí se llevó, por el contrario, unas cuantas nominaciones a los Razzie —los anti-Oscar—, que fueron a parar a Duvall y Kubrick como peor actriz y peor director respectivamente. En 1981 el Oscar a Mejor Película recayó en «Carros de Fuego», de Hugh Hudson. En su momento, el crítico de ABC Pedro Crespo calificó al filme como «un paréntesis en la excelente carrera de Kubrick». «Su película adolece de una tremenda e inexplicable flojedad de guión», continúa el texto que puedes leer aquí.
«Reservoir Dogs» (1992), el estreno de Tarantino como director, tampoco gustó a los académicos y no llegó a pisar la famosa alfombra roja del cine. El filme sí se llevaría los premios a Mejor director y Mejor Guión en el Festival de Sitges y el premio de la crítica en el Festival de cine de Toronto, entre otros. Las películas de este año que sí fueron nominadas fueron Regreso a Howards End, Juego de Lágrimas, The Player, Scent of a Woman y Sin Perdón, de Clint Eastwood y que se hizo con la estatuilla a Mejor Película.

«El gran Lebowski» (1998). El filme de los hermanos Coen con Jeff Bridges como protagonista tampoco se metió entre las favoritas para la crítica, que no valoró como se merecía a esta genial sátira del pueblo estadounidense repleta de pintorescos personajes y que ese año premió en los Oscar a «Shakespeare in love», un hecho a destacar sobre todo si tenemos en cuenta que competían por el galardón filmes como «Salvar a soldado Ryan», de Steven Spielberg, «La delgada línea roja», «La vida es Bella» y «Elizabeth». Bueno, todos podemos equivocarnos.

— «Los otros» (2001). Alejandro Amenábar no levantaría un Oscar hasta 2004 por «Mar adentro». El filme que tenía a Nicole Kidman como protagonista se llevó ocho Premios Goya de los quince a los que estaba nominada, entre ellos el de Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión Original, pero optó a las nominaciones de los premios de Hollywood. Los filmes nominados a mejor película extranjera ese año fueron Hero, El crimen del padre Amaro, The man without a Past, Zus & Zo y la alemana En un lugar de África, que se llevó la estatuilla.
Para el crítico de ABC, Oti Rodríguez Marchante, Amenábar culminó con «Los otros» «una primera etapa en la que la intriga y el terror impregnaron cada costura de su construcción cinematográfica. La mágica puesta en escena y el increíble desarrollo de los acontecimientos, que provocan el escalofrío pero no el susto, están acompañados por un inquebrantable respeto al punto de vista, que Amenábar sitúa justo detrás del personaje de la madre, que interpreta Nicole Kidman: la verdad se nos revela al tiempo que a ella, aunque su personaje guarda un secreto, quizá olvidado, y que explosiona en un final mareante, de esos que lo aplastan a uno a la butaca dejándolo allí como un manchón».
— «Blancanieves y los siete enanitos» (1937). La obra maestra de Walt Disney no fue bien valorada por la crítica estadounidense, que ese año premió a 'La vida de Émile Zola', de William Dieterle, y dejó al creador de Mickey Mouse sin estatuilla. Probablemente el filme habría sido nominado de existir en aquel momento la categoría de Mejor Película de Animación, algo para lo que tuvimos que esperar hasta 2001.


— «Cantando bajo la lluvia» (1952). Parece sorprendente que uno de los mejores musicales de la historia ni siquiera entrara en la lista de nominaciones de la Academia de Hollywood, pero así fue. El filme protagonizado por Gene Kelly, Debbie Reynolds y Donald O'Connor cuenta con algunas de las escenas más icónicas de la historia del cine y a día de hoy es considerado como una obra maestra del celuloide. Aquel año fue John Ford quien se llevó la estatuilla a Mejor Película por «El Hombre Tranquilo». A modo de curiosidad, aquel año fue nominada en la categoría de Mejor Película «Moulin Rouge» (la versión de 1952).
— «La ventana indiscreta» (1954). La obra maestra de Hitchcock no se coló entre las favoritas de aquel año aunque aunque hay que decir que el director sí compitió en las categorías de Mejor Director, Mejor Guión Original, Mejor Sonido y Mejor Fotografía aunque no obtuvo ninguno de los premios. El Oscar a Mejor Película fue para «La ley del silencio», de Elia Kazan que compitió, entre otras, como «Siete novias para siete hermanos» y «El motín del Caine».


«Con faldas y a lo loco» (1959). Otra de las grandes del cine clásico que tampoco gustó lo suficiente a la crítica. La comedia de Billy Wilder protagonizada por Marilyn Monroe, Tony Curtis y Jack Lemmon sí fue nominada en las categorías de Mejor Director, Mejor actor (Jack Lemmon), Mejor Guión Adaptado, Mejor Fotografía, Mejor Dirección Artística y Mejor Diseño de Vestuario, pero tan solo se llevó este último galardón. Si se llevó, por el contrario, el Globo de Oro a la Mejor Comedia o Musical en 1960. Nos queda el consuelo de saber que ese año la galardonada como Mejor Película fue otra de las grandes: «Ben-Hur».
— «Psicosis» (1960). Otro chasco para Hitchcock, quien no consiguió el favor de la crítica con la que hoy es considerada como una de las grandes obras del cine de terror. El filme protagonizado por Anthony Perkins y cuya escena de la ducha quedó para siempre grabada en la retina de sus espectadores fue nominada en las categorías de Mejor Actriz, Mejor Director, Mejor Cinematografía en Blanco y Negro y Mejor Dirección de Arte, aunque no logró entrar en las nominadas a la Mejor Película. El filme no obtuvo ningún Oscar. En aquella edición de los Premios fue «El Apartamento», la obra maestra de Billy Wilder el filme que se llevó todos los honores.

— «Regreso al futuro» (1985). Que el filme de Robert Zemmeckis no llegara a considerarse como una de las mejores películas de su año debería ser casi un chiste. Tras su estreno, la película protagonizada por Michael J Fox se convirtió en una de las más taquilleras del año. Sí que entró en los Oscars aunque en otras categorías, de las que solo se llevó el de Mejores Efectos de Sonido. «Memorias de África» se llevó el premio a la Mejor Película aquel año, nominada junto a «El color púrpura», «El Beso de la Mujer Araña», «El honor de los Prizzi» y «Witness».

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La designación de Román Polanski para presidir la ceremonia 2017 de los César del cine francés ha vuelto a despertar la polémica 
Que persigue al cineasta desde hace 40 años, cuando fue acusado de abusar de una niña de 13 años en EE.UU


La asociación feminista “Osez le feminisme!” criticó la decisión anunciada este miércoles por la Academia del cine francés, denunció “la tolerancia social que existe todavía en Francia sobre el tema de la violación” y convocó una manifestación a las puertas de la Sala Pleyel el 24 de febrero, al inicio de la ceremonia.
 Esta organización expresó su sorpresa por el artista elegido y preguntó a la Academia si realmente no había nadie en el mundo -en 2016 su antecesor fue Woody Allen- con una carrera suficientemente prestigiosa y una filmografía suficientemente importante como para presidir la cita.
Su denuncia siguió al lanzamiento hecho ayer mismo por internet de una petición para que Polanski, de 83 años, sea destituido de su cargo honorífico que este jueves, a las 18 horas de París (17:00 GMT), había recogido algo más de 20,000 adhesiones.
En la web, cientos de tuits se pronuncian a favor y en contra del nuevo episodio del caso Polanski.  Unos piden boicotear la ceremonia; otros simplemente recuerdan que el director confesó haber mantenido relaciones con Samantha Geimer cuando ésta tenía 13 años, pero no haberla violado, cargo del que no está acusado porque llegó a un acuerdo con la familia.
Polanski, superviviente de la persecución nazi contra los judíos durante la Segunda Guerra Mundial, casado desde hace décadas con la actriz francesa Emmanuelle Seigner, el realizador, el segundo más premiado por la Academia, es autor de 21 filmes, entre ellos los famosos “Rosemary's Baby” (“La semilla del diablo”, 1968) y “Chinatown» (1974).
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Parece que a Erik Estrada no le ha hecho ninguna gracia la película de CHiPs, cuyo estreno veremos en los próximos meses


Estrada, que en la serie original de NBC interpretaba al policía motorizado Frank “Ponch” Poncherello, dedicó buena parte del lunes a publicar tweets muy críticos con esta nueva adaptación a la gran pantalla.
En uno de estos mensajes –compartidos con más de 24,000 seguidores–, Estrada ataca a la película por abusar de las armas de fuego.
@robbyynnnnnn @ErikEstrada @LarryDWilcox vi el tráiler el otro idea... PURA BASURA... recuerdo (aunque no estoy seguro al 100%) que los CHiPs originales NUNCA sacaban sus armas”.
Un segundo tweet de Estrada se refería a la película como “humillante” para los fans de la serie original: “Les digo que la nueva película de CHiPs, que está en desarrollo o bien terminada, es humillante para los fans y que no iré a verla”.
La semana pasada, Dax Shepard y Michael Peña, protagonistas de esta nueva adaptación, presentaron el tráiler en exclusiva en el programa Jimmy Kimmel Live.


En la película, Peña interpreta a un agente del FBI que recibe el apodo de Frank "Ponch" Poncherello y es enviado a la Patrulla de Autopistas de California para investigar los rumores de corrupción dentro del cuerpo policial. Le acompaña el novato Jon Baker (Shepard), un temerario que persigue el riesgo y que ha demostrado ser uno de los mejores motoristas del cuerpo.
Pronto descubren que las sospechas del FBI eran acertadas y se proponen detener al agente corrupto Vic Brown (Vincent D´Onofrio) y a su banda de ladrones de coches.


CHiPs está escrita, dirigida y co-producida por el propio Shepard, la película, estrenará en EEUU el 24 de marzo y en España el 11 de agosto.
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Salen a la luz imágenes caseras inéditas de Marilyn Monroe en «La tentación vive arriba»

Pocas imágenes en la historia del cine tan icónicas y repetidas como la de Marilyn Monroe vestida de blanco, dejando jugar a su volandera falda con el aire que sale de un respiradero del metro. La escena pertenece a la película «La tentación vive arriba», dirigida por Billy Wilder y, a pesar de tener ya más de sesenta años, sigue generando expectación. 


La última novedad sobre la actriz y la película la ha ofrecido el diario «The New York Times», que ha publicado unas imágenes inéditas del rodaje en las calles de Nueva York de la célebre escena. Las hizo, cuenta el rotativo, Jules Schulback, un peletero de origen alemán y han salido a la luz ahora, descubiertas por su nieta, Bonnie Siegler.
Las imágenes son de la noche del 15 de septiembre de 1954; Billy Wilder había previsto el rodaje de la escena en que Richard Sherman, un oficinista neoyorquino de rodríguez, sale del cine con su atractiva vecina. El rodaje se produjo frente a una tienda de comestibles, cerca del cine Trans-Lux en la esquina de Lexington Avenue y la calle 52.

Según el «New York Times», Schulback había grabado ya unos minutos de película un par de días antes, cuando Marilyn Monroe, vestida con un albornoz blanco, se asomó a la ventana de un apartamento de la zona, el Upper East Side, donde se estaba rodando la película. Al enterarse de que la actriz debía volver al barrio, cogió su cámara, una Bolex de 16 milímetros con la que solía rodar celebraciones y reuniones familiares, y acudió al lugar donde estaba previsto el rodaje.


Era la una de la mañana, y el lugar estaba lleno de periodistas y de curiosos. Wilder sabía de la expectación que la actriz despertaba y había permitido la presencia de extraños para promocionar la película (se ha especulado también que éste era el único objetivo de aquel rodaje). Schulback pudo grabar a Marilyn Monroe charlando con Tom Ewell, su coprotagonista; así como a Billy Wilder. Los tres minutos y diecisiete segundos de película también recogen parte de lo grabado un par de días antes, en el apartamento de la esquina de la calle 61.

Billy Wilder con Marilyn, en el momento de la escena


Sin embargo, las escenas rodadas la noche del 15 de septiembre de 1954 no son las que se ven en la película; Billy Wilder las rodó de nuevo más tarde en los estudios en Hollywood. Hay varias teorías. Una cuenta que el director solo montó aquel rodaje neoyorquino para promocionar el filme; hay quien dice también que lo grabado era demasiado «picante» y excesivamente «revelador» y que Marilyn Monroe pidió que no se utilizara para no enojar más a su ya disgustado marido, el jugador de béisbol Joe DiMaggio, del que se divorciaría poco después.

Las imágenes de Schulback -que abandonó Alemania con su familia en 1938 a causa del terror nazi- permanecieron guardadas junto a otros muchos metros de película y fotos, hasta que su nieta, Bonnie Siegler, las descubrió en 2004, cuando ayudó a su abuelo (tenía 92 años) a mudarse. El marido de Siegler, cineasta, fue quien ordenó todo el material y se dio cuenta de lo que había en él junto con las imágenes de celebraciones familiares. Según cuenta la nieta de Schulback al «New York Times», su abuelo contaba a menudo la historia de aquella noche de rodaje con Marilyn, pero nunca había hablado de las imágenes que había grabado, y que ahora han salido a la luz.

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La estrella de Legally Blonde (Una rubia muy legal), Reese Witherspoon, ha confesado  que tuvo que renunciar a la película animada Brave (Indomable) por su terrible acento escocés
Mientras promocionaba su nueva película Sing! (¡Canta!) junto al co-protagonista Matthew McConaughey en una entrevista con ITV, la actriz discutió con el entrevistador Ross King sobre acentos difíciles, empezando su confesión expresando: “El escocés es muy... No debería hacerlo... No, ¡de verdad, no quiero hablar de ello!”
Luego de que King y McConaughey le rogaran a Witherspoon, riendo contando: "Traté de hacer el acento escocés una vez... Y me fue muy mal, tuve que renunciar a la película”. 

A lo que un Matthew muy impresionado contestó: “¿¡Lo hiciste?! ¿Por el acento?” - “No fue mi mejor momento”, explicó una Reese muy avergonzada. “No quiero hablar más de ello. Solo que lo acabo confesar y de verdad deseo no haberlo hecho”.

Aunque Witherspoon nunca elaboró a qué película se estaba refiriendo, según Digital Spy, originalmente había sido fichada para darle la voz a la Princesa Merida en Brave en 2012, la cual estaba contada desde las tierras altas de Escocia.
Cuando renunció, fue sustituida por Kelly McDonald (Trainspotting), con el director Mark Andrews elaborando: “Sí, tuvimos a Reese Witherspoon cuando comenzamos el proyecto y ella fue parte por un tiempo, mientras practicaba su acento escocés. Sonaba muy bien, pero a lo que continuaba la película, ella tenía otras en fila, así que no pudimos seguir con ella. Gracias por la amistad, y le invitamos a 'Creatividad Internacional' red de literatura y cine, y a su programación radial.  
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Anna Kendrick podría interpretar a un Santa Claus femenino en una nueva película de Disney
La estrella de Pitch Perfect, Anna Kendrick, está en negociaciones con Disney para protagonizar Nicole, la historia de una Santa Claus femenina, según The Hollywood Reporter.
El director es Marc Lawrence, mientras Suzanne Todd, quien ha producido Alicia en el País de las Maravillas (2010), es quien ocupará el puesto de productora.  Lawrence es quien también escribió el guión, aunque todavía se desconocen los detalles, solo sabemos que contará la historia de una familia que espera la llegada de una Santa.
Anna Kendrick ya ha trabajado con Disney cuando destacó como Cenicienta en la adaptación musical de Into the Woods en 2014. Aunque la actriz ha demostrado su talento como cantante, en películas como Trolls y la saga Pitch Perfect, fuentes aseguran que Nicole no será un musical.
Proximamente, Anna aparecerá protagonizando 'Table 19' junto a Lisa Kudrow, que llega a los cines el 31 de marzo de 2017.
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Se cancela definitivamente el biopic de Frank Sinatra que preparaba Martin Scorsese con DiCaprio

El proyecto de larga gestación de la película biográfica de Frank Sinatra, que preparaba Martin Scorsese, se ha cancelado a consecuencia de la falta de aprobación de parte de la familia del cantante. El filme, que lleva diez años en la mente del director, tenía fichado a Leonardo DiCaprio como protagonista. 
El director ha revelado que ha sido archivada porque la familia está en desacuerdo con la exposición de algunos de los aspectos más oscuros de la vida de Frank, escritos en el guión por Phil Alden Robinson, según el periódico The Toronto Sun.
“No la podemos hacer”, reveló Scorsese. “Creo que finalmente hemos acabado. La familia de Sinatra no está de acuerdo. Si el proyecto se abre otra vez, estaré ahí”.
El director de Silencio añadió: “Algunas cosas son muy difíciles para la familia, y lo entiendo totalmente. Pero, si ellos esperan que yo la haga, no se pueden echar para atrás con ciertas cosas. El problema es que el hombre era complejo. Todo el mundo lo es - pero Sinatra lo era en particular”. Anteriormente, Scorsese había explicado en una entrevista con ShortList que el plan de la película iba a ser un retrato muy crudo de la estrella. “Es muy duro porque aquí tenemos un hombre que cambió la imagen completamente del Italiano-Americano, y eso es solo una cosa. Junto a su trabajo político, derechos civiles, la mafia... El joven, mediana edad, mayor y el anciano. Vas adelante y atrás - y lo haces a través de la música. Es muy complicado”.  La última película de Scorsese, Silencio, protagonizada por Andrew Garfield, Adam Driver y Liam Neeson ya está en cines. 
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La emocionante carta con la que De Niro apoya a Meryl Streep tras el ataque de Trump: «Eres esa voz que nos inspira»

«Comparto tu indignación. Todo tiene un límite», ha escrito el actor en una misiva publicada por «People»

Un admiración mutua, propia solo de los más grandes. Robert De Niro y Meryl Streep, dos de los actores más respetados de la industria del séptimo arte en todo el mundo, han participado en tres películas juntos: fueron amantes en «El cazador» (1978), de Michael Cimino; volvieron a vivir un romance en «Enamorarse» (1984) y participaron en «La habitación de Marvin» (1996). 
Y, ahora, tras la ofensiva respuesta de Donald Trump al sentido discurso en el que Meryl Streep lo criticó de forma velada en los Globos de Oro, Robert De Niro sale en su defensa, con una carta publicada por «People».
«Lo que dijiste fue genial. Se necesitaba que alguien lo dijera, y tú lo dijiste de una manera muy bonita. Siento mucho respeto hacia ti, por el discurso que hiciste mientras el mundo estaba celebrando tus logros. Comparto tu indignación. Todo tiene un límite. Tú, con tu elegancia e inteligencia, eres esa potente voz que inspira a otros a hablar, y sus voces serán también escuchadas. Porque es importante que todos hablemos alto».
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Con 19 años, Debbie Reynolds protagonizó 'Cantando bajo la lluvia'

Considerada el gran musical de todos los tiempos y la quinta mejor película de la historia del cine
La muerte de Debbie Reynolds a los 84 años acerca a Hollywood al final del ocaso de su época dorada, a punto de perder para siempre toda una generación de estrellas que hicieron del cine el séptimo arte. Protagonista de Cantando bajo la lluvia, Reynolds tan solo tenía 19 años cuando se puso a las órdenes de Gene Kelly en esta comedia que el Instituto Americano del Cine considera el gran musical de todos los tiempos y la quinta mejor película de la historia del cine. 

Reynolds falleció en el centro médico Cedars Sinai de Los Angeles tras sufrir una embolia. Su muerte llega tan solo un día después de la muerte de su hija, la también actriz Carrie Fisher. La más conocida como princesa Leia de La guerra de las galaxias falleció tras sufrir un paro cardiaco mientras volaba de Londres a Los Angeles. “Quería estar con Carrie”, resumió el hijo de Reynolds y hermano de Carrie, Todd Fisher, a la revista Variety
El papel de la inocente Kathy Selden haciéndose un hueco en ese nido de víboras que era Hollywood se lo consiguió el estudio. A Gene Kelly, la estrella y director del proyecto, no le quedó más remedio que aceptarla pero la sometió a un riguroso entrenamiento para prepararla para el papel. “Escogieron a este talento virginal, a esta cosita, y esperaban que estuviera a la altura de Gene Kelly y Donald O’Connor, dos de los mejores bailarines de la industria”, recordó posteriormente en una entrevista.
El divorcio de su primer marido, el cantante Eddie Fisher, cuando Carrie no tenía más de dos años, fue el escándalo del momento. Reynolds se separó de Fisher al conocer que tenía un affaire con su mejor amiga, la actriz Elizabeth Taylor. Nunca quiso ser la víctima.

Entre los amantes del cine, Reynolds también será recordada por preservar la memoria de un Hollywood que ahora desaparece. 
La estrella compró colecciones enteras de vestuarios y otras piezas. Entre otras de las piezas que preservó estaba el vestido que llevaba Marilyn Monroe en la escena más recordada de The Seven Year Itch (La tentación vive arriba), el bombín de Charlie Chaplin como Charlot o las zapatillas rojas del Mago de Oz. Su deseo era que formaran parte de ese museo que la meca del cine todavía no posee, pero finalmente tuvo que subastar la mayor parte de sus piezas. 
Algunas sin embargo han quedado en manos de la Academia para la futura construcción de ese museo que Reynolds nunca llegará a ver.
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El actor Dick Van Dyke, que dio vida al deshollinador del filme «Mary Poppins», confirmó que participará en «Mary Poppins Returns»
La cinta que será la secuela del clásico musical de Disney
«Tenía que ser parte de la película», dijo al canal televisivo Entertainment Tonight el intérprete de 91 años, muy popular entre el público por su papel de Bert en «Mary Poppins» (1964).
Para la continuación del filme original que protagonizó junto a Julie Andrews, Van Dyke cambiará de papel e interpretará al hijo del señor Dawes, que en «Mary Poppins» era el jefe del padre de los niños. «Iré a Londres en la primavera a hacer mi papel y tendré un pequeño número de canto y baile (en la película)», añadió el actor. Esta es la primera vez que Van Dyke da detalles acerca de su intervención en «Mary Poppins Returns», aunque en una entrevista anterior para The Hollywood Reporter ya sugirió que aparecería en este largometraje.
«Esta película supuestamente tiene lugar veinte años después (de la cinta original) y los niños son ahora adultos», dijo en aquella ocasión. El elenco de «Mary Poppins Returns» presentará a Emily Blunt, como Mary Poppins; el artista de origen puertorriqueño Lin-Manuel Miranda, que encarnará a un farolero llamado Jack; Meryl Streep, que interpretará a la prima de la protagonista; y Colin Firth, que se pondrá en la piel del banquero William Weatherall Wilkins.
El filme que dirigirá Rob Marshall contará con la banda sonora de Marc Shaiman y con un guión de David Magee basado en «The Mary Poppins Stories», de la autora P.L. Travers. Está previsto que este largometraje se estrene en la Navidad de 2018.
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La actriz Zsa Zsa Gabor, fallecida este domingo 19, en L.A. a los 99 años, fue una de las primeras artistas en ganarse el término de “celebridad”, por sus películas pero, sobre todo, por sus escándalos y sus nueve maridos


 El rey del cine mudo Charles Chaplin, el magnate hotelero Conrad Hilton, el actor George Sanders o el “playboy” dominicano Porfirio Rubirosa fueron algunos de los hombres con los que mantuvo apasionados idilios o breves y tormentosos matrimonios.
Sus escándalos no se limitaron a sus aventuras amorosas.  Dieron qué hablar también sus peleas en público —llegó a las manos con la actriz Shelley Winters— o sus enfrentamientos con las autoridades, como cuando en 1968 abofeteó a un policía que acudió a detenerla al aeropuerto de Palma de Mallorca (España) por haberse marchado sin pagar de un hotel.
Firme creyente de la escuela del “mejor que se hable de ti aunque sea mal”, fue una invitada frecuente de los programas de humor y de cotilleos en televisión dispuesta a autoparodiarse sin piedad, como hizo en la película “Naked Gun 2 1/2”.
Hay quien habla de Gabor y sus hermanas (Magda y Eva) como las pioneras de las “crónicas sociales”, antes de la llegada de las Hilton o las Kardashian, ya que, según describía el periodista Merv Griffin en su autobiografía, “irrumpieron en las páginas de Sociedad y en las columnas de cotilleos tan de repente y con tanta fuerza que parecían haber caído directamente del cielo”.
En los últimos años, sin embargo, fueron sus problemas de salud los que la llevaron de nuevo a las primeras páginas. En 2002, sufrió un accidente de tráfico que la postró para el resto de sus días en una silla de ruedas y en 2005 una apoplejía.
Nunca volvió a hablar con los medios de comunicación, y cuando tenía algo que transmitir, lo hacía a través de boca de su último marido, el príncipe alemán Frederick von Anhalt. 
En 1941 viajó a EEUU para asistir a la boda de su hermana Eva en Los Ángeles, donde vivió un corto romance con Chaplin y se divorció de Asaf. Poco después conoció a Conrad Hilton, su segundo esposo, con el que tuvo una hija, Francesca, y del que se divorció a los cuatro años de matrimonio, en 194
En 1989 abofeteó a un policía estadounidense que le había dado el alto por exceso de velocidad en las afueras de Los Ángeles.
La actriz, que conducía con el permiso caducado y llevaba una botella de whisky abierta en la guantera, fue condenada a tres días de prisión y 120 horas de trabajo comunitario.
En 1992 publicó sus memorias, “Una vida no es suficiente”, con jugosas revelaciones sobre sus maridos y amantes. 
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Guía para no perderse en la temporada de premios de Hollywood
Quién los da, cuándo y dónde: entre los Globos de Oro y los Oscar, estos son los principales premios de la industria en los próximos tres meses
No solo de Oscar vive Hollywood. Sobre el papel, la cita de Hollywood con el teatro Dolby queda lejos, pero el calendario de los posibles contendientes ya está lleno. Las candidaturas a los Globos de Oro de la Asociación de la Prensa Extranjera en Hollywood, anunciadas este lunes, marcan el comienzo oficial de los que se conoce como la temporada de premios, tres meses en los que la industria del cine se da a sí misma estatuillas prácticamente cada semana.
La La Land, el musical que dirige Damien Chazelle y protagonizan Ryan Gosling y Emma Stone, lleva la delantera con siete candidaturas al Globo de Oro y ganadora de numerosos premios de la crítica incluida mejor película del año a los ojos del Instituto Americano de Cine. Pero esta historia de amor al cine, al jazz y a la ciudad de las estrellas está lejos de ser la segura ganadora del Oscar. El poema cinematográfico Moonlight, la historia semi autobiográfica de su director, Berry Jenkins, ha demostrado su fuerza en los círculos anti sistema como los premios Gotham, la versión neoyorquina de los Espíritu Independiente.
La vuelta de Mel Gibson como director con Hacksaw Ridge, el drama humano Manchester by the Sea o ese otro biopic que narra Lion son otros favoritos entre la prensa, la crítica y los profesionales. Y la ausencia de filmes como Silence, la última obsesión de Martin Scorsese, o Sully, de Clint Eastwood, de los Globos de Oro no los descalifica a la hora de soñar con el Oscar. Solo es una llamada de atención para cambiar el rumbo de las campañas si realmente quieren acariciar la estatuilla.
Esta es una guía de las principales citas que cualquiera de los postulantes a la gloria de Hollywood tiene apuntadas en su calendario y que hay que seguir para tener todas las claves cuando lleguen los Oscar:
El premio concebido en 1944 lo entrega anualmente la Asociación de la Prensa Extranjera en Hollywood, grupo de más de 90 periodistas internacionales afincados en Hollywood. No adivinan el Oscar pero dan visibilidad. Y con un total de diez candidatos a mejor película, cinco como mejor drama y otros tantos como mejor comedia o musical, las posibilidades de acertar el Oscar aumentan. Un galardón buscado y su entrega siempre descrita como la mejor fiesta de Hollywood.
Premios: 8 de enero en el hotel Beverly Hilton de Beverly Hills
Se trata de un reconocimiento de actores a actores donde su capacidad de predecir el Oscar es proporcional al número de intérpretes ya que el premio equivalente al de mejor película suele ir al filme con el reparto más nutrido.
Nominados: 14 de diciembre
Premios: 29 de enero en el Auditorio Shrine de Los Angeles

Concebido en 1949 su perfil es bastante sesgado dado que en el Sindicato de Guionistas no están todos los que son. Son muchos los filmes que postulan con trabajos de guionistas no afiliados al sindicato.
Nominados: 4 de enero
Premios: 19 de febrero en el hotel Beverly Hilton
Los premios creados en 1990 utilizan el mismo sistema de votación que la Academia, lo que acerca los gustos de la Asociación de Productores a los del Oscar. Se entregan desde hace 28 años.
Nominados: 10 de enero
Premios: 28 de enero en el hotel Beverly Hilton
Los definen como los Oscar bañados en té. Creados en 1948, los galardones de la Academia Británica del Arte de Cine y Televisión se celebran en Londres pero su peso en Hollywood cada año es mayor.
Nominados: 10 de enero
Premios: 12 de febrero

Nadie acierta el Oscar como los realizadores. Este galardón que concede el elitista Sindicato de Directores solo se ha separado en sus preferencias de la Academia en siete ocasiones a lo largo de sus 69 años de historia.
Nominados: 12 de enero

Premios: 4 de febrero


No todo es bueno en Hollywood y de eso se encargan estos galardones, de recordar lo peor del año. Este grupo ecléctico de fans y periodistas que nunca da a conocer su composición va ya por su 37 edición.
Nominados: 23 de enero
Premios: 25 de febrero

Concebidos en 1984 como la respuesta a la industria y en defensa del cine independiente no se pudieron ir más lejos de Hollywood para celebrar su galas, en una carpa plantada en las playas de Santa Mónica. Pero en años como este donde los grandes estudios parecen faltos de buenos contendientes, el Oscar y Espíritu Independiente nunca estuvieron más cerca.
Premios: 25 de febrero en Santa Mónica
La estatuilla del Oscar es el principio y el final. La razón de ser del resto de los galardones y la fiesta a la que todos desean ser invitados. Un viaje donde mandan los cerca de 7.000 miembros de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood. La edición de este año es la número 89.
Nominados: 24 de enero
Premios: 26 de febrero en el teatro Dolby en Hollywood

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Ryan Reynolds es la celebridad más reciente que recibe una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood

El actor de "Deadpool" fue honrado el jueves en una ceremonia en el Bulevar de Hollywood.
Reynolds, de 40 años, recordó haber recorrido esa misma calle por primera vez en su adolescencia. 
Dijo que ver su nombre ahí era mucho más de lo que jamás hubiera imaginado.





Reynolds estuvo acompañado por su esposa, la actriz Blake Lively, y sus dos hijas. También asistieron al evento sus hermanos mayores y su madre.
La actriz Anna Faris habló en la ceremonia.
La estrella de Reynolds está ubicada cerca del Teatro Dolby, donde se realiza anualmente la ceremonia de los premios Oscar. Es la número 2.596 del Paseo de la Fama.


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El cine de animación es hoy lo que es gracias a Walter Elias Walt Disney, un hombre con una visión muy adelantada a su tiempo
 También envuelto en falsas leyendas incluso 50 años después de su muerte, como la que asegura que fue criogenizado



Con su fallecimiento se extendió rápidamente la historia de que su familia había decidido congelar su cuerpo a la espera de que los avances científicos pudieran encontrar una cura para el cáncer de pulmón que había acabado con su vida a los 65 años y de forma fulminante, en apenas un mes.
Algunos fueron incluso más lejos y aseguraron que solo se había congelado su cabeza. Pero en realidad fue incinerado ya que, aunque alguna vez había hablado a favor de la criogenización, nunca lo dejó por escrito, por lo que su familia ni se lo planteó.
Tampoco nació en Almería (España), como otro de los rumores más populares en torno a su persona ha afirmado durante años. Nació en Chicago el 5 de diciembre de 1901 y más allá de curiosidades, fue un genio y 50 años después de su muerte —que se cumplen este jueves — nadie ha superado sus logros.

Además de fundar la todopoderosa compañía Walt Disney, se llevó los 10 primeros oscars desde que se instauró en 1931 el premio al mejor corto de animación, y en sus 44 años de carrera logró 22 estatuillas, un récord aún no superado.
Fue el creador, junto a su equipo, de personajes legendarios como Mickey Mouse, el pato Donald, Pluto o Goofy, estrellas de unos estudios que fundó junto a su hermano Ron en 1923, originalmente llamados Disney Brother Studios.
Y fue, por encima de todo, un visionario del campo de la animación, a la que dedicó toda su vida, y que amplió más allá de las salas de cine, con una serie de parques de atracciones que demostraron su arriesgado estilo empresarial.

Cuando todos le tildaban de loco, sabía ver más allá de las estrechas miras de la época y la innovación fue la marca de la casa hasta su muerte.
Apostó por la animación sonora en 1928 con el cortometraje Steamboat Willie, protagonizado por un Mickey Mouse que se convertiría en su personaje más famoso y que le proporcionaría su primer Oscar honorífico en 1931.
Siete años después, en 1938, se llevó su segundo premio especial, en esta ocasión por lo que en Hollywood vieron como un enorme logro, el largometraje Blancanieves y Los siete enanitos, un proyecto descomunal para la época, en el que trabajaron más de 300 personas.
La adaptación de este cuento de los hermanos Grimm inauguró una época en la que llevaron al cine, con enorme éxito, otras historias como las de Pinocho (1940); Dumbo (1941); Bambi (1942); Cenicienta (1950); Alicia en el país de las maravillas (1951) o La bella durmiente (1959).


Siguió arriesgando con Fantasía, una película por la que se llevó de nuevo un Óscar especial pero que no fue entendida en aquel 1940. Con los años, su preciosismo, la belleza de sus imágenes y una modernidad aún latente, la han convertido en un filme de culto.
También dio con la clave del éxito con sus películas infantiles pero con personajes reales e incluso con una mezcla de animación y ficción realmente magistral como Mary Poppins (1964), que abrió un camino diferente para los estudios Disney.
Fue un empeño personal de Disney el lograr que esa historia de la británica P. L.Travers saltara a la gran pantalla con personajes reales y animados, un proceso complicado en el que el productor desplegó sus mejores armas de seducción y que narraría años más tarde la película Al encuentro de Mr.Banks (2013).
Porque si algo tenía Disney era la inteligencia necesaria para mostrar un gran encanto personal cuando quería conseguir algo, aunque también poseía un profundo lado oscuro que quedó reflejado en el libro El americano perfecto, de Peter Stephan Jungk, que se basó en el testimonio de un ilustrador que trabajó con tío Walt, como se le conocía familiarmente.
Jung describió a Disney como un racista, misógino y antisemita, que no creó ninguno de sus personajes, y aseguró que en los estudios solo los hombres podían dibujar mientras las mujeres debían limitarse a colorear.
Acumuló críticas al mismo ritmo que éxitos con sus películas y creó todo un imperio que hizo que Disney fuera sinónimo de animación y que mantendría su hegemonía hasta décadas después de su muerte.

La llegada de Pixar y Dreamworks hizo tambalearse el imperio, pero se recuperó y hoy en día vuelve a brillar como en la época de su fundador. Un ejemplo: la única película de animación entre las diez más taquilleras de la historia es una de sus últimas producciones: Frozen.
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En una entrevista con GQ, Ryan Gosling ha revelado un curioso accidente mientras rodaba una escena de lucha para Blade Runner 2049, la secuela de Blade Runner que dirigiera Ridley Scott en 1982

Y es que al parecer a Harrison Ford –que regresa para la nueva entrega– se le fue la mano con Gosling durante la mencionada escena.
Sí, me dio un puñetazo en la cara. Fue una especie de rito de paso. Estábamos rodando la escena de lucha y simplemente sucedió. Pero lo gracioso es que, cuando terminamos, me trajeron hielo para la cara y Harrison me apartó y metió su puño en el hielo”.
Inmediatamente después”, prosigue Gosling, “el director [Dennis Villeneuve] vino y me dijo: “Míralo de este modo –te acaba de golpear Indiana Jones”. Harrison vino después con su botella de whiskey y yo pensé: “Sabía que esto pasaría”. Se sacó un vaso del bolsillo, me lo sirvió y se marchó con el resto de la botella. Supongo que no conectó lo suficiente conmigo como para darme la botella entera”.
Dicen que nunca debemos tratar de conocer a nuestros héroes, pero yo añadiría: “… a menos que sea Harrison Ford”. Porque él es un hijo de p*** muy guay”.
Apenas tenemos detalles sobre esta nueva Blade Runner, pero la anécdota de Gosling parece indicar que su personaje entrará en conflicto directo con Rick Deckard, el policía y cazador de replicantes que interpreta Ford.

El anuncio de Blade Runner 2049 fue recibido con gran escepticismo y escaso entusiasmo por parte de los fans de la original. No obstante, la incorporación de Dennis Villeneuve como director reavivó la fe de muchos en el proyecto. Villeneuve ha sido aclamado por su trabajo en Sicario y La llegada, dos éxitos de crítica y público que le han convertido en uno de los directores más solicitados del momento. 
El reparto de la nueva Blade Runner también parece una apuesta segura. Además de los mencionados Ford y Gosling, destacan Robin WrightJared Leto, Dave Bautista, así como la española Ana de Armas.

Blade Runner 2049 tiene previsto su estreno para el 6 de oct. de 2017.
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113, el número secreto del cine
Para los amantes de las teorías conspiratorias les traemos la explicación de uno de los códigos más recurrentes en la meca del cine: el A113. Este código aparece repetidamente en muchas producciones hollywoodenses, aunque es probable que jamás lo hayan notado. 
Se trata de un homenaje recurrente a la clase A113 del Instituto de las Artes de California, en donde estudiaron genios de la animación como Brad Bird, Andrew Stanton, Pete Docter, Tim Burton y hasta el director ejecutivo de Pixar, John Lasseter. Repasemos cuándo y dónde aparece este símbolo en los blockbusters más recientes.


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Una de las primeras películas en rendir homenaje a los genios de la animación que pertenecieron a la clase A113 del Instituto de las Artes de California fue 'Toy Story', en donde aparecía en la placa de un auto.


















En Misión Imposible
En 2011, Brad Bird incluyó el código que tanto le representa en 'Misión imposible: Protocolo Fantasma'. Primero aparece en el anillo del agente Hanaway (Josh Holloway) y luego, es la señal de socorro que utiliza el agente Ethan Hunt (Tom Cruise): “Alpha 1-1-3”.




'Los Simpson'
Sin ir más lejos, Brad Bird llevó este ingenioso mensaje secreto al capítulo especial que dirigió de Los Simpson, “Do the Bartman”. En esta ocasión, el código aparece en la fotografía policial de Bart y, además, también fue utilizado para representar los uniformes de prisión de Krusty el Payaso y el actor secundario Bob en otros dos episodios que dirigió Bird. 


'Los genios'
Y aquí vemos a algunos de los genios de Pixar y Disney en la clase A113 del Instituto de las Artes de California. Era la clase que tomaban los estudiantes del primer año de diseño gráfico y animación de personajes


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Uno de los momentos estelares de La reina de España, de Fernando Trueba es escuchar (y ver) lo que le dice Macarena Granada, la artista a la que da vida, Penélope Cruz, a Francisco Franco, Caudillo de España.

 Se lo dice cuando la película de Fernando Trueba está terminando, pero se lo dice tan claro, lo que aquella reina del cine le dice al Jefe del Estado (Carlos Areces en la película) que uno sale del cine como si se lo hubiera dicho uno mismo o una multitud, la que llenaba el cine.

En su breve aparición en la película, Franco es joven todavía, presume de sus logros cinematográficos ante el productor norteamericano (hizo Raza, “un género en sí misma”, como advierte el ayudante de dirección que interpreta Javier Cámara en la ficción), camina con la barbilla levemente empinada, como si quisiera llegar antes con la cara que con los pies, y hace algo de lo que los españoles no tienen constancia que hiciera alguna vez en su vida: sonríe. 
Sonríe en busca de Macarena, por ejemplo, para abroncarla porque la artista no lo quiere ver ni en pintura. 
Lo que ocurre luego, cuando a Franco se le hiela esa sonrisa, sólo es capaz de hacerlo Macarena Cruz y lo que hizo el Caudillo sólo es capaz de hacerlo Carlos Franco. La carcajada en la sala, que estaba llena, fue también una carcajada helada, porque la conversación llena de humor que fabricó Fernando Trueba resume una guerra y cuarenta años más.


«La Reina de España» supone la vuelta a la comedia de Fernando Trueba . La película cuenta la historia del retorno a España de la gran estrella Macarena Granada (Penélope Cruz), quien tras haber triunfado en Hollywood regresa a nuestro país para incorporarse, en el papel de Isabel la Católica, a uno de los increíbles rodajes que vinieron a filmar los americanos a partir de 1956, una vez terminado el bloqueo internacional a la dictadura. Al enterarse Blas Fontiveros (Antonio Resines), que no había vuelto a España desde que se fuera a dirigir La niña de tus ojos 18 años atrás, decide regresar y encontrarse con algunos de sus viejos amigos. Su llegada desata una serie de acontecimientos que pondrán a prueba el rodaje de la superproducción.
Antes de entrar al cine (el Renoir del Retiro, en Madrid, sesión del sábado 3 de diciembre, a las 20.15) una pareja explicó que habían comprado las entradas por solidaridad con el cineasta, zaherido hasta marearlo en cuanto se anunció el estreno; ellos querían solidarizarse con Trueba, como en tiempos del Caudillo nos solidarizábamos con los autores o con las canciones o con las películas o con los libros que no eran bienvenidos por el Caudillo y los suyos. 
Cuando acabó la película, una mujer llamada María coincidió conmigo en el carácter tan español de la película. Comentamos la contradicción en que caen los que le creen a Trueba cuando dice que no se siente muy español. Lo que pasa con Fernando es que es español de Macarena, me dijo la espectadora, “y no español del Caudillo”.

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La última interpretación de Natalie Portman, 35, ha sido encarnar a Jackie Kennedy días después de la muerte de su esposo, el presidente Kennedy en Jackie


Un rol que suena a premios y que podría valerle su tercera nominación al Oscar tras haberlo ganado en 2011 por Cisne Negro. Sin embargo, según la revista New York, la intérprete ha expresado que esos personajes sustanciosos son muy raros, y que el cine contemporáneo de Hollywood no hace personajes femeninos grandiosos una prioridad.

“No hay buenos roles femeninos que estén floreciendo”, expresó Portman.

Representando a Jackie, la actriz se ha inmerso en la cultura Americana de los años 50, y cree que las oportunidades para la mujer en el cine eran mucho mejores en esa década hasta los 60. 

“Aunque hagan el ocasional comentario sexista, aún tienen a una mujer que tiene personalidad”, opinó citando filmes como Sunset Boulevard de Billy Wilder y Marnie, la ladrona de Alfred Hitchcock. “Ahora siento que todas las películas son sobre hombres blancos y luego, unas pocas son sobre la mujer”.

Su primer proyecto como productora fue una decepción, el fracaso en la venta de taquilla plagado de problemas en la producción de su western Jane Got a Gun, hizo que admitiera que no está hecha para ser productora. “Ese no es el talento en mi vida", sentenció.

Portman también habló sobre su nuevo biopic de la joven Ruth Bader Ginsberg en On the Basis of Sex, explicando que el proyecto se ha puesto en pausa y que continuará hasta que se encuentre a una mujer directora.

Desde muy temprana edad, Portman ha sido una defensora en causas sociales y políticas. En 2004 se convirtió en embajadora de la esperanza en FINCA International, defensora y colaboradora del Partido Demócrata, y en 2011 se hizo portavoz de Free the Children, una asociación internacional educativa que lidera la campaña del Poder de una niña.
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El  cineasta español Pedro Almodóvar, que ha inaugurado una retrospectiva a toda su carrera en el MoMA, dijo en una entrevista que el presidente electo de EEUU Donald Trump le inspira una “película de catástrofes”


“Este hombre va a dar mucho material, sobre todo a humoristas, pero nos va a tocar a todos sufrir las consecuencias de su trabajo. A mi lo que me inspiraría seriamente es una película de catástrofes”, señaló.
Almodóvar, que hace unas semanas apostó por una victoria para la demócrata Hillary Clinton, afirmó que Trump “es uno de esos personajes que no parecen verosímiles en la vida real”.

“Sería un gran personaje de ficción. Pero debería quedarse ahí, en la ficción. Tener que soportarlo es una desgracia enorme”, apuntó el director manchego, que confío en que el magnate “pierda la paciencia y se vaya pronto” de la Casa Blanca.
El director de “Mujeres al borde de un ataque de nervios” y “Todo sobre mi madre” inauguró la retrospectiva acudiendo a la proyección de “Julieta”, que se estrenará este mes en los cines de EEUU y que se podrá ver junto con las otras diecinueve películas de su filmografía en el museo neoyorquino situado entre la quinta y la sexta avenida.
“Esto es increíble. Es la catedral del arte moderno”, dijo Almodóvar al ser preguntado sobre cómo se siente ante el honor de que el MoMA le dedique una retrospectiva hasta el próximo 17 de diciembre.
“Estoy muy emocionado y es un privilegio. Más allá de pensar si lo merezco o no, es que es estar en la mejor compañía posible”, apuntó sobre las joyas de arte moderno que cuelgan en las paredes del museo, de Frida Kahlo a Andy Warhol pasando por Roy Lichtenstein, y que han inspirado su propia obra, reconocida por su riqueza pictórica.
Almodóvar explicó que desde sus primero viajes a Nueva York ha visitado el MoMA en multitud de ocasiones y que fue en el museo donde vio por primera vez el “Guernica” de Picasso antes de ser trasladado a España.
El comisario del depart. de cine del MoMA, Rajendra Roy, dijo que el museo es el “lugar natural” para la obra de Almódovar, capaz de hablar directamente a espectadores y plasmar como nadie la modernidad en el cine.
Y Almodovar dice que: “Para mi es un milagro que mis películas gusten más allá de la Mancha. La verdad es que cuando hago una película soy incapaz de pensar en el espectador, y ya mucho menos más allá del espectador de fuera de España”, señaló el cineasta, que dijo que personas de otros lugares se involucren en sus historias es “el milagro del cine”.
Almodóvar reconoció que al principio de su carrera creía que sus películas solo iban a comprenderse totalmente en su pueblo, Calzada de Calatrava.
Así, para el cineasta, con treinta años de carrera, el secreto de ser universal a la hora de conectar con los espectadores es ”tratar de hacer películas lo más íntimas, pequeñas y cercanas posible, y ser honesto“.
Esa honestidad le llevó en su última película, ”Julieta“, basada en relatos de la escritora anglosajona Alice Murno, a llevar la acción del Canadá original a la costa gallega, un escenario más cercano para el director.
”Julieta“ está protagonizada por Emma Suárez, Adriana Ugarte y una de sus musas más veteranas, Rossy de Palma, que acompañó al director en su gran noche en el museo, donde dijo sentirse como en casa porque siempre la han llamado ”picassiana“.

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"Todo el mundo quiere ser Cary Grant. Incluso yo quiero ser Cary Grant", decía el actor


"He pasado la mayor parte de mi vida fluctuando entre Archie Leach y Cary Grant; sin estar seguro de ninguno, desconfiando de ambos. Fingí ser alguien que deseaba ser, hasta que finalmente me convertí en esa persona. O él se convirtió en mí», reconocía el actor, tal y como replica Marc Eliot en «Cary Grant: La biografía».
Apuesto galán con medio Hollywood a su favor, Cary Grant era una persona diferente fuera de la gran pantalla. Curtido por una infancia difícil marcada por la ausencia materna y los delirios de un padre alcohólico, en cuanto pudo dejó atrás el nombre de Archie, y se labró su propia historia, un papel protagonista más en su extensa filmografía. Pero ese pasado del que intentaba huir le perseguiría el resto de su vida en cada paso, en cada cara, en cada palabra.

El pequeño Archie siempre creyó que su madre, Elsie, había muerto un día mientras él estaba en el colegio. Así se lo hizo saber su familia, y todos actuaron durante años en consecuencia, ocultando una cruel realidad que habría de ser revelada bastante tiempo más tarde.

Durante un reencuentro con su padre, Elias, el joven Grant trata de recomponerse tras la primera impresión, esa que, como la marea que siempre arroja a tierra los deshechos, le devolvía, después de años sin verse, a un padre cuyo rostro estaba devastado por el sol y el whisky. Apenas tres cervezas le bastaron a Elias para descolocar a uno de los mejores actores que ha dado la meca de Hollywood: «Bueno, hijo, ¿te gustaría ver a tu madre?». Y, sin pudor ni tapujos, desembuchó la verdadera historia de la madre del actor, sin siquiera percatarse de las consecuencias que tendría en su hijo.


Las primeras palabras de Elias noquearon a Grant, que asistía en primera persona al desplome del mundo que siempre había creído conocer. Su madre no estaba muerta, sino recluida contra su voluntad en Fishponds, una institución para deficientes mentales de un condado a las afueras de Bristol. El pequeño Archie se vio privado de la presencia materna porque porque su madre había sufrido una grave «crisis nerviosa», según el propio Elias, que no vio la necesidad de contarle a su hijo lo sucedido, pues creía que la permanencia de su mujer en la institución mental Fishponds donde estaba recluida duraría de por vida.
Un alicaído Grant salió del pub en el que se había encontrado con su progenitor, arrastrando los pies, devastado. 

Su padre, al que siempre había adorado, se convirtió en el villano de la película de su vida,. En cambio, su madre pasó de desaparecida a trágica heroína, abandonada, marginada. Grant, que durante años había creído profusamente que su madre lo había abandonado, viró su odio hacia la figura paterna.
Después de una noche agitada, Grant aclaró sus ideas. Instó a Elías para que dispusiese lo necesario para citarlo con su madre.
Quince tortuosos minutos de trayecto en taxi hasta Fishponds. La verja del manicomio emergía al fondo del camino y, dentro, su madre esperaba. El actor no pudo contener la emoción. Ella, de cincuenta y seis años, y él, de treinta, se reunieron por fin. La vida le devolvía a Grant lo más valioso.
Enseguida se percató de los cambios. La piel, el pelo... las huellas de haber vivido bajo el yugo de la demencia dejaron su rastro en Elsie. Ella, alegre, acariciaba a un conmocionado Grant, que lloraba como un crío.  Ni siquiera sabía cuánto tiempo había transcurrido, ni que su hijo había dejado ya hace tiempo, tras su ausencia, de ser el pequeño Archie para convertirse en una de las grandes estrellas de cine de la historia.

Y entre la desesperación y el odio, siempre el amor. Boda de por medio —la quinta del actor, que siempre deambuló entre los brazos de mujeres que se lo disputaban y, según el crítico de moda Richard Blackwell, también de hombres como el actor Randolph Scott, con quien vivió durante 12 años—. Y, por fin, Elsie Leach fue declarada «oficialmente sana» diecinueve años después de su confinamiento.
La turbia historia de la única mujer que verdaderamente conquistó al galán más solicitado de Hollywood. Un guión de película que Grant no seleccionó como tantos otros. Uno que trastocó para siempre la vida del actor, sumiéndolo en un alcoholismo que superó a base de sesiones psicodélicas y transformándolo en un firme defensor y divulgador de los beneficios del LSD en la meca del cine.

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La biografía de Jack Nicholson acaba de aparecer en un libro biográfico cuya edición en español ha publicado la editorial Lumen


-Ha sido aspirante a Marlon Brando, coleccionista de arte, vividor y mujeriego, símbolo de la contracultura -“Easy Rider”- a uno de los villanos más famosos del cine -su ‘Joker' en Batman, pero sobre todo un actor excepcional que ha convertido a sus personajes en iconos del cine y que, con doce candidaturas a los Oscar, es el intérprete más nominado de la historia.
La biografía escrita por Marc Elliot, autor de libros sobre otras celebridades como Clint Eastwood o Cary Grant, incide en algunos de los aspectos más morbosos de su vida, como sus numerosas parejas, entre las que destaca su relación intermitente y tormentosa a lo largo de dieciséis años con Anjelica Huston.

También describe sus experiencias con las drogas, cuando en su casa acogía fiestas en las que no faltaban el ácido, la cocaína o la marihuana. Para el recuerdo, aquel episodio en el que se vio involucrado cuando una menor acusó a Roman Polanski de haber abusado de ella en la residencia del actor.
Pero uno de los episodios más turbios de su historia fue descubrir, siendo ya un actor consagrado, con 37 años, que quien creía que era su madre, Ethel May, era en realidad su abuela, y su verdadera madre era su supuesta hermana mayor June, mientras que su padre era un artista de variedades llamado Don Rose.
Nacido en Nueva Jersey (1937) en el seno de una familia obrera, Nicholson se trasladó a Los Ángeles en los años 50. Allí se sumó a los nuevos rebeldes, aspirantes a actores que querían emular a Marlon Brando y James Dean alimentando sus sueños a base de ‘cool jazz' y de leer a Jack Kerouac (“En el camino”), pionero de la “Generación Beat”.


Su primer trabajo en la industria fue como oficinista en el departamento de animación de Metro Goldwyn Mayer, que compaginó con sus primeras clases de interpretación.
Nicholson se estrenó en Broadway en 1953 con un papel de apenas dos frases en la obra “Té y simpatía” gracias a la cual conoció a Roger Corman, productor y padrino del grupo que cambió Hollywood en los 70 -de James Cameron a Scorsese- y pionero del cine independiente de bajo presupuesto.
Con Corman rodó su primera película, “Grita asesino”, definida como “una especie de ‘Rebelde sin causa' a base de anfetaminas” y otras muchas en las que también desarrolló su faceta menos conocida de guionista.
La explosión llegó con “Easy Rider” (1968), el filme de moteros de Dennis Hopper y Peter Fonda que supo conectar con la generación de Woodstock y que lanzó a Nicholson al estrellato, con su primera candidatura a los Oscar como mejor actor de reparto.
Fue en esa época cuando se compró su casa en Mulholland Drive, vecina de la de su admirado Brando, y empezó su colección de arte, que incluye obras de Picasso, Matisse o Warhol.


El detective Gittes de “Chinatown”, el rebelde encerrado en un manicomio de “Alguien voló sobre el nido del cuco”, el buscavidas de “El cartero siempre llama dos veces” o el terrorífico escritor de “El resplandor” forman parte de su galería de personajes inolvidables.
Cuando parecía que había tocado techo con papeles perturbadores, se reinventó en su faceta cómica, eso sí, una comicidad estilo Nicholson, que atrae y repele a la vez, en títulos como “La fuerza del cariño” y más adelante, “Mejor imposible” o “A propósito de Schmidt”.
Tan famosos como los papeles que le elevaron a la cumbre fueron muchos de los que rechazó: ni más ni menos que el de Michael Corleone en “El Padrino”, Henry Gondorff en “El Golpe”, que hizo Paul Newman, o el Gran Gatsby, que haría Robert Redford.
Con el ‘Joker', además de bordar su mejor villano, entró en el universo pop y cerró el círculo de su pasión de infancia.
Cuenta Elliot, su biógrafo, que, siendo niño, la madre de Nicholson le mandó a comprar pan y leche, pero el pequeño Jack se gastó el dinero en sus cómics preferidos, entre ellos uno de Batman. Al llegar a casa, mamá le dio una paliza y le quitó los tebeos.

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"No me pasé tres días en la cama con Marilyn. Si lo hubiera hecho, ¡estas fotografías probablemente no existirían!". Quien así bromea es Douglas Kirkland. 


La primera vez que el fotógrafo canadiense (1934) se encontró cara a cara con la actriz, él aún no había cumplido los 30.

 No era más que un chaval que comenzó fotografiando partidos de hockey. Hasta que, por encargo de la revista Look, un día tuvo que enfrentarse a uno de los mayores retos de su carrera: inmortalizar a la mujer más sexy del mundo.
En su recuerdo aún conserva las pocas pero explícitas condiciones que la actriz puso para la ocasión:
 Sábanas blancas de seda, música de Frank Sinatra y un buen Dom Pérignon. "Me reuní con ella en tres ocasiones", relató una vez Kirkland. "El telón se levantaba en una de las más increíbles noches de mi vida. Recuerdo ver a dos asistentes, una para el maquillaje y la peluquería y la otra, supuse, para el vestuario. Marilyn me dio un abrazo rápido y un beso en la mejilla y luego desapareció en el camerino. De pronto, volvió a aparecer, se sentó en la cama, se tapó los pechos y dijo a todos, "creo que debería quedarme a solas con este chico". 

Un instante después, se cerraba la puerta. Ahora sólo estábamos los dos. Marilyn Monroe y yo. No estaba del todo seguro de lo que esperaba de mí. ¿Qué debía hacer? Me escondí tras la cámara y empecé a disparar".

Parte de lo que ocurrió a continuación se puede contemplar por primera vez en España hasta el 10 de enero en Mondo Galería (San Lucas, 9). Reunidas bajo el título 'Una noche con Marilyn' y coincidiendo con el 55 aniversario de la sesión, realizada el 17 de noviembre de 1961, varias imágenes seleccionadas por el propio artista cuentan por sí solas cómo transcurrió la velada.

"Si uno no supiera de antemano que las fotografías fueron hechas en un estudio, parecería que fue un encuentro fortuito en un hotel", asegura Diego Alonso, director de la galería. "No fue una sesión más. Él buscaba hacer la foto de su vida. Indagaba en distintos estilos y diferentes posiciones, mientras ella posaba a ratos sí y a ratos no. Esa parte de improvisación que hubo por parte de los dos proporcionó mucha frescura. Fue como un juego para ambos. Allí se generó una complicidad que se ve reflejada en las imágenes".
Con el paso de los años, Mick Jagger, Andy Warhol, Oliver Stone, Leonardo DiCaprio, Coco Chanel, Brigitte Bardot, Judy Garland, Elizabeth Taylor, Catherine Deneuve, Michael Jackson, Charlie Chaplin, Sophia Loren y un inacabable etcétera fueron otros de los célebres personajes que desfilaron ante el objetivo de Kirkland y le dedicaron sus mejores poses. 
Sin embargo, jamás habrá otra como ella. "Será difícil que conozcamos a otra Marilyn. Antes, una artista era actriz, cantante y 'sex symbol' a la vez. Ahora, en cambio, todo está muy sectoralizado", asegura Alonso. "Amy Winehouse quizá podría ser lo más cercano a un ejemplo de similitud, pero no tiene su misma sensualidad, ni tampoco ese punto de gustar a todo el mundo, que es precisamente lo que la actriz tenía. Atraía a todos por igual".

Como el propio Kirkland dijo, lo más chocante de Marilyn siempre fue su belleza. "En mis recuerdos, ella se mueve como flotando a cámara lenta, más etérea que real. Eso era lo extraño de su hermosura. No era de este mundo".
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'Animales Fantásticos...' recauda millones, pero es la menos taquillera de la saga de Harry Potter


'Animales Fantásticos y dónde encontrarlos', ha comenzado su andadura por la taquilla mundial con una recaudación espectacular. El primer spin-off de Harry Potter debutó el pasado fin de semana en los cines de 64 países, cosechando un total de 218,3 millones de dólares.


La cinta dirigida por David Yates contó con un presupuesto de 180 millones de dólares, una cifra recuperada gracias a la taquilla inicial que se divide en 143,3 millones en el box-office internacional y otros 75 millones en EEUU.
Sin embargo, este resultado sentencia el estreno más bajo de toda la saga creada por JK Rowling. Harry Potter y la piedra filosofal (2001) hizo 90,3 millones en su primer fin de semana en los cines de EEUU, mientras Las reliquias de la muerte-Parte II (2011) cosechó 169 millones.
Reino Unido (18,3 millones), Corea del Sur (14,1 millones), Alemania (9,9 millones), Rusia (9,8 millones) y Francia (9,7 millones) fueros los territorios que inyectaron más capital a la recaudación.

Animales Fantásticos está protagonizada por Eddie Redmayne que interprete a Newt Scamander, un coleccionista de criaturas mágicas que llega al Nueva York de los años 20 en el momento en que una bestia desconocida aterroriza a la ciudad.
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Rodar una escena de sexo con Brad Pitt puede convertirse en algo incómodo. Así lo ha dicho Marion Cotillard, en rueda de prensa y presentando su última película (Aliados) 


Y respondiendo a cómo se mete ella en la piel de una mujer que tiene que amar (de manera muy pasional) al personaje interpretado por Brad Pitt en el cine.
“Es algo muy raro”, ha dicho Marion, “rodar este tipo de escenas de sexo es algo incómodo porque, aunque puedes interpretar e intentar ser libre para mostrar tus emociones y sentimientos, no puedes dejar de pensar en cosas como ¿qué tengo que hacer ahora?, ¿me pongo encima de él o no?”

Y es que, al parecer, no había tiempo en este tipo de escenas para la improvisación y la naturalidad. Porque todo estaba coreografiado. “Habíamos ensayado previamente pero, sin embargo, seguía siendo algo raro”.


“Nos reíamos mucho en este tipo de escenas y acabábamos mirándonos el uno al otro diciéndonos “esto es muy raro”. Pero luego entrábamos en materia y llevábamos a cabo eso de ahora te beso, ahora me pongo encima de ti“, contaba entre risas la actriz.

La escena en cuestión podrá verse a partir del próximo 25 de noviembre cuando, en los cines españoles, se estrene Aliados, la nueva película protagonizada por Marion Cotillard y Brad Pitt.
¿Se notará esta incomodidad en la gran pantalla?


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Monica Bellucci: “La belleza no tiene edad”
La actriz italiana ha presentado en México 'On the milky road', su última película con Emir Kusturica


La aparición de Monica Bellucci (1964) se hizo esperar, pero mereció la pena esperar. Enfundada en un ajustado y elegante vestido de gasa en tono aguamarina, casi una sirena en medio de una suite blanca y azul, la diva italiana, sin gafas y a cara descubierta, recibió a la prensa este sábado en un lujoso hotel de Los Cabos, cuyo festival de cine le otorga el Premio Life Achievement por su contribución a la cinematografía y  en el que ha presentado en Mèxico On the Milky Road, el último filme del polémico Emir Kusturica.

En la película del director serbobosnio, Bellucci nterpreta a una mujer madura que vive una historia de amor fou con un serbio (el propio Kusturica) en plena guerra de los Balcanes para la que tuvo que familiarizarse con el idioma (ella que habla tres: inglés, francés e italiano) durante un rodaje que se prolongó durante cuatro años. “La película es sobre el amor y la sensualidad que no tienen edad".
El aspecto de Bellucci, tantas veces comentado, lo confirma. La actriz y exmodelo hace trizas el manido tópico de que una mujer no puede ser bella pasados los 50 años y deja definitivamente caduco el chiste de que, a partir de esa edad, uno solo debe desnudarse por prescripción médica, por si a alguien le quedaban dudas tras sus espectaculares fotos sin ropa en una piscina publicadas por Paris Match que incendiaron las redes. 


"Es lo mismo que he comentado sobre la película. Creo que ahora la vida es mucho más larga, para hombres y para mujeres, y tenemos por delante mucho más tiempo. Cuando pasa la juventud, hay otro tipo de belleza que es mucho más interesante para mi".
Bellucci, cuyo estatus de estrella debe situarla entre las mejor pagadas del mundo, no rehuye hablar de la polémica sobre las diferencias de salarios entre hombres y mujeres en Holllywood ni en la vida real. "Las cosas están cambiando en las generaciones más jóvenes, pero aún hay que seguir luchando. Incluso en este oficio, en los festivales hay más directores hombres que mujeres". Del resto, solo da información a cuenta gotas. Por ejemplo, a la pregunta de si cree que Trump podría ser un Berlusconi a la americana, ella, que nunca ha rehusado papeles difíciles, responde con una carcajada, una mirada irónica y un escueto: "No hablo de esos temas".
Tampoco desvela detalles de un plan, anunciado por ella misma, para producir una película en México que "sería una nueva etapa en su carrera". Se limita a sonreír, dueña no solo de sus palabras, sino también de sus silencios y, por supuesto, de su belleza.
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El trabajo realizado por el crítico alemán  Daniel Kothenschulte, recogido en el libro The Walt Disney Film Archives. The Animated Movies 1921-1968 (Taschen) 

Es un regalo para todos los amantes del cine animado lo largo de medio siglo. 

Dibujos, bocetos, guiones gráficos de proyectos que se quedaron en el cajón, trabajos preliminares finalmente desechados, transcripciones de reuniones de los equipos creativos salen a la luz. Algunos de los dibujos y bocetos que habían permanecido durante décadas guardados en las estanterías, todavía almacenaban el polvo de las originales pinturas pastel .“En los estudios Disney —señala Kothenschulte— a diferencia de otros estudios de Hollywood, todo estaba muy documentado, Walt Disney disponía de taquígrafos para recoger las sesiones de trabajo de los diferentes equipos durante las reuniones”.

The Walt Disney Film Archives. The Animated Movies 1921-1968 se presenta como el trabajo más completo hasta la fecha sobre el universo Disney y las películas que conformaron su mitología. El voluminoso estudio recopila cerca de 1.500 imágenes, de unos fondos, la Animation Research Library Disney, formados por cerca de seis millones de material, y de los cuales, hasta el momento, solo han podido catalogarse cerca de un millón.


Dibujantes en los estudios Disney para la producción de ‘Bambi'.

Clásicos como Blanca Nieves y los siete enanitosDumboLa Cenicienta o La dama y el vagabundo incluyen una colección de los dibujos originales pertenecientes a la fase de creación que había permanecido inéditos y donde se puede ver el exhaustivo proceso de creación hasta construir los personajes que todos conocemos.
 Entre los primeros apuntes para la reina de Blanca Nieves y los siete enanitos destaca un dibujo con el perfil sospechoso de un rostro que recuerda a la actriz Greta Garbo en La reina Cristina de Suecia

Con motivo de la preparación de Bambi, una fotografía recoge a todo el equipo de dibujantes alrededor de un ciervo instalado en el centro de la sala sobre un lecho de paja que permanece ajeno al coro de observadores.

Como escribe John Lasseter, el director de Toy Story, en la presentación del libro, “a menudo se señala el estilo Disney como algo invariable o muy determinado, cuando en realidad fue evolucionando a lo largo de los años”. Una evolución sin duda señalada por el gran número de maestros de la animación, diseñadores y dibujantes que pasaron por los estudios y a los que el libro rinde homenaje: Albert Hurter, Gustaf Tenggren, Kay Nielson, Carl Barks, Mary Blair, Sylvia Holland, Tyrus Wong y otros nombres que colaboraron a crear el mayor y más fascinante imaginario cinematográfico del siglo XX.

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«Jack Reacher: nunca vuelvas atrás» (‘Jack Reacher never go back’)

Las 19 novelas de la serie Jack Reacher, personaje creado por el británico Lee Child, podrían encajar perfectamente en el mito, convenientemente actualizado, del eternamente menospreciado defensor del inocente. Reacher, (Tom Cruise) expolicía militar e investigador feliz de salir del sistema tras años a su servicio, recorre Estados Unidos como un nómada sin destino concreto. 
Fanático de figuras de la música negra o el béisbol netamente americanas, Reacher tiene, sin embargo, la habilidad de aparecer como un fantasma allí donde se le necesita. 

Un papel idóneo para que Tom Cruise, en una maniobra que sus detractores sin duda interpretarán como un intento de retener el estrellato de tiempos pasados, ha hecho suyo en los hasta ahora dos filmes dedicados al personaje. 
Otros pensamos que no, o que en todo caso nos da un poco igual: tanto Jack Reacher como su secuela, Nunca vuelvas atrás, que se estrena esta semana en España, son dos producciones medias (poco más de 60 millones de dólares de presupuesto) con potencial de franquicia pero sin la presión de un blockbuster de 1.000 millones. Reacher es, también, un personaje con el que Cruise puede envejecer: chulesco pero amigable; autoritario pero sensible (más en los filmes que en las novelas); peligroso pero en última instancia, defensor de causas justas. Mitad Terminator y mitad Sherlock Holmes, un personaje perfectamente válido para una buena serie de películas de acción de tamaño medio y cierta capacidad de adaptación a los nuevos aires en el alicaído género. 


Todo en el filme versa, quizá, sobre la inoperancia de Reacher a la hora de relacionarse con las mujeres y las limitaciones que le impone su naturaleza de antihéroe solitario, suena veces a la saga ‘Jaso Bourne’, pero se puede ver y pasar un rato aceptable.



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La nueva película de 'Bridget Jones' ha arrasado en la taquilla británica 

Hasta el punto de convertirse en el mejor estreno del año, superando a 'El Libro de la Selva', de Disney y las películas de superhéroes.
Se trata de la tercera película de esta heroína británica (ahora con dos hombres a sus pies) que ha recaudado 57,15 millones de dólares en Reino Unido desde su estreno, por encima de lo conseguido por 'El Libro de la Selva', 57,05 millones; y de los largometrajes de superhéroes que tanto suelen cautivar al espectador, entre ellos, 'Deadpool' (46,81 millones) 'Capitán América' (45,7 millones) y 'Batman vs Superman' (45,22 millones). 

En esta nueva entrega, Bridget ya tiene 43 años, pero se mantiene igual de fresca que hace 15. 

El papel estrella de Renée Zellweger cuenta en su diario la inquietud de no saber de quién está embarazada, viéndose inmersa en un triángulo amoroso del que debe salir por sus propios métodos.
Las críticas a la película no han sido del todo negativas. Se trata de la cinta de comedia romántica que más dinero ha recaudado en menos tiempo en Reino Unido.
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Sully, de Clint Eastwood, básicamente, se ocupa de la posibilidad del heroísmo (Sully, para entendernos, es Miralles). 


La película, para situarnos, cuenta la historia del comandante Chesley Sullenberger Sully, el hombre que, una tarde de enero de 2009, depositó el vientre del descomunal Airbus 320 que pilotaba sobre la superficie helada del Hudson. Volaba desde el aeropuerto de La Guardia en Nueva York al de Charlotte en Carolina del Norte. En su interior, 155 pasajeros. Una bandada de pájaros detuvo los dos motores. El resto es historia; un relato consumido con avidez y bastante obscenidad por cada informativo del planeta.

Clint Eastwood utiliza este suceso para componer un raro prodigio (su mejor película en años, sin duda), un milagro preciso y pautado sobre la frágil rutina que mueve a esos peculiares e inabarcables aparatos. Quién sabe si a la misma peculiar e inabarcable vida. La película vive toda ella en la cabeza de Sully y, por tanto, en la del director. Es decir, en la del espectador. No se trata tanto de narrar el hecho en sí, de sobra conocido, como de hurgar en la herida que consume el momento decisivo del, a pesar de todo, héroe
La idea es colocar al espectador al lado de su más íntima incertidumbre. El hilo conductor es el juicio al que se tendrá que enfrentar Sully. Se trata de resolver si su decisión estaba justificada o fue más bien un simple, aunque profundamente poético, error. ¿Podían haber regresado al aeropuerto o no quedó más remedio que desplomarse, y finalmente salvarse, sobre el río?

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Tom Hanks, por lo demás, vuelve a demostrar esa rara habilidad para colocarse en el lugar exacto del que le observa. Pocos actores disponen de tantos recursos para, con la cabeza cana y un bigote absurdo, parecer quien quiere ser. Resulta ininteligible que alguien capaz de tanto sea a la vez culpable de tan poco en una película como Inferno. Probablemente de misterios como éste se alimentan las mejores biografías de Hollywood. A su lado, un sobrio Aaron Eckhart (en el papel de copiloto) y una catarata de secundarios perfectos comandados por Laura Linney (la nerviosa esposa) ofrecen la justa medida de una película que funciona de principio a fin como una radiografía de la duda. La de todos.


Director: Clint Eastwood | Intérpretes: Tom Hanks, Aaron Eckhart, Laura Linney, Anna Gunn, Autumn Reeser | Año: 2016 | EEUU Duración: 96 min.

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Ken Loach es director de cine y televisión y se le conoce por su estilo de realismo social y temática socialista, nació el 17 de junio de 1936 (80 años) en Inglaterra)


Su lista de premios es impresionante: Dos Palmas de Oro en Cannes, tres Premios del Jurado, un Bafta, un César a la mejor película extranjera, un César a la mejor película de la Unión Europea, un Premio del Público en San Sebastián...

Ken Loach regresó a Cannes con «Yo, Daniel Blake» y ganó la Palma de Oro y el Premio de Público del Festival de San Sebastián
Otro retrato de la sociedad actual, de los mucho que el realizador británico ha regalado al cine. Los tornillos se aprietan a los trabajadores con la vuelta de tuerca que los gobiernos dan siguiendo su política de austeridad. Loach se pone la cámara al hombro para observar como la maquinaria se engrasa, como la fórmula establecida exige la respuesta que busca. 

«Yo, Daniel Blake» es una película sobre la empatía, envolviendo a los personajes con una sorprendente dosis de realidad. El cine neorrealista de Loac,  sobre todo, provoca una sensación de abandono que hace temer por el futuro de la sociedad europea. La cinta se centra en Dan, interpretado por el cómico Dave Johns, un hombre incapaz de encontrar trabajo tras un ataque al corazón. Un individuo que busca su dignidad entre la burocracia creada para complicarnos la vida. En Cannes, el octogenario director habló de su filme, su colaboración con Paul Liverty y su pasión por el cine.

-¿Su filme es un retrato de la empatía?
-El Gobierno inglés es cruel porque ha creado una conciencia de culpabilidad entre los ciudadanos, como si ellos tuvieran la culpa de no encontrar un trabajo. La población más vulnerable está atrapada en esta dinámica; por ejemplo, los incapacitados. Hay mucha gente que está suicidando por ello.


-En el filme se muestra como administradores de centros de empleo son forzados a complicar las demandas del sistema.
-La gente que trabaja en estos centros se ve obligada a humillar al público. Nosotros hemos intentado hacer un filme dentro de la tradición del neorrealismo italiano retratando esa verdad. Los actores son gente que ha trabajado en bancos de comida y en oficinas de empleo que nos han ayudado a crear ese sentimiento de objetividad. Cuando despiezas un guión página a página es posible vivir la vida de la persona que retratas.

-¿Qué espera conseguir con este filme?
-Quiero mostrar la urgencia del momento que vivimos, un momento peligroso que puede robar a la clase trabajadora el poco poder que todavía tiene.

-«Yo, Daniel Blake» es una obra maestra que le sacó de su retiro.
-Paul y yo escribimos historias continuamente, el hecho de él que viva en Edimburgo y yo en Bath nos permite intercambiar mensajes sobre lo que ocurre en cada ciudad con la gente, con el desempleo, con la desigualdad y, poco a poco, esta historia fue tomando forma hasta convertirse en algo extraordinario. Es un filme muy simple.

-Este fine nos incluye a todos, lo que le ocurre a los protagonistas sucede a nuestro alrededor.

-Esa es la gran ventaja del cine, te permite enseñar lo que sucede en las distancias cortas. Aquello que tenemos cerca y no hemos visto. Una de las cosas que más me llamó la atención, durante la grabación en los bancos de comida, fue la fachada de algunas personas, el esfuerzo que hacen por no perder la confianza, el respeto que se tienen a sí mismos, cómo intentan no aparentar que no van a los bancos de comida. Eso, para mí, fue lo más emotivo de todo el filme. Una de las estadísticas más importantes que he encontrado, es que en Inglaterra los pobres que trabajan por poco dinero superan ya la barrera de los cinco millones. Sobreviven con lo que poco que tienen.
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Bergman vuelve al cine con su guion perdido


Ingmar Bergman, uno de los grandes cineastas europeos desde finales de los años 40 hasta principios de los 80, escribió el guion de Sixty-four minutes with Rebecka (64 minutos con Rebeca), una historia sobre una mujer en busca de la libertad sexual y política, pero nunca llegó a convertirla en una película. 

Ahora, la directora sueca Suzanne Osten hará realidad este proyecto perdido del cineasta.

En 1969, Bergman escribió este libreto con la mente puesta en una futura colaboración con otras dos leyendas del séptimo arte: Federico Fellini (La dolce vita) y Akira Kurosawa (Los siete samuráis), y con la intención de que la película estuviera protagonizada por la estrella de ‘El graduado’, Katherine Ross.
Pero la colaboración entre los directores fracasó, y el libreto de Sixty-four minutes with Rebecka quedó relegado a un cajón. No fue hasta principios del 2000 cuando se encontró el guion perdido, después de una donación de Bergman a su fundación Ingmar Bergman Foundation.

Ahora, la directora sueca Suzanne Osten llevará a la gran pantalla esta historia, centrada en una mujer en busca de la liberación sexual y política en medio del movimiento radical del 68.
"Se sitúa justo en medio del espíritu de la época de 1969, un tiempo en el que una gran ola de cambios invadió Suecia", señala. "¡Es un guion realmente bueno!", apunta la directora. Osten, que se considera a sí misma como una "enemiga" de Bergman".
Para la cineasta, llevar al cine un libreto de Bergman es algo "irónico", pero de grandes dimensiones históricas y culturales. Los dos directores eran abiertamente antagónicos, hasta el fallecimiento de Bergman en 2007. 
El guion de Sixty-four Minutes with Rebecka en un principio estaba previsto que se rodara en inglés, con el título The White Wall (La pared blanca), y la película sería una mezcla de sueño y realidad, con el personaje principal enfrentándose a varias situaciones críticas.
"Es como estar metido en una pesadilla", explica Osten. "Recuerdo bromear con el título Rebeca en el País de las Maravillas. Varias situaciones en las que se ve atrapada la protagonista tienen un estilo kafkiano y toques de humor", afirma la directora. "El guion es feminista, raro, erótico y anti-autoritario. Es increíblemente valiente, complejo y radical", añade.
Antes de comenzar a rodar, el guion de la película se presentará en la radio pública sueca el próximo 6 de noviembre. 64 minutos con Rebeca podría estrenarse en 2018, justo el año en el que Bergman cumpliría 100 años.

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El porte de galán de Cary Grant sirvió de inspiración para crear al mismísimo James Bond. Daba igual que apareciera en una comedia romántica o en un film de aventuras

Siempre aparecía en las películas impecablemente trajeado y con una seductora sonrisa. 
Durante décadas, todos querían ser Cary Grant, incluso él mismo bromeaba a veces con esa idea. 
“A mí también me gustaría ser Cary Grant”, solía decir. Pero detrás de la estrella que aparecía en las pantallas, se escondía un hombre atormentado, con un dramático pasado que muy pocos conocían.

Archibald Alexander Leach, que así se llamaba realmente el actor, nació en Bristol, Inglaterra, el 18 de enero de 1904. No tuvo una infancia feliz. Cuando tenía tan solo nueve años, ingresaron a su madre en una clínica psiquiátrica. El pequeño Archibald creyó que había muerto y no supo la verdad hasta dos décadas después, cuando ya era una estrella de cine. 
A los catorce, fue expulsado del colegio y poco después se incorporó a una compañía teatral con la que recorrió Inglaterra y con la que acabó embarcándose rumbo a los Estados Unidos.

Después de alcanzar el éxito en Broadway, consiguió dar el salto a Hollywood. Comenzó interpretando papeles secundarios, pero, ayudado por Mae West, logró convertirse muy pronto en protagonista. Su encanto, talento y la experiencia acumulada gracias a los espectáculos de music hall lo convirtieron en uno de los actores preferidos por el público, lo que le dio la oportunidad de trabajar con los mejores directores de la época: Alfred Hitchcock, Frank Capra, Howard Hawks o George Cukor, en títulos como La fiera de mi niñaHistorias de FiladelfiaSolo los ángeles tienen alasEncadenados o Arsénico por compasión. 
Llegó a cobrar más de tres millones de dólares por película que hicieron de él el actor mejor pagado de su tiempo. Sin embargo, y a pesar de encadenar éxito tras éxito, nunca ganó un Oscar y tan solo fue nominado un par de veces: en 1942 por Serenata nostálgica y en 1945 por Un corazón en peligro. En 1970, como desagravio, le concedieron un premio honorífico por toda su carrera.
Cary Grant se casó cinco veces y tan solo tuvo una hija, Jennifer Grant. Siempre se especuló con su bisexualidad. Según algunos biógrafos, mantuvo una relación con el actor Randolph Scott y otra con el diseñador de vestuario Orry-Kelly. También se habló de un sonado idilio con Sophia Loren mientras rodaba en España Orgullo y pasión. Tuvo serios problemas con el alcohol y coqueteó con las drogas, sobre todo con el LSD, una sustancia que consumió durante años una vez al día, momento al que él se refería como “mi hora del té”.
Su aspecto juvenil le permitió interpretar papeles de galán hasta bien entrado en la cincuentena, como hizo en Charada, pero en 1966, después de rodar Apartamento para tres, se retiró del cine. 
A partir de entonces, se dedicó a viajar por todo Estados Unidos con un espectáculo titulado Una noche con Cary Grant, en el que se proyectaban fragmentos de sus grandes éxitos y respondía a las preguntas de los espectadores recordando decenas de anécdotas de sus años dorados. El 29 de noviembre de 1986 se encontraba en Davenport, en el Estado de Iowa, donde iba a protagonizar una de estas galas cuando sufrió una hemorragia cerebral que resultó fatal.
El próximo 29 de noviembre se cumplen 30 años de la muerte de Cary Grant y TCM quiere recordarle todos los martes del mes a las 22.00 horas con un ciclo en el que se emitirán algunas de sus mejores películas. Títulos como EncadenadosArsénico por compasiónSospecha o Atrapa a un ladrón, entre otras.

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De cuando el guionista Rafael Azcona decía que el Premio Nobel de Literatura debía recaer en Woody Allen se ha acordado ahora el cineasta Fernando Trueba, quien considera que el director de «Annie Hall» tiene una obra «suficientemente interesante y atractiva» para hacerse con dicho reconocimiento


«Por supuesto que se lo merece (el Nobel). Se lo daría a él y a otros muchos, el cine es un género literario», ha manifestado Trueba (Madrid, 1955) al hilo de la reciente y polémica concesión del galardón a Bob Dylan.
El ganador de un Oscar por «Belle Époque» ha participado hoy en una clase magistral en el madrileño Círculo de Bellas Artes y estrenará el próximo 25 de noviembre su nueva película, «La Reina de España».

Un filme protagonizado por Penélope Cruz en el que también participan, entre otros, Antonio Resines, Rosa María Sardá y Santiago Segura y en el que Trueba tiene, ha confesado, la «ingenua» pretensión de «abrazar al público» y producirle «felicidad».
En «La Reina de España», Cruz encarna a la gran estrella española del cine Macarena Granada, que regresa a su tierra tras haber triunfado en Hollywood para dar vida a Isabel la Católica, en una de las superproducciones que vinieron a filmar los americanos a partir de 1956.
«He intentado hacer ficción con la intimidad de un rodaje», ha dicho Trueba -que intenta que sus rodajes sean «como una tertulia de amigos»-, sobre esta cinta en la que, asegura, «no hay nostalgia» porque él no la tiene «ni del franquismo, ni de su infancia».
El madrileño es también el autor de los diálogos de esta película, a los que ha aportado «color», «localismo» y «temporalidad» introduciendo frases y palabras -«muchas» de ellas ya en desuso- que oía en su niñez en el barrio de Estrecho.
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Para millones de adolescentes, Marty McFly, el héroe que Michael J. Fox protagonizó en la película Regreso al futuro, era el prototipo del joven con estilo
 

Su coestrella Claudia Wells también lo pensaba, y así lo dejó entrever en una entrevista reciente en la que dio rienda suelta a sus recuerdos sobre la filmación de la emblemática superproducción de 1985.

McFly, en la primera secuela de Robert Zemeckis de Regreso al futuro, aunque más tarde Elisabeth Shue tomó su lugar. Antes de hacer su aparición en un evento de fans que se celebrará próximamente, la actriz le concedió una entrevista al periódico australiano Daily Telegraph, en la que se refirió a la influencia que tuvo Fox en su vida cuando tenía 18 años –incluyendo el hecho de que el beso que captó la cámara fue uno de los primeros que recibió–.


“Mientras cursaba el quinto grado, jugaba a besar a mis amigos y recuerdo que un niño me besó, pero aparte de esa experiencia, la verdad es que no había besado a nadie. Acababa de terminar el bachillerato, por lo que aún era muy joven y tímida, no tenía mucha experiencia con los chicos”.

“Teníamos la altura perfecta, en realidad nunca me pareció demasiado bajo, ¡y besaba muy bien! ¡Ahora te estoy contando todos mis secretos!”.
Sin embargo, esa no sería la única primera experiencia que Wells viviría con Fox en el set de rodaje de Regreso al futuro.


“¡Recuerdo cuando Michael colocó sus manos en los bolsillos traseros de mis pantalones vaqueros, como lo haría un novio de verdad! No viví nada parecido durante el instituto. Yo siempre veía a las chicas y los chicos abrazados y me sentaba a su lado, sola, mientras comía mis galletas de azúcar y me preguntaba: ‘¿Por qué no me pasa a mí?’”.
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La chica del tren’ fue el fenómeno literario de 2015, un thriller que mantuvo a los lectores de todo el mundo en las páginas escritas por Paula Hawkins

Un año después, la novela salta a la gran pantalla con Emily Blunt dando vida a Rachel, una mujer deprimida y ahogada en el alcohol que no supera el abandono de su marido (Justin Theorux). 

El personaje se hunde en la miseria hasta el punto de caer en la obsesión enfermiza por su ex, a quien llama constantemente, dejando cientos de llamadas perdidas y decenas de mensajes de voz cada noche bajo la influencia del alcohol. Y aunque estas características del personaje puedan parecer exageradas para la ficción, lo cierto es que más de una persona puede identificarse con ella.

Las rupturas no son fáciles, y aún más cuando eres el “abandonado”. Existen historias de amor que, al terminarse, se convierten en fantasmas que nos acechan durante meses, años e incluso décadas. Según un estudio reciente, el 40% de mujeres creen que su ex todavía las quiere, un pensamiento que puede llevar a malentendidos y una obsesión por no superar la situación.

Silvia Congost, psicóloga experta en dependencia emocional y relaciones tóxicas de Barcelona, nos confiesa que el diagnóstico de Rachel sería de una persona que “sufre dependencia emocional”. “No es capaz de cortar el vínculo con la otra persona, y por eso se escuda en el alcohol, perjudicando aún más su enganche emocional, desarrollando conductas compulsivas de control que retroalimentan su obsesión”, añade.
Podíamos pensar, incluso, que hoy en día es más difícil superar una ruptura no deseada tras la invasión de las redes sociales en nuestras vidas.
Las fotos del pasado y el presente de cualquier ex, están a un solo click o app de distancia, y la tentación es más difícil de evitar, haciendo que tengamos herramientas de fácil acceso para alimentar una obsesión como la de Rachel. Prueba de ello es otro estudio que asegura que un tercio de los adultos admiten espiar las cuentas de Facebook, Twitter e Instagram de sus ex parejas.

Según esta experta, el tipo de obsesión que sufre Rachel puede aparecer cuando “estamos en una relación adictiva y tóxica, es decir, cuando estamos con alguien que no nos quiere y nos lo demuestra, y aun así no somos capaces de poner un punto y final”.
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Ya han pasado 30 años desde que Tom Cruise se convirtiera en estrella internacional tras encarnar al piloto de cazas Pete “Maverick” Mitchell en Top Gun, la película del fallecido Tony Scott

Pues bien, en su reciente aparición en Jimmy Kimmel Live!, Cruise ha descrito en detalle la insólita preparación que requirió su papel. 
Al parecer, durante su primer vuelo en avión de combate, el piloto -de nombre Bozo, “tarado”- llevó el aparato al límite e hizo que Cruise vomitara al poco tiempo. Aunque la estrella le insistió para que aminorara, el piloto se mantuvo en sus trece y provocó que Cruise se atragantara con cada giro.
En nuestro primer vuelo de la mañana ya íbamos muy rápido, a 9.5 gs, lo cual era muy duro para mi cuerpo. Tenía una bolsa de vómito ahí mismo, así que entre tomas me inclinaba y vaciaba mi estómago en la bolsa. En cuanto hacía esto, el piloto ascendía rápidamente. Mi cabeza estaba literalmente sobre el suelo debido a la presión. Estaba aplastado en el suelo, sujetando mi vómito. Le gritaba “¡Bozo! ¡Bozo!”. Me estaba ahogando y él seguía ascendiendo más y más. Finalmente dejó de hacerlo y empezamos a ir hacia adelante. Le dije, “Bozo, ¿cuál es tu problema, tío? ¿No viste que tenía la cabeza sobre el suelo?”. Y él me respondió: “Te lo dije, no me llaman Bozo por nada”.
Dados los más recientes rumores, es posible que Cruise tenga que volver a pasar por este infierno. Los fans llevan pidiendo una secuela de Top Gun durante décadas, y el propio Cruise ya ha manifestado su convicción de que volverá a ponerse la cazadora y las gafas de aviador… si surge una idea interesante para hacerlo.
Mientras esperamos para ver si Top Gun se convierte en franquicia o no, podemos ver la última entrega de otra de las sagas protagonizadas por Cruise: Jack Reacher: Never Go Back (Jack Reacher: Nunca vuelvas atrás en España) se estrenará en el territorio español el próximo 11 de noviembre.
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Los zapatos color rubí que devolvieron a Dorothy a Kansas al entrechocar tres veces los talones lucen un poco gastados, y el Museo Smithsonian busca recaudar 300.000 dólares online para restaurarlos


Las autoridades del museo iniciaron el lunes una campaña de recaudación de fondos por Kickstarter para restaurar el emblemático calzado del clásico de 1939 "El mago de Oz" e instalar un escaparate de exhibición acorde con su importancia en el Museo Nacional de Historia Estadounidense.

Los zapatos cubiertos de lentejuelas, fabricados hace casi 80 años por el departamento de accesorios de los estudios MGM, se han vuelto frágiles con el paso del tiempo. La página de recaudación de fondos dice que han perdido color y que algunos de los hilos que sujetan las lentejuelas se han roto.


La campaña llamada "#KeepThemRuby" ofrece a los donantes una serie de recompensas, desde camisetas y bolsos hasta réplicas de los zapatos y paseos entre bambalinas.

Esta no es la primera campaña del Smithsonian por Kickstarter. En 2015 la institución recaudó 700.000 dólares para la conservación del traje de astronauta de Neil Armstrong.

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'Swiss Army Man’, con Daniel Radcliffe, gana Sitges 2016

'La Autopsia de Jane Doe' se lleva el Premio Especial del Jurado y 'The Handmaiden' consigue el Premio del Público

La comedia estadounidense del tándem de directores llamados Daniels -Daniel Scheinert y Daniel Kwan-- y con el actor Daniel Radcliffe (Harry Potter), ha ganado este sábado el 49 Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya que se celebra en Sitges (Barcelona), seleccionada por el jurado de entre las 47 películas a concurso de esta edición, según ha anunciado en rueda de prensa el director del festival, Àngel Sala.
En la película ganadora, después de una larga temporada aislado en una isla desierta, Hank encuentra compañía en el flatulento cadáver de un joven que le ha llegado con el agua: poco a poco el náufrago y el muerto desarrollan una preciosa amistad, en una cinta que es a la vez escatológica, tierna y absurda.

El miembro del jurado, Geoffrey Gilmore (programador), ha explicado que detrás de esta película había una historia dirigida de manera exquisita y con buenas interpretaciones, con un "humor y sensibilidad" que hicieron sonreír al jurado, en una puesta en escena extraordinaria y fuera de lo común". "Esta es la película que realmente representa lo que ha sido Sitges este año: una evolución en el cine de género y una diversidad increíble en las películas presentadas", ha agregado Gilmore, diciendo que, sin embargo, hubo consenso en su elección.
Protagonista cadáver de esta cinta, Radcliffe ha ganado el premio a Mejor Interpretación Masculina, un reconocimiento sobre el que el miembro del jurado Mick Garris (productor) ha dicho: "Es una estrella de cine importante y consideramos que la elección de interpretar a un cadáver fue jodidamente atrevida por su parte". Según ha dicho, todas las películas merecen la pena, "pero cuando alguien decide tomar una elección tan arriesgada y funciona tan bien, consideramos que merece atención", ha agregado.
El Premio Especial del Jurado ha sido para La Autopsia de Jane Doe, de André Ovredal; el Premio a la Mejor Dirección -patrocinado por Gas Natural Fenosa-- ha recaído en Yeon Sang-Ho por Train to Busan, y la mejor intérprete femenina ha sido la joven Sennia Nanua por su papel en The girl with all the gifts, niña que ha hecho un papel de "gran complejidad", ha dicho Garris, a lo que Axelle Carolyn (directora) ha reivindicado la necesidad de incluir papeles femeninos más profundos que los que hay actualmente.
El Premio al Mejor Guión del Festival ha recaído en Jeremy Slater por su trabajo en Pet; se han considerado los Mejores Efectos Especiales los de Jung Hwang-Su en 'Train to Busan'; la Mejor Fotografía ha sido para Hong Kyung-Pyo por El Extraño, mientras que el Premio del Público ha sido para The Handmaiden, de Park Chang-wook.
Preguntados sobre la ausencia de esta última en el palmarés del jurado -pese a ser la mejor considerada por el público--, el miembro del jurado Brian Yuzna (director) ha esgrimido que ésta parecía un poco menos de género y aunque a todo el jurado le gustó, ha avisado: "¿Es la mejor película para Sitges? ¡Es una película que puede ganar un Oscar!".
Asimismo, el Premio de la Crítica ha sido para The neon demon, de Nicolas Winding Refn, y el Premio a la Mejor Dirección Novel ha ido a parar a Julia Ducornau por la caníbal 'Raw', misma cinta que ha sido reconocida como Mejor Película Europea y Jurat Carnet Jove a la Mejor Película.
Ante los aplausos, Sala ha dicho entre dientes: "No nos parecemos nada a Cannes, afortunadamente", y preguntado sobre la venta de entradas, ha dicho que se han vendido unos 62.000 tickets, las mismas cifras del pasado año, pese a la reducción de la capacidad de la sala Tramuntana en un centenar de asientos. "Esto demuestra que el público de Sitges es muy fiel y viene a Sitges a pesar de la lluvia, que creó problemas en dos sesiones concretas a las que muchos asistentes se quedaron sin poder venir, sobre todo por el tráfico", ha lamentado.
Sobre la celebración del 50 aniversario, que tendrá a Drácula como eje temático, empezará pronto con conciertos, por ejemplo uno de Fabio Frizzi en Phenomena este mes, y en la próxima edición -que arrancará en jueves (5 de octubre) en lugar de viernes para adelantarse a algún estreno-- quizás habrá fuegos artificiales, ha bromeado.
Con una especial incidencia en la alfombra roja, el festival tendrá a personalidades nacionales e internacionales que empezaron sus carreras en el festival, con una gran celebración en la que el público de años también estará presente, además de la creación de un Premio 50 Aniversario, que será "muy potente". "Tendremos un padrino de todos que es un director monumental y muy querido en Sitges, que comenzó su andadura en Sitges y que ha estado en el festival varias veces. Él ya lo sabe y lo anunciaremos en breve", ha explicado Sala, que ha dicho que tiene vínculos con Latinoamérica.
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Tom Hanks  dice que: "Me encantan los villanos que tienen motivaciones"
Ha ganado dos Oscar al Mejor Actor (en 1994, por Philadelphia; y, en 1995, por Forrest Gump), suena para llevarse otro más con Sully, en la que se ha puesto a las órdenes de Clint Eastwood, y goza de una enorme popularidad y respeto por parte de gran parte de los espectadores de todo el mundo. Y, pese a su larguísima carrera como actor, productor, guionista y hasta director, Tom Hanks (Concord, California, 1956), no para. En Inferno repite como Robert Langdon, el experto en Arte e Historia que tiene las claves para salvar al mundo
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La trama gira en torno a la sobrepoblación, un asunto espinoso. ¿Qué piensas sobre eso?
Siempre ha habido mucha ignorancia. Pero es parte del comportamiento humano. La educación nos ayuda a afrontar ese tipo de riesgos. La ignorancia es el aspecto más peligroso del ser humano. Estamos en un mundo que no para de cambiar. Tan sólo tienes que coger hoy mismo un periódico en cualquier país y ver que el mundo es cada vez más caótico.

En el filme se recrea, mediante imágenes que sacuden a Langdon de vez en cuando, un infierno en la tierra que da miedo...
Una de las cosas que más hablé con Ron Howard fue cómo debíamos adaptar esa idea del infierno que se refleja en el libro de Dan Brown. Dante lo especificó muy bien en La divina comedia. En nuestro caso, debíamos mostrar cómo sería si sucediera ahora. La verdad es que da miedo: bajo un fuego abrasador, la gente se muere o viven como esclavos, sufre miseria... Para mí, la definición de infierno tiene que ver con aquello que evitamos pero a lo que deberíamos hacerle frente.

¿Qué te animó a interpretar por tercera vez a Robert Langdon, un profesor envuelto constantemente en conspiraciones?
La gran oportunidad de meterme en la piel de un tipo listo, a alguien que lo sabe todo. En El código Da Vinci y Ángeles y demonios les dije lo mismo a los responsables del proyecto: "dadme tiempo para hacer una investigación en condiciones y a cambio os demostraré que puedo parecer el tipo más listo en esta habitación" (risas). Lo que más me atrae de este personaje de Dan Brown es su curiosidad; siempre está pendiente de todo.
¿Entiendes por qué Langdon actúa así?

Después de tres trabajos todavía hoy me pregunto si se parece o no a Sherlock Holmes. En el caso de Langdon, ya tiene una edad. Ha elegido vivir solo y seguir dedicado por completo a sus enigmas. Tanto, que apenas tiene tiempo para enamorarse. Creo que respira autenticidad en cada acto que realiza. Y eso es lo que más valor

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En el primer tráiler que Walt Disney Pictures presentó de ‘Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tales’ aparecía un cartel de ‘Wanted’ (Se busca) donde se dejaba ver a Jack Sparrow, y era la única presencia del personaje en este tráiler


Ahora, el codirector Joachim Rønning ha agradecido a los fans la gran acogida del tráiler presentando un nuevo cartel de ‘Wanted’.
Esta nueva entrega está dirigida por los cineastas noruegos Espen Sandberg y Joachim Rønning (Kon-Tiki) y ha sido rodada íntegramente en Village Roadshow Studios y localizaciones de Queensland, Australia. Johnny Depp regresa a su emblemático papel del Capitán Jack Sparrow, además de Geoffrey Rush como Barbossa y Orlando Bloom como Will Turner. A ellos se unen en esta entrega Javier Bardem, que interpreta al antagonista central, el capitán Salazar, además de las jóvenes estrellas Kaya Scodelario (The Maze Runner) y Brenton Thwaites (Maleficent), y Golshifteh Farahani (Exodus).

Completan el reparto Kevin R. McNally como Joshamee Gibbs, Stephen Graham como Scrum y Paul McCarney con un papel importante.
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Pedro Almodóvar lleva unos años escapando de lo almodovariano. “Sobre mí se han creado tantos lugares comunes como director y como persona que a veces me encuentro con eso en mi propio equipo, que intenta ser más Almodóvar que yo mismo, y con esto se refieren a otra época de mi carrera. 

A veces yo me encuentro diciendo en decoración: 'Eso es muy almodovariano’. Y eso es negativo, ahora estoy en otra situación y otra narrativa”, ha explicado el cineasta en una entrevista en Nueva York.

Su vigésima película está basada en una narración de Alicia Munro, titulada Julieta, transportada al español. El estreno del filme en Nueva York no es un estreno cualquiera: se enfrenta a uno de los territorios donde tradicionalmente más lo idolatran. “No es que me sienta querido, es que me siento extraordinariamente considerado, y eso me resulta incluso un poco embarazoso", dice. Inspirado en un material que en Estados Unidos se siente patrio, ¿entenderán la adaptación que ha hecho un director al que siempre han dado la licencia del exotismo?

En el Festival de Cine de Nueva York, donde se ha proyectado por primera vez Julieta, ha recibido aplausos.  En el coloquio en el National Board of Review, decano de las asociaciones cinematográficas, se respiraba veneración. Y el MoMA ha acompañado la llegada de Julieta con una retrospectiva completa y cronológica del director que ellos mismos dieron a conocer a la sociedad neoyorquina en 1984 programando en su ciclo New Directors, New Films ¿Qué he hecho yo para merecer esto!!! "Un privilegio", subraya el cineasta. 

Lo que más preocupaba a Almodóvar era, primero, recibir el beneplácito de la autora a la que se atrevió a adaptar tan libremente en Julieta. La prueba parece superada. “Es gratificante que a los editores de Alice Munro les haya gustado mucho y, de hecho, me han pedido que haga el prólogo de la edición de los tres relatos que tienen a Julieta como protagonista [SilencioDestino y Pronto], convirtiéndolos en un libro independiente”, asegura.

La familia norteamericana
Queda por ver si el público reacciona igual. “El original está escrito no solo en su lengua, sino que habla de la familia, pero de una familia norteamericana, que no tiene nada que ver con cómo nosotros la vivimos”. La película juega con esos personajes que apelan a una individualidad anglosajona, tal y como los concibió Munro, pero Almodóvar les propina la bofetada de una dinámica familiar más cálida, pero también más asfixiante, donde la moral, aunque laica, sigue atravesada por la culpa.

Julieta llega, además, con la etiqueta de “película seleccionada por España para el Oscar”, premio que el director tiene ya dos veces en su estantería: uno como mejor filme de habla no inglesa por Todo sobre mi madre y otro por el guion de Hable con ella.
“En enero nos enteraremos [si Hollywood la selecciona para optar al Oscar] y ojalá que sea que sí. En este sentido, pienso menos en mí que en la cinematografía española, en la Academia que me ha elegido. Siento que tengo una responsabilidad con ellos.
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Mark Wahlberg revive el atentado del maratón de Boston. Ahora el tráiler de «Patriots Day», la películas sobre el acto terrorista que, en 2013, se saldó con tres muertos y unos 300 heridos


El 15 de abril de 2013 es uno de los días más inolvidables de la historia reciente de EE.UU. 

Aquel día se perpetró el atentado durante el maratón de Boston, un acto terrorista que se saldó con tres muertos y unos 300 heridos. «Patriots Day», la nueva cinta de Mark Wahlberg de la que acaba de salir a luz el tráiler, recrea el suceso.

En el avance se observa que el intérprete nominado a un Oscar se mete en la piel de un policía que se encuentra en la línea de meta, donde explotaron las bombas. No estará solo, un reparto de auténtico lujo le acompaña: John GoodmanKevin Bacon Michelle Monaghan J.K. Simmons completan el cast.

El director Peter Berg, realizador de «Marea negra» y «El único superviviente», ambas también con Wahlberg de protagonista. «Patriots Day» está producida por CBS Films y su estreno está previsto para el primer trimestre de 2017.

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Las imágenes comenzaron a circular por redes sociales hace unos días y de momento, Disney no ha confirmado que sean oficiales
Hasta ahora, cuando todavía quedan seis meses para el estreno, el estudio solo ha lanzado un teaser en donde podemos oír a Emma Watson entrando al castillo.
Dirigida por Bill Condon, ‘La Bella y la Bestia’ es una de las muchas adaptaciones que preparan los estudios Disney de sus grandes clásicos. 



El próximo será ‘El Rey León’, dirigido por Jon Favreau (El libro de la selva).


La película nos enamorará en los cines a partir del próximo 17 de marzo de 2017.

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'En otra casa', un impactante documental de  la francesa Vanessa Rousselot


Cuando tenía 14 años, la cineasta francesa Vanessa Rousselot fue a España con un programa de intercambio y vivió con una familia sevillana. En aquella casa, trabajaba una mujer peruana de 20 años “interna” que cuidaba a los niños y limpiaba. Tenía además una hija de un año que vivía en su país. A Rousselot le chocó aquel régimen laboral porque en Francia no era muy normal. “Me hubiera gustado hacerle muchas preguntas a aquella mujer, pero no me atreví”, explica Rousselot desde Biarritz, donde exhibe esta semana su impactante documental, En otra casa.

Años más tarde, Rousselot trabajaba en América Latina con Yann Arthus-Bertrand, el artista que fotografía el mundo desde el aire, cuando conoció al hijo de una interna, que también criaba hijos ajenos en España. El chico abandonó la escuela al irse su madre y solo diez años más tarde logró enderezar su vida. “Me di cuenta de que era un tema sobre el que había muchas cosas que decir”.
Esas cosas las dicen las protagonistas del documental de Rousselot, una coproduccion franco-espanola de las productoras Catorce y La Huit que se estrena ahora en el Matadero de Madrid y que ya se ha proyectado en festivales en América Latina y en Francia. 
Son empleadas de hogar, que suplantan en su día a día a madres biológicas en España y que a su vez son suplantadas en sus países de origen. Mujeres que tejen cariños y afectos aquí y en la otra orilla y que a menudo acaban envueltas en una maraña emocional desquiciante.

Ni buenos ni malos


Así contado, En otra casa podría parecer un documental de denuncia, pero no lo es. No hay moralina, ni buenos ni malos. Hay madres, mujeres, personas adultas, que idean estrategias mentales para sobrevivir a desafíos emocionales monumentales.
 “Heroínas”, como las llama Rousselot, que permiten a la creadora meter la cámara hasta las cocinas y los salones en los que trabajan. “Mi tema no son las condiciones de trabajo. He querido explorar su mundo interior”.
Cuatro años —búsqueda de financiación incluida— ha tardado Rousselot en ponerlo en pie . Un día cayó en una parroquia que frecuentan paraguayas. Allí pasó un domingo sí, otro no durante dos años. Allí se fue ganando la confianza de sus protagonistas. Y allí es donde transcurre una de las secuencias más emocionantes de la película. Cuando un domingo, con la iglesia abarrotada de mujeres, el cura recupera en el sermón confesiones de las trabajadoras. Como la de una que se enteró de que el dinero que enviaba lo gastaba su marido con otra. O como cuando la hija de 15 años de otra le contó por Skype que estaba embarazada. O la de la que “la señora de la casa” humilla y acaba por derrumbarse.

En la iglesia Rousselot encontró a las empleadas, pero faltaban los empleadores, los dueños y señores del universo doméstico en el que transcurre la vida de la interna. Uno tras otro le dieron con la puerta en las narices, hasta que por fin dio con una pareja “muy consciente de lo que aporta esa mujer [la empleada] a su familia, que accedió a participar. El elenco se completó y el documental vio la luz.
La historia no acaba aquí. No estaba en el guion, pero En otra Casa ha alargado su vida ya fuera de la pantalla. La proyección del documental en países de América Latina, ha vuelto a retorcer las vidas de las familias rotas. En Paraguay, cuenta Rousselot “fue catártico”. Familias que durante años han recibido las remesas que enviaban las trabajadoras se quedaron boquiabiertas al verla. No eran conscientes del sacrificio que habían hecho por ellos esas mujeres, porque las fotos de las libranzas domingueras de Facebook y las sonrisas de mamá vía Skype protegieron a los suyos.

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Diez años después de El libro negro, Paul Verhoeven (Amsterdam, 1938) el director holandés reaparece. Y lo hace en  gran forma. No en balde, recuérdese, suyos son títulos como Instinto básico o Showgirls. Por citar lo indiscutiblemente escandaloso

El director holandés Paul Verhoeven da indicaciones a Isabelle Huppert durante el rodaje de 'Elle'


Seleccionada por Francia para los Oscar, Elle no es sólo una mirada completamente corrosiva a los caprichos del deseo, también es una comedia despiadada sobre la familia, una reflexión acerada sobre la condición femenina y hasta un estudio valiente y algo cruel sobre el sentimiento de humillación de una mujer violada. 

Y también puede presumir de ser una disección cerca del escalofrío sobre la culpabilidad de la mirada. La de todos los espectadores. De todos modos, una de las citas ineludibles del año cinematográfico.
"Siempre que presento una película, se dice que es mi regreso. Todo el mundo espera algo de polémica. Bueno, no siempre ha sido así. A veces, no hay necesidad de escandalizarse tanto", dice a modo de presentación y rompe a reír. 
Cuenta que de toda su filmografía, esta es la cinta que más problemas le ha dado. Por lo que costó sacar un proyecto pensado primero en inglés para ser rodado en Estados Unidos (hubo que traducir a los parámetros americanos el ambiente de la novela de Philippe Djian ambientada en Francia) y luego retraducido al francés. "Me puse enfermo grave por primera vez en mi vida. 
Sufría unos terribles dolores de cabeza y no sabía por qué. Me temía lo peor. Fui de médico en médico hasta que uno me dijo que me tomara una aspirina y que respirara hondo. Todo lo que padecía era por culpa del miedo". ¿A qué? "Eran demasiadas cosas nuevas: el idioma, el propio argumento... Al final, de todas formas, creo que todo lo padecido ayudó a la propia película. Creo que esa tensión se nota", dice.

Y cuando le preguntan ¿A qué cree que es debido la buena recepción que ha tenido ‘Elle’?, responde:
Sinceramente, creo que todo es debido a la autenticidad que transmite Isabelle Huppert en su papel. Ella previene contra cualquier tipo de polémica. Sólo ella actualmente es capaz de llegar tan lejos en pantalla. Y no lo digo yo solo, pregunte a Haneke.

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En la última escena de «Harry Potter y las reliquias de la muerte» (Salamandra, 2008), veíamos cómo el ya cuarentón mago acompañaba a sus hijos a la estación de King’s Cross para que tomaran el Expreso de Hogwarts, que les conduciría al Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería.


Eso sucedía exactamente 19 años después de que Harry Potter, en la madre de todas las batallas, derrotara a Lord Voldemort, su peor pesadilla y la de cuantos lectores le han acompañado en su intenso periplo vital. Hubo lágrimas y mucha frustración. Los fans de la saga se resistían a creer que J. K. Rowling (Yate, Reino Unido, 1965) pusiera fin a la historia siete libros y diez años después. 

Las respectivas editoriales se echaban las manos a la cabeza y al bolsillo, pensando en qué harían ahora que la mayor gallina de oro de las últimas décadas para el negocio editorial (la saga ha vendido 450 millones de ejemplares en todo el mundo desde que apareció el primer volumen, en 1997) dejaba de producir.
Pero, quienes conocían a Rowling, su círculo más cercano y sus editores de mayor confianza, sabían que no estaba todo perdido. Aquel universo de fantasía, surgido de su privilegiada cabeza, no podía acabar. Y estaban en lo cierto. Ahora se publica en español «Harry Potter y el legado maldito» (Salamandra), la octava historia de la saga.


«Harry Potter y el legado maldito»
Texto íntegro de la obra teatral, basada en una idea original de J. K. Rowling, Jack Thorne y John Tiffany. Editorial Salamandra. Traducción: Gemma Rovira. 336 páginas. 19 euros.
500.000 ejemplares: es la primera tirada que la editorial Salamandra pondrá en circulación del libro, en castellano, en España, América Latina y Estados Unidos.
3.000.000 de libros ya vendidos: en los tres primeros días de publicación se vendieron más de 680.000 ejemplares en Reino Unido, mientras que en EE.UU. en las primeras 48 horas se colocaron más de 2 millones de ejemplares.

La saga Harry Potter se ha traducido a 79 idiomas en 200 países y ha vendido 450 millones de ejemplares.

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Marcelino pan y vino
por Ismael Lorenzo




Nuestra memoria a veces se halla atada imborrable a una pintura, una novela o una canción, quizás sea por esto que los dictadores odien tanto toda expresión artística o literaria, que puede ser mucho más perdurable que ellos. Siempre recordaré del “Ulises” de James Joyce, cuando Leopold Bloom, con quien Joyce nos había tenido durante todo un azaroso día andando por Dublín, llega a su casa y descubre sin mucha sorpresa ni alteración, los rastros en la cama de su mujer y el amante, la tragedia encerrada en lo cotidiano.


También un recuerdo perdurable me ha quedado de cuando ese personaje de Marcel Proust en “Le Temp Recherché”, comprende al final que no está en una fiesta de disfraces, sino es el tiempo inexorable que los ha envejecido a todos. “The Scream”, la pintura de Eduard Munch siempre me ha impresionado por la fuerza de su desesperación, que esa obra maestra haya sido robada y recobrada varias veces, nos da un vestigio de quien es el peor enemigo del hombre. De uno de los cuentos de “El Elefante”, del polaco Slawomir Mrozek, siempre me ha quedado el miedo del personaje que deseaba ir en la noche a la letrina y no se atrevía “porque allí las cosas no son como en otras partes”. Ese miedo impregnado que conoce todo el que ha tenido la desdicha de vivir en un régimen totalitario.
Slawomir Mrozek

De Norman Mailer, en “Los desnudos y los muertos” su cruda descripción de la incontinencia anal de los soldados que habían desembarcado bajo el fuego alemán, “tight your ass”, era la recomendación. De Guillermo Cabrera Infante siempre recordaré su cuento “Ostras interrogadas”, cuando sentado en la cafetería El Carmelo, el personaje del cuento le responde a su hijo, que le reprochaba por andar con jovencitas, y le explica que su plato preferido son las ostras y si cree que a ellas les tenga que preguntar si quieren ser comidas. En “La dolce vita”, de Federico Fellini, siempre veo la exuberante rubia Anita Ekberg, metida en la Fuente de Trevi y Marcelo Mastroniani contemplándola luego de una frustrada noche.
Anita Ekberg

Y como olvidar a Ignacius J. Reilly, de John Kennedy Toole, empujando su carrito de helados por las calles del French Quarter de New Orleans, comiendo más helados de los que vendía. O esa película de 1955 de Ladislao Vajda, “Marcelino Pan y Vino”, basada en un cuento de José María Sánchez Silva, del niño huérfano (Pablito Calvo) al que unos frailes franciscanos encontraron abandonado a la puerta de su convento y sus inocentes ofrendas a la imagen de un Cristo.

El peculiar enano Oscar Mazerath y su “Tambor de hojalata”, de Günter Grass, tocando su tambor y atravesando los grandes acontecimientos de la guerra y la postguerra en Alemania. “Hechicero inocentes”, de Andrzej Wajda, siempre la he recordado por esa expresión de la juventud de los años ‘60, fuera de los hippies y la droga, es un film de Wajda, en el que participan muchos que luego fueron famosos, como Polanski, Skolimoski y Cibulski.

Pero a medida que avanzamos en los años ‘70 y ‘80, se me hace más difícil hallar obras que me impresionaran tanto, la violencia y superficialidad se apodera del cine y hace su mella también en la literatura. “Cuatro bodas y un funeral” un film donde actúa Hugh Grant, del guionista británico Richard Curtis, la vi por primera vez en el Festival de Cine de Miami en el ‘94 y me agradó porque se salía de los tiros, violaciones y asaltos rutinarios; igualmente fue “Notting Hill” del ’99, otro guión de Richard Curtis y la actuación de Hugh Grant y Julia Roberts. Un simple librero que ve su vida cambiada cuando una famosa actriz lo visita en su librería y se interesa por él. Pero ambas películas son excepción dentro de la violencia y banalidad.

No es la literatura o el cine contemporáneo los que se hallan degradado, sino la parte que ha quedado dentro de los medios tradicionales, porque si uno gira por lo que hoy llaman la Web 2, con sus incontables blogs y redes literarias, su Wikipedia y Youtube, se puede hallar una vital y robusta creación literaria de poesía, novelas, relatos, microrelatos y guiones, así como música y expresiones cinematográficas. Obras buena y malas o simplemente porno, en las que el espectador o el lector es el que decide, no un crítico o productor arrogante y alejado de la actualidad. Obras que se encuentran dentro de esa otra dimensión, fuera de los canales habituales de difusión a los que nunca hubieran podido penetrar, negadas estas editoriales, productores de cine, diarios, empresas de música, a reconocer la realidad y seria competencia de nuevas tecnología que han dado acceso a formas más genuina de creación.

Esos cronistas de diarios o televisión, voceros de la publicidad de las grandes casas editoras o gupos periodísticos, en ocasiones manejados por tendencias políticas, ya no pueden dictaminar omnipotentes sobre qué películas, libros o música se deban leer, ver o escuchar. Han quedado obsoletos en su avaricia o envidia, ignorados y relegados, ante los nuevos canales que están al alcance de cualquiera con acceso a la Web: creadores y espectadores o lectores.

Hoy en día, la juventud pasa más tiempo en Yotube o navegando por el mundo de la blogosfera y redes sociales, que en la televisión o salas de cine, hastiados de la violencia y la mediocre simplicidad. La información se ha diversificado fuera de los medios establecidos, que han perdido interés porque no han sabido adaptarse a la nueva realidad virtual. A medida que avanza el desarrollo de esta segunda dimensión de la Web, que surjan símiles al “Kindle” actual, aún demasiado costoso y dentro de los canales editoriales tradicionales, (ya en el iPhone se pueden leer clásicos) y que estos libros electrónicos sean baratos y acequibles a la mayoría e incorporen la Blogosfera, Bubok y Lulu en la palma de la mano, terminará una transformación que ya ha adquirido una triunfante popularidad, hacia una literatura y cine más genuino, una música más auténtica y un periodismo más veraz, cuya lectura o imágenes lleguen a muchos más y nos acompañen en la memoria, sobresaliendo la calidad sobre la banalidad y tontería y se combata la ignorancia y el fanatismo, que son las fortalezas de los regímenes dicatoriales. Algo de lo que todos nos beneficiaremos.

Un ejemplo para mí, siempre será esa modesta película en blanco y negro de hace medio siglo, que gira alrededor del piadoso huérfano, Marcelino pan y vino, cuya música y belleza sobrevive en el tiempo

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'The Social Network', el film sobre el creador de Facebook

El fundador de Facebook rompe su silencio y rechaza por completo la visión que de él aporta la película de David Fincher

Mark Zuckerberg ha roto su silencio. La controvertida recreación que David Fincher hace del fundador de Facebook y su entorno en la película «La Red Social» ha sacado de sus casillas a Zuckerberg, poco dado a escarceos mediáticos.

En la película ideada por Fincher y Aaron Sorkin, Zuckerberg (o su personaje) es un joven despiadado que fundó Facebook para ligar y poder entrar en los más selectos clubs universitarios.... pero según el personaje (de carne y hueso) en lo único que aciertan Fincher y compañía es en la recreación de su vestuario.

Así lo ha manifestado Zuckerberg en una conferencia en la Universidad de Stanford en California, donde el joven empresario calificó de «despreciable» al personaje interpretado por Jesse Eisenberg, cuya cualidad más destacable en el film es la de ser un «trepa» que no duda en traicionar a sus amigos para lograr el éxito empresarial.
Lejos de evitar los detalles más escabrosos de su vida personal reflejados en el filme, Zuckerberg llegó a confesar que en la «vida real» lleva con su novia, Priscilla Chan, desde el comienzo de la «aventura de Facebook», mientras que en la película es rechazado por un personaje inventado llamado Erica Albright.

«El principal argumento de la película es que trato de conseguir a esa chica (que no existe en la vida real). Ella me rechaza, algo que me ha ocurrido millones de veces», dijo Zuckerberg provocando una cómplice sonrisa en su audiencia.

"La Red Social" defiende que lo único que perseguía cuando fundé Facebook era ligar con chicas y entrar en clubs universitarios. Los creadores del filme -en alusión a Fincher y Sorkin- no creen que alguien pueda poner en marcha un proyecto porque le guste construir cosas", añadió Zuckerberg.

El fundador de Facebook remató su intervención en Standford diciendo que le sorprendía que sólo hubieran acertado en su vestuario: «Es interesante cómo cada una de las prendas de ropa que aparecen en la película están presentes también en mi armario».

Los sorprendentes comentarios de Mark Zuckerberg no han pasado desapercibidos, pues hasta ahora la estrategia de Facebook había sido mantener un elegante mutismo con respecto a «La Red Social», película que (pese a todo) no ha logrado erosionar los sólidos y nada virtuales cimientos que Facebook tiene en internet.
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Bernardo Bertolucci, el director de "Último tango en París" (1972), cumple 70 años

El cineasta italiano Bernardo Bertolucci, el director de la polémica película "Último tango en París" (1972), cumple 70 años
Bertolucci (Parma, 1941), autor de "El último emperador" (1987) y uno de los directores más importantes del cine italiano del siglo XX, planea en los próximos meses romper el silencio cinematográfico que ha mantenido desde que en 2003 estrenara su último trabajo, "Soñadores", película localizada en el París de 1968.

"Hasta hace algunos años era muy pesimista sobre el destino del cine italiano. Después ocurrió un milagro: salieron dos filmes, 'Gomorra' e 'Il Divo'. Entonces sentí que esa especie de cúpula que tenía el cine italiano bajo su sombra era destruida", comenta Bertolucci en una entrevista para la reedición en alta definición de su filme "Novecento", que en los próximos días saldrá a la venta en Italia.

Esta reedición en alta definición de "Novecento" (1976), que contiene además el documental "Bertolucci secondo el cinema" ("Bertolucci, según el cine), llega en forma de homenaje para un director que vio cómo su "El último emperador" se hacía con nueve premios Óscar, entre ellos al Mejor Director y Mejor Película.
"En otoño rodaré una nueva película y esto para mí supone un periodo muy emocionante y de bajada a la mina de la creatividad. Ya he hablado con el director de fotografía, Fabio Cianchetti, pidiéndole que explore el 3D. Porque el próximo filme que rodaré lo quiero hacer en 3D", añade.
El cineasta italiano pretende llevar a la gran pantalla una adaptación de "Io e te" ("Tú y yo"), la última novela del escritor Niccolò Ammaniti y que narra la historia de un joven en aislamiento voluntario que verá cómo una chica le lleva al contacto con los demás. "El 3D es el cine que, si fuera joven, querría hacer enseguida. En estos años he entendido que la revolución tecnológica en curso es una alfombra voladora y hay que subirse a ella", añade.

Galardonado en 2007 con el León de Oro a toda una carrera del Festival de Venecia y condenado a la retirada de su derecho al voto en Italia durante cinco años por el escándalo que supuso "Último tango en París", el cineasta italiano pondrá este año un nuevo nombre en esa larga lista de películas que ha dirigido, entre las que figuran "El pequeño buda" (1993) y "Belleza robada" (1996)
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'TENTACION EN MANHATTAN', con Sarah Jessica Parker
 
Durante el día, Kate Reddy (Sarah Jessica Parker) se deja la piel en una firma bostoniana de gestión financiera.
Al caer la noche, vuelve a casa para reencontrarse con su marido Richard (Greg Kinnear), un arquitecto que acaba de perder su trabajo, y sus dos hijos pequeños.
Este precario equilibrio entre trabajo y familia es el mismo que mantiene a diario la mordaz Allison (Christina Hendricks), la mejor amiga y compañera de trabajo de Kate, y que trata de evitar a toda costa la joven Momo (Olivia Munn), la competente ayudante de Kate con fobia a los niños. 
Cuando Kate recibe un importante encargo que la obliga a realizar frecuentes viajes a Nueva York, Richard consigue a su vez el trabajo de sus sueños, situación que debilita el delgado hilo que mantiene unida a la pareja. 
Para complicar todavía más las cosas, el nuevo y encantador colega de Kate, Jack Abelhammer (Pierce Brosnan), acabará resultando una inesperada tentación para ella...

Ficha técnica:
Director: Douglas McGrath
Productores: Weinstein Company
Guionistas: Aline Brosh McKenna, Allison Pearson
Actores: Pierce Brosnan, Sarah Jessica Parker, Greg Kinnear, Christina Hendricks, Olivia Munn
Género: Comedia
País: Estados Unidos
Duración: 95 min. Año:2011
Titulo OriginalI Don't Know How She Does It


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'The Bourne Legacy', Rache Weisz habla sobre este filme

«No recuerdo otras películas de acción con personajes tan complejos y que sean tan inteligentes y realistas».
Afirma Rachel Weisz a la hora de defender las muchas virtudes de «El legado de Bourne», la nueva entrega de la trepidante saga que llega a los cines el 15 de agosto.
En una entrevista, la ganadora del Oscar por «El jardinero fiel» repasa las claves del éxito de la saga, habla de su excelente relación con el nuevo protagonista, Jeremy Renner, y defiende la labor del director de esta entrega y guionista de las anteriores, Tony Gilroy.
Él es, apunta, «el arquitecto de todo el universo de Bourne y de su mitología». En cuanto al estilo del cineasta responsable de cintas como «Duplicity» o «Michael Clayton», Weisz señala que no es frío, sino más bien «hiperealista».
«No es sensacionalista ni glamouroso. Es increíblemente realista, es como si estuviera sucediendo de verdad», señala la actriz.
Weisz también nos habla de su personaje que, como el del protagonista Jeremy Renner son «absolutamente nuevos», y de lo que nos podemos encontrar en esta nueva entrega: «Durante la trilogía de Bourne se levantó el telón y descubrimos quién mandaba. Pero si creías saberlo... estabas equivocado. Ahora se descubrirá quién es el titiritero».
Y lo que también desea Weisz es perdurar en la franquicia si ésta nueva etapa se prolonga más allá de «El legado de Bourne». «Si hay otra película, me gustaría formar parte de ella», termina diciendo la actriz.

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"Los amantes pasajeros", Pedro Almodóvar

Pedro Almodóvar ha aprovechado estas fechas que "invitan a la anguila de mazapán y a la generosidad" para contestar en la web de su productora a las dudas planteadas por el primer avance de su film "Los amantes pasajeros", que se estrena el 8 de marzo,  y al exceso de "pluma" que en él podrían apreciar voces críticas
En referencia a esa escena, en la que los actores (auxiliares de vuelo en su último film) Javier Cámara, Raúl Arévalo y Carlos Areces realizan una coreografía al ritmo de la canción "I am so excited" de Pointer Sisters, el manchego ratifica que, en efecto, esos "tres magníficos cómicos tienen mucha pluma".

"La tesis: si los obispos hacen alarde de pluma, por qué no pueden hacerlo los azafatos", se pregunta el realizador, que también se cuestiona si estos tres actores "no tienen mogollón de pluma" o es que quizás se está volviendo "homófono".

Desmiente Almodóvar que, pese al carácter de este número, "Los amantes pasajeros" -cuyo estreno está previsto para marzo- sea un musical y augura que el trabajo de la actriz Lola Dueñas "será una revelación" como lo fue el de María Barranco en "Mujeres al borde de un ataque de nervios" o Antonia San Juan en "Todo sobre mi madre".
Sobre el plano de Hugo Silva, en el que mueve un poco el labio superior, como si resoplara, aclara con su irreverencia habitual que el actor ni hace "de maricón", ni agoniza, ni le duele nada "ni va dormido".
"El secreto está en la parte inferior de la cabina que no vemos", apunta.
Añade asimismo que solo por la conversación que este personaje mantiene hacia el final de la película con el de Antonio de la Torre "merece la pena ver la película".  "Felices fiestas a todos los huelguistas y al sr. González, presidente de la Comunidad de Madrid, le deseo de todo corazón que los Reyes Magos le traigan 'un poquito de sensibilidad'", apostilla el realizador al final de su escrito.
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'On the road', (En el camino), una película basada en el libro de Jack Kerouac
Kristen Stewart(i), Garret Hedlund (d) y Sam Riley (detrás)
De hecho, la adaptación al cine de la 'biblia beatnik' lleva dando tumbos por los despachos de Hollywood desde que se imprimiera en 1957. A Walter Salles, dice él, le ha llevado ocho años. Pero su aventura viene de lejos. Fue en 1980 cuando, poco después de presentar 'Apocalypse now', Francis Ford Coppola, compró los derechos de la novela. Y una vez hecho... a escribir, a poner en imágenes cosas tales como la sensación de lo nuevo, la ira contra lo viejo y el despertar de algo. Tal cual. El propio Coppola se empeñó en hacerlo en compañía de su hijo.
Tras el intento fallido, una larga serie de escritores (desde Barry Gifford a Cormac McCarthy pasando por Russell Banks) fueron dejándose las uñas en un esfuerzo casi imposible. Y así hasta que en 2004 Salles coincidió en Sundance con Roman, Roman Coppola. Y aquí estamos.
Salles opta por la inocencia antes de la ira; por la claridad en vez del tumulto; por transformar en imágenes el momento exacto en el que la inocencia deja de serlo. Y en su amable descripción del naufragio, triste es reconocerlo, él mismo naufraga. Lo que duele no es tanto lo desestructurado de una historia que se niega a ser precisamente historia, ni la impericia de algunos actores que confunden actuar con alborotarse, ni,  las dos horas largas de nada. Lo peor, es, entre tanto ruido, la ausencia de fibra, de furia.
Viggo Mortensen interpreta a Willian S. Burroughs
 'En el camino', en realidad, podría considerarse un caso parecido. Idéntico incluso. La intención declarada de cada línea del texto original es levantar acta precisamente de lo inútil del propio esfuerzo de escribir (de vivir, tal vez); un tremendo trabajo para demostrar el silencio triste de los límites. 
Luego está el folclore. Ya saben, las drogas, el alcohol, el jazz, el sexo... en un desordenado ajetreo de cuerpos revueltos. El problema es que Salles sólo parece quedarse con la última parte, con el ritual cansino del frenesí, y descuida lo que de verdad importa. Que es todo lo demás; lo que hiere y, por ello mismo, importa. Así de contradictorio. Kerouack dejó sin frenos y sin retrovisor su vehículo. Buscaba un accidente casi místico por feroz. Y Salles se antoja un director demasiado amable y atento para saltarse una sola señal de tráfico
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Trust’, una película solo posible en nuestro actual mundo online



Trust’, es una película solo posible en nuestro actual mundo online, dirigida por David Schwimmer, con una actuación soberbia de Clive Owen como ‘Will’ el padre de ‘Annie’ (Liana Liberato), la niña de 14 años que cae en las garras de un depredador sexual, con el que chateaba
Este primero le había dicho que tenía 16 años, luego 20 y después 25,  finalmente cuando se encuentran en un Centro Comercial, descubre que tenía treinta y pico de años largos,  él la invita a su coche y luego la lleva a su habitación en un hotel donde la viola.  
Una amiga un poco mayor que los había visto junto en el Mall, denuncia esto en la escuela, donde llaman a los padres y luego comienzan la investigación policial.
Resulta que ‘Charles’ (Chris Henry Coffey) es un depredador habitual buscado en varios estados, por lo que el FBI le seguía el rastro.  ‘Will’, el padre empieza a buscarlo enloquecido por todos los diversos sitios de chat sexual que existen, el agente del FBI le dice que hace varios años que tratan de capturarlo, pero que se conectaba a través de cuentas en lugares tan lejanos como Checoslovaquia.
Lo peor de estos hechos es que no terminan en la violación, sino que ahí comienzan las secuelas, lo que era una feliz familia de clase media, se halla ahora destrozada por las peleas entre los padres ‘Will’ y ‘Lynn’ (Catherine Keener) , la chica antes una estudiante de High School, feliz, ahora bajo tratamiento de una sicólogo (Gail Friedman).
 Al final  se ve al depredador con su propia familia, esposa y un hijo, muy respetado en su medio. 
Es una tragedia que le puede pasar a cualquier familia con hijas o hijos teenagers, en esta era de Internet, los recursos mayores hoy en día de las agencias federales van contra el terrorismo, y no se mira estos enemigos internos.

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‘Pacto de silencio', dirigida por Robert Redford

El filme 'Pacto de silencio', dirigida por Robert Redford y con un reparto encabezado por el propio Redford y que completan Shia LaBeouf, Julie Christie, Sam Elliot, Richard Jenkins, Nick Nolte y Susan Sarandon
Jim Grant (Robert Redford) es un abogado especializado en derechos civiles y un padre soltero que vive en los suburbios de Albany (Nueva York) con su hija. Su vida da un giro radical cuando el joven periodista Ben Shepard (Shia LaBeouf) desvela su verdadera identidad como un antiguo radical antibelicista de los 70 y su condición de fugitivo buscado por asesinato.
Después de vivir discretamente como abogado durante más de 30 años, Grant se verá obligado a darse a la fuga, ya que ahora es el objetivo de una caza humana a escala nacional. Con el FBI pisándole los talones, se embarca en un viaje a lo largo del país para dar con la persona que puede limpiar su nombre.
Shepard es consciente del peso que tiene la noticia nacional que ha expuesto y de que es una oportunidad única en la vida para un periodista. Empeñado en crearse una reputación, está dispuesto a todo para sacar el máximo provecho de todo ello. Investiga el pasado de Grant y, a pesar de los avisos de su editor y de las amenazas que recibe del FBI, Shepard persigue incesantemente a Grant por todo el país. El tema no es nada original, pero los actores son demasiado buenos para hacer una mala película.



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Woody Allen regresa a las pantallas con "Blue Jasmine"


Woody Allen regresa a las pantallas con "Blue Jasmine", una tragicomedia en la que se acerca a las consecuencias y el origen de la crisis financiera a través de la caída en desgracia, social y económica, de una mujer adinerada
La australiana Cate Blanchet en el papel de Jasmine se deja la piel y los nervios en una interpretación que le ha valido algunas de las mejores críticas de su carrera, y en la que humaniza a una mujer que ve cómo su vida se derrumba tras la muerte de su marido, un magnate millonario encarnado por Alec Baldwin.
Allen regresa con ellos a Nueva York y San Francisco, y a través de "flashbacks" retrata el antes y el después de alguien que pasa de la elite económica neoyorquina al otro extremo de la escala social, y que remite inevitablemente a Ruth Madoff, esposa del inversor, financiero y ladrón de guante blanco Bernard Madoff.
El director, no obstante, asegura en entrevista que la película nace no de ese fraude, sino de una historia real que le contó su mujer, Soon-Yi Previn, y que, con algún que otro adorno, reunía todos los ingredientes para hacer de ella "una buena historia dramática".
Su interés se centra en ese declive, y no en el resto de aspectos económicos, sociales y financieros que califica de "coincidencias", pero que dotan a la cinta de una dosis de realidad y dramatismo más elevada que en sus anteriores filmes.
No faltan las situaciones absurdas y las neurosis propias de los personajes encarnados o ideados por el director, y que aligeran una trama que, según Allen y sus intérpretes, no pretende emitir ninguna crítica, implícita o explícita.
"Nunca hace películas con un mensaje. No intenta educar a su audiencia, Pero definitivamente, como a todos, le fascinó el detritos emocional de la manera en que la banca se colapsó", indica Blanchet.
Su personaje, en sus palabras, es "una princesa del Upper East Side", que acumula todo el odio y la traición fruto de las estafas de su marido, pero también todas las fantasías resultado de "ver las cosas como las quiere ver, en lugar de como realmente son".
Allen, según añade la británica Sally Hawkins, que interpreta a la hermana adoptiva de Blanchet, es alguien que "no está interesado en el proceso de actuación, sino que quiere que llegues al set siendo tu personaje".
Y no hacen falta muchas palabras para describir a quien atesora dos Óscar por "Annie Hall", siete nominaciones a esa estatuilla como mejor director, o quince en la categoría de mejor guión original.
"Woody Allen es Woody Allen. Es icónico por algo, aunque me odiaría por llamarle así. Es un cerebro increíble, que piensa como un dramaturgo, y del que aprendes un montón simplemente por estar con alguien como él", apunta Hawkins, que se puso por primera vez a sus órdenes en 2007, con "Cassandra's dream", afirma Sally Hawkins.
Con "Blue Jasmine", el director rompe el ciclo europeo que en los últimos años le ha llevado a rodar en Roma ("To Rome with love"), París ("Midnight in Paris"), Barcelona ("Vicky, Cristina, Barcelona") o Londres ("Match Point), y con ella recupera también el beneplácito general de la crítica.
"En 50 años nunca he leído una crítica. En este tipo de trabajo es muy fácil volverte narcisista, preocupado por uno mismo. Cuanto más lo haces, menos trabajas. Olvídate de las críticas, del público, de la taquilla, no importa si es fantástica o terrible. Es muy importante no verte atrapado por ello. Te alejan de la única cosa importante: el trabajo".
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Mickey Mouse en su cumpleaños 85

Ochenta y cinco años después de debutar en el cine con "Steamboat Willie", Mickey Mouse vuelve a la gran pantalla en el cortometraje "Get a horse", que se estrenará en cines el próximo 29 de noviembre y se proyectará antes de "Frozen, el reino del Hielo"
Se cumplen 85 años de aquella primera aparición, y para celebrarlo, Disney ha invitado a 30 niños de primaria a ver en primicia en Madrid la nueva película, dirigida por Lauren MacMullan ("Los Simpson").
"Get a Horse", preseleccionada para los Oscar en la categoría de corto de animación, cuenta cómo Mickey, su inseparable Minnie y sus amigos Horacio y Clarabelle se divierten subidos a un carro de heno, hasta que Pete Pata Palo se presenta para sacarles de la carretera.
La tecnología ha permitido a sus autores construir la historia con la voz original de Walt Disney, el primero que puso voz al mítico roedor, al reunir cortes procedentes de películas antiguas.
Por argumento y estética, "Get a Horse" es un guiño a "Steamboat Willie", se presenta como un diálogo entre pasado y presente, y mezcla color y blanco y negro, dibujo a mano y gráficos de ordenador.
Bautizado inicialmente como Mortimer, fue idea de la esposa de Walt Disney, Lilly, cambiar el nombre a este personaje por el más familiar de Mickey.
En 1932, la Academia de Hollywood premió a Disney con un Óscar honorífico por su creación.
Con los años, Mickey Mouse se convirtió en fuente de inspiración para muchos artistas -el propio Andy Warhol le dedicó una serie de cuadros en 1981- y desde 1978 cuenta con su propia estrella en el Paseo de la Fama.
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¿Quién es Llewyn Davis?

¿Quién es Llewyn Davis?  La respuesta a esta pregunta parece obvia: Llewyn Davis es el protagonista de la última cinta de los hermanos Coen que se estrena el miércoles 1 de enero 2014
Un personaje que le ha valido a Oscar Isaac la candidatura a los Globos de Oro y una más que posible nominación al Oscar como mejor actor. Pero si nuestra interrogante es si fue real, la cuestión se torna mucho más compleja.
Siendo estrictos, el músico protagonista de 'A propósito de Llewyn' Davis es una creación de los Coen que, con un nombre ficticio, personifica la esencia del Greenwich Village de los sesenta, una escena que frecuentaron artistas tan importantes como Bob Dylan, Tom Paxton, Patrick Sky o Joni Mitchell.
Dave Van Ronk, la inspiración de los Coen
Pero si escarbamos un poco más en el proceso creativo de los autores de 'No es país para viejos' o 'Fargo' encontramos a la figura clave que sirvió de base para trazar las líneas maestras del personaje de los Coen: Dave Van Ronk. Músico, compañero y padrino de grandes artistas y toda una institución para las generaciones de músicos que pasaron por el emblemático barrio neoyorquino.
Como ellos mismos reconocen, la gran chispa que enciende el fuego folk de los Coen es 'The mayor of MacDougal Street', apelativo con el que era conocido Van Ronk y título del libro de memorias del artista.
"El personaje no es exactamente Dave, pero sí esta su música", dice Elijah Wald, autor las memorias de Van Ronk publicadas en 2005, tres años después de que el cantautor falleciera debido al cáncer de colon que padecía desde hace años.
Para hacer buena la afirmación de Wald, un hombre muy cercano a Van Ronk del que llegó incluso a recibir clases de guitarra, solo hay que echar un vistazo al 'tracklist' de la deliciosa banda sonora de la película y apuntar otro dato clave: en la rica discografía del artista hay incluso un álbum titulado 'Inside Dave Van Ronk', un disco compuesto por 25 temas que es, según la crítica especializada, su trabajo más imperecedero y esencial. Su mejor carta de presentación para los no iniciados.
Pero los paralelismos entre Llewyn y Dave van más allá de este deliberado juego de títulos. Van Ronk también comenzó a buscar fortuna en el mundo de la música como parte de un grupo -en su caso con un cuarteto, no con un dúo como el personaje de Isaac- también pasó años duros vagando por Nueva York con su guitarra a cuestas en busca de su oportunidad y también fue marino mercante.
"Van Ronk llegó a ser una especie de padrino de la escena, pero nunca disfrutó de la condición de superestrella que tenían el Sr. Dylan o la Sra. Mitchell.  Nacido en Brooklyn, él ya llevaba tiempo pateando Greenwich Village cuando la explosión folk tomó las calles. Y permaneció allí cuando la fiesta terminó.
"Dave Van Ronk no es una figura oscura. En todo caso es la figura más importante en una escena oscura", dice Ethan que revela que se fijaron en su libro de memorias "porque es un documento grandioso y también muy divertido". "Además tiene a la vez un toque agrio que es lo más indicado para hacernos una idea de lo que era ser músico en aquellos tiempos".
De la mano de los Coen en 'A propósito de Llewyn Davis' acompañamos a ese músico durante un par de semanas en las que intenta dar "un poco de sentido a su carrera y a su vida", apunta Joel Coen, que también cita la figura de Ramblin' Jack Elliott como otra de las fuentes de las que bebieron él y su hermano Ethan, amantes confesos de la música folk, al trazar el retrato de su protagonista.

El objetivo no era la historia de un músico en particular, sino recoger a través de él un momento, llevar a la gran pantalla la esencia de la rica pero también muy dura escena que se vivió aquellos años en Greenwich Village. "Entonces lo bueno que fueras no importaba. De eso trata la película", señala.
Y en vida, Van Ronk fue bueno, tan bueno que sobrevió a muchos de los clubes que le vieron nacer y que hicieron fortuna con una etiqueta que, a día de hoy, no les ha bastado para seguir existiendo.
"Podemos preguntarnos por qué Dave Van Ronk no fue más grande y un éxito de ventas, y hay todo tipo de respuestas posibles. La edad jugó en su contra y simplemente no había una infraestructura de giras cuando empezó. Pero lo que hizo fue muy importante (...). Van Ronk fue líder de una comunidad, era el guardián de esa comunidad, y fue muy bueno haciendo eso", sentencia Burnett.
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«El lobo de Wall Street», debía de haber llevado a Leonardo DiCaprio al Oscar

Uno de los actores que viven su vida como los personajes que interpreta es Leonardo DiCaprio: lo hace con urgencia, con la más cruda expresión de la pasión. Este hombre con cara de niño que debe su nombre a Da Vinci, que carga con 24 años de carrera a sus espaldas, es el centro de la ultima obsesión de Hollywood. Su esperada cinta, «El lobo de Wall Street», debió de haberle llevado hasta el Oscar
«Me encantaría verle ganar. Tal vez lo haga por este filme, quién sabe» afirma su director fetiche, Martin Scorsese, realizador de la película. «Leo evoluciona con cada personaje y creo que está sublime en esta cinta. Para mí es una satisfacción verle, su trabajo es una gran recompensa». Para DiCaprio la estatuilla es el Santo Grial, la recompensa contra su imagen de chico póster. En esta, la quinta colaboración de ambos, («Gangs of New York», «El aviador», «Infiltrados», «Shutter Island») la pareja ha ido por libre. Esperaron seis años hasta conseguir la financiación para verse despojados de las ataduras de los estudios.
«Esta película es la culminación al trabajo duro. Era un experimento a muchos niveles. Marty y yo hemos conseguido verdadera libertad artística y ha sido algo increíble, porque no estábamos acotados por el sistema. No queríamos solo hacer la película, sino correr riesgos. Nos hemos atrevido a representar a estos personajes tal y como eran sin necesidad de cortar el traje según el patrón del estudio», explica orgulloso Leonardo DiCaprio.
«Calígula», la cinta que en 1979 escribió Gore Vidal y dirigió Tinto Brass, pavimentó la construcción del personaje: «Es la codicia en su máxima expresión, la representación de la indulgencia, de la exageración de los sentidos, una bacanal constante», dice Leonardo.
El protagonista admira al personaje real que interpreta, Jordan Belfort, por su sinceridad: «Lo que más me impresionó en su libro fue la falta de vergüenza al contar su historia. Algo que yo le agradezco porque me permitió representarle tal y como era». 
Hay pocas estrellas que brillen tanto en el firmamento internacional como este DiCaprio que, además, demuestra en pantalla ser un brillante bailarín de «break dance»: «Ganaba concursos de este baile cuando estaba en el colegio. Mi afición por esa moda fue una de las razones por las que no pude conseguir un agente en Hollywood cuando era joven, no me aceptaban por mi corte de pelo y ropa estilo "break dancing”. finalmente conseguí un agente a los trece años», reconoce muerto de risa.
Por increíble que parezca al ver los desmanes que tienen lugar durante la película, las aventuras de DiCaprio están basadas en un broker real, un as de los engaños en las finanzas que fundó una compañía en los años noventa -Stratton Oakmont− dedicada a estafar a sus propios inversores. Llegó a contar con un millar de brokers a su servicio y la cosa acabó... como plasma la cinta de Scorsese.
Belfort reflejó su experiencia en dos libros: «El lobo de Wall Street» y «Atrapando al lobo de Wall Street», trabajos que le reportaron 1,7 millones de dólares en beneficios, una cantidad en la que también se incluye la venta de los derechos de su historia para ser llevada al cine. Y es que antes de esta película que llega ahora a los cines el exmagnate financiero pudo ver el estreno de otra versión de su historia, «El informador», protagonizada en el año 2000 por Vin Diesel y Giovani Ribisi.
En la actualidad, Jordan Belfort se dedica a vivir de las rentas de sus libros y a dar charlas por todo el mundo, actividad a la que se dedica desde el año 2007. El depredador de los negocios intenta conjugar esta carrera de pingües beneficios con el pago de la multa a todas sus víctimas estafadas: nada menos que 110 millones de dólares.
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'Cafe Society' con el estilo distintivo de Woody Allen

  Woody Allen tenía cinco años cuando empezó a pensar en la muerte. “Mi madre no sabe qué me pasó”, dice el director neoyorquino moviendo la cabeza sentado al borde de una silla en el Hotel Martinez de Cannes
“Fui un niño muy dulce los primeros cinco años de mi vida y de pronto algo me pasó que me volvió negativo. Yo creo que, con la edad, la gente es consciente de la muerte y se da cuenta de que todo va a acabar”.
Ese pesimismo le ha acompañado toda la vida, pero ha preferido reírse de él, en la realidad y en su cine, que para él son un poco lo mismo. Ahora, a sus 80 años, está un poco más feliz en la realidad y lo transmite en su cine, quizá por eso Café Society, su película número 47 como director y que se estrena mañana en España, sea una de las más románticas. 
  “He tenido una vida mejor desde que conocí a mi mujer”, reconoce. “Eso ha sido bueno para mí y agradable, pero no me ha convertido en un optimista. Porque tienes a tu mujer, tus hijos, y de repente, ya no están: ¿Y si le ocurre algo a ella? ¿Y si les ocurre algo a los niños? La ansiedad se apodera de mí.
He vivido dentro de los confines de la fealdad de la existencia humana. Pero he tenido suerte el último par de años, no he sufrido tanto. Tengo 80 y sufrí 60 años de mi vida”, concede y se ríe.
“Siempre digo que lo único que se interpone entre la grandeza y yo, soy yo”
Esos debates existencialistas y ese miedo atroz a la muerte lleva años pasándoselos a los protagonistas de su cine. Y Bobby, el galán improbable de Café Society, interpretado por Jesse Eisenberg, no se libra.

“La vida es una comedia escrita por un cómico sádico”, dice el personaje, a pesar de que a él la vida le acaba sonriendo, atrapado en el amor entre dos bellas mujeres, una en California (Kristen Stewart) y otra en Nueva York (Blake Lively), con el mismo nombre de femme fatale,Verónica.
“Es una película romántica”, admite. Además la escribió en forma de novela, con un narrador en off (el mismo Allen). “No solo es romántica por esas chicas. El personaje de Jesse es muy dulce, y esa época en California y Nueva York, los años treinta, también fueron muy románticas”, dice con un atisbo de nostalgia, un sentimiento poco frecuente en el neoyorquino.
“Hay que tener cuidado con la nostalgia”, continúa él solo. “La nostalgia es una trampa. Te atrapa. Esta película ocurre en ese periodo de tiempo. Y yo, personalmente, siento nostalgia por esa época. Por qué me siento nostálgico es una locura, ya que yo no estuve allí, pero solo de leer sobre ella…”, dice. Y de recordar las historias que su padre le contaba. Historias de la mafia que están también en Café Society.
Contra los directores
En aquellos años treinta triunfó su modelo a seguir, Groucho Marx. Allen ve el cine de aquella época con admiración, pero jamás habría encajado en su sistema de estudios que también refleja en Café Societycon el magnate Phil Stern (Steve Carell). “Eran dictatoriales e insensibles con los directores. Cogían su trabajo y lo cambiaban. El director no editaba la película, no podía decir nada sobre el guión, les elegían los actores. No era una época de autores”, explica contrariado. “Yo siempre he tenido libertad para hacer lo que quisiera. Lo único que se interpone entre la grandeza y yo... soy yo”, se ríe. “Si no puedo hacer una buena película es porque no está en mí”.
En cuanto a su primera serie de televisión, Crisis in Six Scenes, reconoce que la hizo por dinero. “Yo hago películas, nunca veo la televisión. Sin embargo, siguieron subiendo el precio y no pude negarme porque era demasiado lucrativo”. También pensó que sería fácil, pero devino en su “mayor pesadilla”. Ahora respira aliviado, a un mes del estreno en Amazon. “Son seis horas y media de comedia pura situada en los sesenta, cuando pensaron que en EE UU estallaría una revolución con Vietnam, los jipis, los Black Panthers”, cuenta. “Ya está entregada, he hecho lo que he podido, no quería trabajar duro, tuve que hacerlo, y solo espero que les guste”
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LA COMPLEJA VIDA DE ROMAN POLANSKI
 
La vida de Roman Polanski ha estado llena múltiples acontecimientos y ha alimentado multitud de titulares durante años. Su biografía está marcada por los asesinatos de dos mujeres embarazadas (su madre Bula y su mujer Tate), exterminadas por dos de los criminales intelectuales más notorios del siglo XX (Hitler y Charles Manson). Una en Auschwitz y la otra, Sharon Tate en Cielo Drive, en las doradas colinas de Hollywood.


Cuando Christopher Sandford le pidió al polaco ciertas entrevistas para su biografía 'Polanski' (editada en T&B) éste se negó. Le consideró otro chismoso más. Ya habían salido mucha bibliografías y él mismo había contado sus detalles en sus memorias. Sandford, en su contrastada investigación, descubre irregularidades en el relato del propio Polanski.

"Creativamente sus especialidades eran la claustrofobia, el enigma y el terror", dice Sandford. A Polanski enseguida le emparentaron con Hitchcock. Alguien sólo interesado en su extraña y heterogénea filmografía poco encontrará de interés aquí. Aunque Sandford baraja todas las hipótesis y los espejos subliminales entre la obra y la vida, lo hace con escepticismo. Se centra en la vida.

De niño, Romek (se llamaba así), pasó noches enteras apiñado junto a su madre en los sótanos. Allí oía a los aviones nazis sobrevolar los tejados. Su padre, Ryszard Polanski eligió un momento malo para irse a vivir a Polonia con su familia. En los edificios públicos ponía: "Prohibida la entrada a judíos y perros". En el gueto de Cracovia se alimentaron con jugo de botes de pepinillos (véase 'El pianista').


Tras la pérdida de su madre, Polanski pasó a ser actor y de ahí ingresó en la Escuela de Cine de Lodz, bajo el férreo canon soviético. Después de su 'El cuchillo en el agua', o quizá un poco antes, el director (por alguna razón sólo puede uno imaginárselo de director de cine) se convertiría en el "enano maligno y libertino".

Ya en Inglaterra (su primer salto) vestía como un hippy con cara de hurón, y en su casa poseía un busto de Napoleón y otro suyo. Ambos despóticos y pequeños gigantes.

"En Francia yo no era lo bastante nouvelle vague, y en realidad no sabía lo que se esperaba de mí... En Inglaterra me sentí libre de verdad", cuenta.
Allí en Londres rodará 'Repulsión', que le convertirá en esa cosa indefinible llamada "cineasta de culto". Además, en 'El baile de los vampiros' conocerá a su coguionista vitalicio, George Brach y en el rodaje, en los Dolomitas, se enamora de su vampira y futura segunda mujer, Sharon Tate. La bella y joven Tate, además, le permitía toda la promiscuidad que quisiera.


Las 2 películas que continúan son geniales: 'Callejón sin salida' y 'La semilla del diablo'. Después de despuntar con esta segunda (made in Hollywood, ya "vendido a la industria", que dijo Godard), los locos le enviaban cartas escritas con su sangre. Si bien, la locura y la sangre salpicaron a su mujer con la 'Familia' Manson y su masacre en su mansión de Cielo Drive.
A pesar del desvarío incesante (mansiones, grandes coches con las lunas tintadas, Roma, Nueva York, París, Londres, esquí...) consigue lo que casi nadie, la obra maestra: 'Chinatown' (1975). Y otra bastante buena: 'El quimérico inquilino'.



A finales de los 70 llega el escándalo por hacer lo que había hecho sin parar: acostarse con jovencitas. Sodomiza a Samantha Jane Gaily, de 13 años. Él nunca desmintió su gusto por las adolescentes (y más pequeñas). Sandford procura al lector todos los detalles sórdidos del juicio público y de su caída, que nunca fue tal.

Samantha Jane Gaily


Después, instalado en la Avenue Montaigne de París, se hizo rodear de lolitas cuando él tenía 50. Mimado por productores y mujeres, y pinchado por la prensa, un periódico de Los Ángeles llegó a pedir su castración.

En su etapa europea, aparte del tropiezo de 'Piratas' y de la tibieza de 'Tess', conquistó otra cumbre (Sandorfd no la valora lo suficiente): 'Frenético'. Después 'Lunas de hiel', 'La muerte y la doncella', 'La novena puerta' son un camino hasta su único Oscar, a mejor director, con 69 años por 'El pianista'.
También hacia la estabilidad familiar con la belleza eslava Emmanuelle Seigner (véase su baile de Grace Jones en 'Frenético').


Por su vida exagerada pululan desde Orson Welles hasta los Rolling, pasando por Peter Sellers o Bruce Lee. Sus amantes son incontables. Su carrera es una carrera itinerante, como la de Ophuls o la de Buñuel, territorios esquinados, como el suyo, llenos de hallazgos formales y de precisión para lo indefinido. En cuanto a su biografía, puede decir, que no le falta casi de nada. Su personalidad, megalómana, equívoca, se hace brillante y desconocida. Sandford, perseguidor suyo, insiste en que es un gran actor. Lo dice convencido de algo que no llega a concretarse.

'Polanski. Biografía', de Christopher Sandford. Editorial T&B. Traducción: Rocío Valero. 329 páginas.

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Quentin Tarantino
Quentin Tarantino (1963) guionista, director y actor estadounidense ganador de una Palma de Oro en Cannes por ‘Pulp Fiction’.



Tarantino se dio a conocer gracias a True Romance (traducida como Amor a quemarropa en España y La fuga en México), guión en el que colaboró algo Roger Avary que Tony Scott acabó por dirigir con Patricia Arquette y Christian Slater en los papeles principales.

También escribió el guión genuino de Natural Born Killers (Asesinos natos). El estreno de True Romance (1993) le dio a Tarantino la oportunidad de trabar amistad con el productor Lawrence Bender, que le animó a dirigir Reservoir Dogs (estrenada en 1992) y Pulp Fiction (estrenada en 1994). Pulp Fiction se hizo con la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1994, además de un Oscar por Guión más original.


La siguiente película de Tarantino, Jackie Brown (1997), estaba basada en una novela de Elmore Leonard y contaba con Pam Grier en el papel protagonista. Estrenó Kill Bill en dos partes separadas, el 2003 y 2004.

Su última película estrenada es Grind House (2007), creada en colaboración con Robert Rodríguez, Tarantino dirige el segmento Death Proof. También escribió el guión y protagonizo ( como casi siempre en sus películas) una de las habitaciones de "Four Rooms", comedia en la que 4 directores dirigen las peripecias de un botones que se queda como único encargado de un hotel de Hollywood, y cada uno cuenta la historia de una habitación distinta.

Tarantino, ha colaborado con Robert Rodríguez en algunas escenas de Sin City (2005) y ha sido productor de la película de terror del subgénero gore Hostel (2005), dirigida por Eli Roth, que cuenta con sangrientas e impactantes escenas de tortura, y que le ha ganado críticas por su escaso nivel artístico y su chocante sadismo además de la fantasmal aparición de Takashi Miike casi al final del film.

Algunas curiosidades sobre Tarantino:

▪ El orden cronológico suele estar alterado en sus películas, mostrándose al comienzo de las mismas hechos adelantados en el futuro, para mostrar como se ha llegado a esos hechos (pasado) a medida que avanza la película. Esta estructura cronológica la encontramos en películas como Pulp FictionReservoir Dogs, Kill Bill...


▪ Es frecuente que en sus películas haya un escena de "enfrentamiento mexicano", en la que 3 o más personajes se apuntan mutuamente con pistolas al mismo tiempo.
▪Sus ángulos de cámara son otra seña característica de su estilo. En sus películas es frecuente ver planos de gente abriendo y cerrando puertas, primeros planos muy cercanos de la cara de actores mientras está hablando otra persona fuera de cámara (Butch mientras habla Marcellus en Pulp Fiction o La Novia mientras habla Bill), tomas desde detras de los actores o tomas muy cercanas de las manos de los personajes realizando cualquier acción ( por ejemplo, Jules cogiendo una hamburguesa en Pulp Fiction).
▪ Una de las marcas de Tarantino son los característicos planos desde el interior de un maletero que aparecen en todas y cada una de sus películas.
▪ Fetichista de los pies: Es normal en sus filmes que las actrices exhiban sus pies descalzos y en ocasiones en primer plano.
▪ Normalmente hay giros y comentarios discriminatorios hacia negros y judíos, aunque ese no es el tema central de los diálogos
▪ La película "Grind House" la dirigió junto al director Robert Rodríguez. Cada director escribe y dirige su propio guión de una hora y media de duración.
▪ En una entrevista en la revista Playboy habló sobre el consumo de cannabis y éxtasis durante el rodaje de Kill Bill.


FILMOGRAFIA:
▪ Inglorious Bastards (2009)
▪ Grind House: Death Proof (2007)
▪ Sin City (Director invitado) (2005)
▪ Peligro sepulcral (episodio de CSI: Crime Scene Investigation (2005))
▪ Kill Bill Vol.2 (2004)
▪ Kill Bill Vol.1 (2003)
▪ Jackie Brown (1997)
▪ Four Rooms (1995)
▪ Motherhood, episodio de ER (1995)
▪ Pulp Fiction (Tiempos Violentos) (1994)
▪ Reservoir dogs (Los perros de la calle)(1992)

▪ My Best Friend's Birthday (1987)


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Espías en la sombra




Dirección: Jean-Paul Salomé.
País: Francia.
Año: 2008.
Duración: 118 min.
Género: Drama, bélico.
Interpretación: Sophie Marceau (Louise Desfontaine), Julie Depardieu (Jeanne Faussier), Marie Gillain (Suzy Desprez), Déborah François (Gaëlle Lemenech), Moritz Bleibtreu (Karl Heindrich), Maya Sansa (Maria Luzzato), Julien Boisselier (Pierre Desfontaine), Vincent Rottiers (Eddy), Volker Bruch (teniente Becker), Robin Renucci (Melchior).
Guión: Jean-Paul Salomé y Laurent Vachaud.
Producción: Eric Névé.
Música: Bruno Coulais.
Fotografía: Pascal Ridao.

Estreno en Francia: 5 Marzo 2008.
Estreno en España: 8 Abril 2009.

SINOPSIS
Mayo de 1944. Un comando de cinco mujeres llega en paracaídas a la Francia ocupada en una arriesgada y peligrosa misión para proteger el secreto de los desembarcos del Día D y eliminar al coronel Heindrich (Moritz Bleibtreu), el jefe del contraespionaje alemán. Louise (Sophie Marceau) es una experta francotiradora viuda de un líder de la Resistencia. Jeanne (Julie Depardieu) es una dura prostituta que no dudará en matar. Gaëlle (Déborah François) es una joven experta en explosivos ansiosa por ver algo de acción. Suzy (Marie Gillain) es una despampanante ex corista y antigua amante de Heindrich. Maria (Maya Sansa) es una condesa italiana que trabaja de agente secreta para la Resistencia Francesa.

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'Alicia a través del espejo', dirigida por James Bobin y producida por Tim Burton


'Alicia a través del espejo', la secuela de 'Alicia en el país de las maravillas', la secuela que esciribió originalmente Lewis Caroll, película de esas que le gustan tanto a Tim Burton y a su actor  favorito, Johnny Depp. A ambos, sobre todo al actor, les encantan los disfraces, los colores y las aventuras de hadas imposibles. Las críticas no han sido muy favorables.
A Depp, de hecho, le encanta tanto que es capaz de disfrazarse de chocolate suizo a la menor ocasión.
Viene a cuento de que esta Alicia es producto de la obsesión de uno y de otro, a pesar de que aquí Burton es solo productor. Sin embargo, James Bobin, alumno aventajado, ha puesto el acento aún más en la imaginación desbordante, en los colores chillones, en los efectos especiales desmesurados y en todo lo que se puede esperar de una película que es desbordante por los cuatro costados.
Digamos que en este aspecto, el espectáculo es impresionante, que cada escena llena la retina de todo, hasta tal punto que llega a ser excesiva pues no da tiempo a asimilar cada rincón de la pantalla con personajes que se quedan un tanto al margen, mucho más la gran cantidad de ellos que asoman sus extrañas cabezas en el relato. 
La pega de Bobin (vaya con el apellido) es, además de la ya irritante ingenuidad, que tanto estruendo de color y espectáculo oculta a los personajes, a los que apenas se les puede pasar una capa de profundidad, insuficiente para ponerlos en circulación.
En este aspecto hay que destacar el esfuerzo mimético de los actores: la potente presencia, como es habitual en ella, de Wasikowska; la templanza y mesura (extraña en él) de Depp, y lo mejor: el buen retrato de Reloj e Iracunda, brillantemente llevados a escena por un sorprendente Baron Cohen y por Bonham Carter, sin duda la más beneficiada por un personaje muy agradecido.
Dirección: James Bobin. Con: Mia Wasikowska, Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Anne Hathaway, Sacha Baron Cohen.
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'Steve Jobs', una historia difícil de contar

El director Danny Boyle y el guionista Aaron Sorkin, se unen para intentar decir la historia de Steve Jobs. Aquí ha sido construida alrededor de tres momentos estelares en la carrera de Jobs, ‘el lanzamiento de Macintosh en 1984, el del cubo NeXT en 1988 y el de iMac en 1998’, relata la vida de este pionero que conceptualizó como nadie el uso doméstico de la tecnología.


Con Sorkin como compositor y Boyle de director de orquesta, faltaba el instrumento con que tocar esta pieza y ambos eligieron a Michael Fassbender para transformarse en Jobs, el hombre que confundió su genialidad con inmortalidad y descubrió, tarde, que era de carne y hueso. «Lo más difícil fue encontrar al actor adecuado para el personaje. El público conoce bien quién es Steve Jobs, pero Aaron había creado una bella metáfora entre lo que ocurre entre bastidores y la presentación de los productos. Desde el principio buscamos a alguien que no se pareciera, queríamos mostrar al hombre y su comportamiento con su propia gente», asegura el director.
Danny Boyle, el realizador británico ganador de un Oscar por «Slumdog Millionaire», reconoce que nunca hasta ahora había hecho un proyecto en Hollywood. «Jamás me había puesto a las órdenes de una película generada en otro sitio. Scott Rudin me llamó y me preguntó si quería leer el guión de Sorkin. Me pareció una buena idea y quedé extasiado al leerlo. No soy fan de los biopics, y en este caso hablamos de tres intensos eventos dentro de una misma película», admite Boyle.
La principal fuente de inspiración de esta cinta es la biografía sobre Jobs escrita por Walter Isaacson, donde se revela que el inventor de Apple tuvo una hija llamada Lisa, a quien su padre no admitió durante años.
«Steve era muy complicado, eso es precisamente lo que hemos intentado explicar en el tercer acto del filme. Su hijo era esta máquina que presenta al mundo. El hijo que él quería promocionar, su filosofía, el hijo que nos serviría a todos. Para él los ordenadores eran menos complicados que los seres humanos», explica Boyle.
Lo mejor de este Jobs de Boyle es Kate Winslet, que da vida a Joanna Hoffman, el fiel escudero, personaje inequívoco en Sorkin. Cada escritor tiene su proceso. William Faulkner, antes de terminar una obra, se abstenía del alcohol; Jack Kerouac decidió probar las anfetaminas durante las semanas previas a comenzar «En el camino»; Ernest Hemingway, incapaz de acabar «Farewell to Arms», escribió cuarenta y siete posibles finales; y Aaron Sorkin, el mejor escritor de escenarios y diálogos en Hollywood, lee y relee el «Quijote» antes de enfrentarse al papel en blanco

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"Un día perfecto", protagonizada por Benicio del Toro
De niño, Benicio del Toro tarareaba "Mambrú se fue la guerra" convencido de que su infortunado protagonista era un soldado puertorriqueño. Solo mucho más tarde, al rodar la película "Un día perfecto", descubrió que Mambrú era un duque británico que luchó contra Francia en el siglo XVIII
El Mambrú que Del Toro interpreta en la nueva película de Fernando León de Aranoa -presentada este sábado en el Festival de Cannes- sí volverá a su casa junto a su novia, dejando atrás el caos y la muerte en la posguerra de Bosnia, que recrea el filme.
Su personaje dirige a un grupo de cooperantes de una ONG que trata de rescatar un cadáver de un pozo que amenaza con envenenar la única fuente de agua potable en una región indeterminada de los Balcanes, en 1995.
Para Del Toro, la historia "es un cuento sencillo con profundidad y sentido del humor. Hay una cáscara de humor, pero el fruto que lleva dentro es la guerra".  Junto a actores como Tim Robbins y Olga Kurylenko, Del Toro hace reír con unos diálogos vibrantes, pero que esconden momentos emotivos.
El trabajo previo a rodar la película enseñó a Del Toro mucho más sobre la realidad de la desintegración de la antigua Yugoslavia de lo que él pudo conocer a través de la televisión y la prensa en la década de los 90.
"Yo tengo memoria de tener unas tenis de basket, unas Puma, hechas en Yugoslavia. Aquel país tenía muy buenos equipos de basket, y su selección nacional era una potencia", dice con una sonrisa.
De ese vínculo deportivo con su tierra de origen tanto en la realidad como en la ficción, Puerto Rico, nace uno de los momentos divertidos de la película, cuando uno de los lugareños le pregunta a Mambrú de dónde viene.  "Yo soy de Puerto Rico", responde el cooperante.
"Aaaahhh... ¡Piculín Ortiz!", replica el hombre, en alusión a la leyenda del baloncesto puertorriqueño, que se vio en múltiples ocasiones las caras con los temibles yugoslavos.
El chiste -que introdujo León de Aranoa a sugerencia del actor- evoca dos mundos absolutamente desconocidos el uno para el otro, similar a la sensación de extrañamiento que sufren los cooperantes en esa zona de conflicto donde no podrían conseguir nada sin la ayuda del traductor local.
Y, al descubrir precisamente ese mundo de los trabajadores humanitarios cuando se preparaba para la película, es cuando Del Toro llegó a una conclusión durante el rodaje: quizá lo heroico, le dijo al director, sea el simple hecho de estar allí, en medio de la guerra, aunque las cosas no siempre salgan como uno espera.

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"Hot Pursuit", con Reese Witherspoon y Sofía Vergara

"Hot Pursuit" tiene todos los ingredientes de una comedia de camaradas, excepto por lo de comedia
La unión de Reese Witherspoon y la estrella colombiana Sofía Vergara, como la reciente de Will Ferrell y Kevin Hart en "Get Hard", parece basarse en la diferencia de alturas y culturas. Pero Dios, ¿dónde están los chistes?
Witherspoon interpreta a una estricta policía de rango bajo en San Antonio llamada Cooper. En su primera asignación importante desde que electrocutó a un adolescente por accidente (no es el mejor momento para los chistes sobre la violencia a manos de la policía), la envían con un compañero a proteger a un narcotraficante que testificará en la corte junto con su esposa Daniella, interpretada por Vergara.
Un tiroteo en su casa deja al esposo muerto y hace que Cooper y Daniella emprenda la fuga. Son una pareja dispareja, una policía honrada pero con poca experiencia y la esposa despampanante de un narcotraficante arrastrando sus maletas de diseñador.
La película dirigida por Anne Fletcher ("The Guilt Trip") y escrita por los guionistas de "Ben and Kate", David Feeney y John Quaintance, encuentra motivos forzados para que ambas sigan prófugas. Se presenta la excusa de un departamento de policía corrupto y se destruyen no uno, sino dos celulares.
Mientras van por el campo de Texas, sobreviven explotando las ideas sexistas de los hombres que las persiguen y aquellos que se cruzan en su camino. Es una propuesta prometedora y dan ganas de apoyar a "Hot Pursuit", una rara comedia de los grandes estudios con mujeres frente y detrás de cámara.
Pero las payasadas de la película son lamentables y Witherspoon y Vergara no pueden hacer mucho más que aprovechar las características de sus personajes: la rectitud de Cooper y la belleza de Daniella. Distraen a hombres incautos con excusas de "asuntos de mujeres" o besándose. Hay chistes poco efectivos sobre la edad de Vergara y la sencillez de Witherspoon.
Para Witherspoon, en especial, es una caída dramática desde las alturas de la temporada del Oscar, donde fue nominada por su papel de mujer férrea en "Wild" y fue productora de "Gone Girl" de David Fincher, que le valió una nominación a Rosamund Pike. Puede ser una buena actriz de comedia, pero es mejor cuando el humor viene de su personaje (como la gran Traci Flick de "Election") y no de sus errores.
En "Hot Pursuit" parece que la comedia olvidó a su comediante. Se puede comparar con "The Heat" de Melissa McCarthy y Sandra Bullock, que tiene una trama similar pero es bastante superior y que es uno de los pocos ejemplos recientes de la buena comedia de duplas, un género que parece de simple química pero suele escaparse de las manos, haciéndonos regresar una y otra vez a clásicos como "Midnight Run" con Robert De Niro y el gran Charles Grodin.
Lo mejor que se puede decir de "Hot Pursuit" es que Witherspoon y Vergara sí parecen amigas. Al menos eso tienen.
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"50 sombras de Grey", adaptada del best seller, ha resultado ser una película suavemente tórrida, lejos del escándalo

La película "50 sombras de Grey", adaptada del best seller erótico-sentimental y esperada ansiosamente por miles de fanáticos, resultó ser una película suavemente tórrida, lejos del escándalo que prometía una sofisticada campaña de marketing
"No es demasiado hot", comentó Melanie, una chica de 17 años que vio la película en un cine de París.
La película fue estrenada el miércoles en Francia, en Bélgica, en Alemania (en el Festival Internacional de Berlín), en Serbia y Filipinas, en el marco de un lanzamiento mundial durante varios días hasta el sábado.
"¿Es usted un sádico? No, soy un dominador". Desde el inicio, Christian Grey, el personaje principal de la saga, le baja la temperatura a la película, que se estrena este miércoles en varios países.
En Serbia, las entradas estaban agotadas desde hace varios días y en Bélgica ya se vendieron 75.000.
"Espero mucho de la versión cinematográfica después de haber leído los libros. Pasé la noche en blanco", dijo Giulia Basendeka, 20 años, en un cine de Bruselas.
A pesar de algunas escenas bastante crudas, la película está lejos de las referencias en materia de erotismo, como "El Imperio de los Sentidos", "Nueve semanas y media" o, más subversiva aún, "Último tango en París".
En Francia, uno de los países que tuvieron el privilegio del estreno mundial, la película es apta para mayores de 12 años, lo que da la pauta de su suavidad.
La película, basada en la novela de E.L. James, que sedujo a millones de lectores, sobre todo a un público femenino, cuenta la historia de amor y sumisión entre Grey y una joven de 22 años, todavía virgen, seducida durante una entrevista de empleo.
Interpretado por el actor Jamie Dorman, Grey, de 27 años, es un multimillonario al frente de un imperio económico que lleva su nombre y además un pianista virtuoso y piloto de helicópteros.
Anastasia Steel (Dakota Johnson), una estudiante ingenua y sin dinero, se enamora a primera vista del ejecutivo que acumula todos los clichés del éxito y la fortuna.
En definitiva, una historia de amor entre un petimetre y una cándida paloma, salvo que Grey exhibe "talentos" menos convencionales a los cuales Anastasia va a sucumbir.
En el "cuarto rojo" del golden boy, poblado de látigos, esposas y aparatos de suplicios, Grey inicia a Anastasia en el sadomasoquismo y, entre caricias con una pluma de pavo real y cubitos de hielo, le propone que se someta a él.
"En el fondo se trata de una simple historia de amor, la de una jovencita sin experiencia, más fuerte de lo que ella misma supone, que encuentra a un hombre con un pasado doloroso, una historia sobre el poder de curación que posee el amor incondicional", resume E. L. James, cuya novela, traducida en 50 idiomas, se vendió en 100 millones de ejemplares.
La directora británica de la película, Sam Taylor-Johnson, insiste por su lado en la relación consentida entre los dos protagonistas.
"Se ponen de acuerdo sobre lo que se hace o no, entre lo que él desea y ella rechaza. Christian se da cuenta enseguida de que Anastasia no será dócil, que lo va a desafiar", dice Taylor-Johnson.
Rápidamente el príncipe azul se muestra menos dominante de lo que se pensaba y más sentimental de lo previsto, contrariamente a los trailers difundidos por Universal, el estudio que produjo la película.
Grey, enamorado, cubre de regalos a su enamorada y las cenas a la luz de las velas remplazan poco a poco las sesiones en el "cuarto rojo".
Aunque "50 Sombras de Grey" estimuló la venta de juguetes sexuales, la novela y la película pertenecen a la categoría de obras en las que sadomasoquismo rima con romanticismo.
Sin embargo, desde el inicio de la filmación, la película ha dado lugar a numerosas polémicas, particularmente en Estados Unidos o en Asia. En Malasia fue calificada de pornográfica y ha sido prohibida.
En cambio, en Gran Bretaña, hay quienes tienen la expectativa de hacer buenos negocios, como una cadena de bricolaje que previno a sus vendedores sobre un posible aumento de las ventas de cadenas, cuerdas y cintas adhesivas.

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'A Most Violent Year', con Oscar Isaac, el protagonista de 'Inside Llewyn Davis'

Most Violent Year puede resultar algo lánguida en sus comienzos, pero tiene una historia sólida que nos lleva, sin flaquear, por sus agudas e inteligentes escenas

El thriller de J.C. Chandor (con otro filme en su haber de tema financiero, Margin Call, y la muy diferente en temática y estética All Is Lost) nos introduce en un rudo y oscuro ambiente de delincuencia e intimidación vinculado a la industria del transporte petrolero en Nueva York, en 1981, considerado el año más violento de la historia de la ciudad.
La competencia es feroz, las calles son un salvaje oeste donde los choferes que transportan la valiosa mercancía son asaltados y golpeados por ladrones pagados por rivales anónimos. El empresario Abel Morales (Oscar Isaac/ Inside Llewyn Davis) no solo tiene la amenaza constante de los asaltantes, también sufre el acoso de la policía neoyorquina (David Oyelowo/Selma) husmeando en su negocio para atraparlo en posibles ilegalidades. Y mientras su compañía sufre robos y pérdidas financieras, se pone en peligro un plazo de 30 días, para cerrar un negocio con el que Morales mucho ha soñado. Un inmigrante hispano que durante años ha construido con ambición y tenacidad su imperio, no se dejará vencer tan por la criminalidad y la corrupción.
El foco del filme está en el matrimonio del magnate y su esposa Anna (Jessica Chastain/ Zero Dark Thirty). El, quiere hacer las cosas de la manera correcta. Su personalidad contrasta con la de Anna, mujer sofisticada, de uñas larguísimas y cigarrillo entre los dedos, vestidos y chaquetas de Giorgio Armani –el famoso diseñador se ocupó del vestuario ochentero del personaje– está dispuesta a enfrentar cualquier desafío, con métodos más pragmáticos.
La cinta indie, subvalorada por los académicos de Hollywood, aunque reconocida como mejor filme de 2014 por la Asociación de Críticos de Estados Unidos, está bien realizada con talento. Un lugar donde única opción de autoprotección en una ciudad donde reina el delito parece estar en el mismo terreno de la ilegalidad.

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'Venus in Fur’ una película francesa de Roman Polanski, que le valió un Oscar

Venus in Fur’ es una película francesa de Roman Polanski,  estrenada en el Festival de Cannes del 2013, nominada para 5 Oscars, donde Polanski ganó uno por ‘Mejor Director’

Está basada en una obra teatral de David Ives, que se inspiró en la novela 'Venus in Fur’ de Leopol von Sacher-Masoch, el creador del sadomasoquismo.
La trama se desarrolla en un teatro parisino, donde Thomas (Mathieu Amalric) es el escritor director de una nueva obra, dando audiciones para encontrar la actriz que pudiera interpretar a Vanda Jourdain.
La realidad se mezcla con la audición de la obra y Thomas el actor director se va obsesionando por Vanda.
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'Fading Gigolo', con Woody Allen y John Turturro, algo especial
Fading Gigolo”, una de esas películas que uno recuerda siempre. Se estrenó el pasado año en el Festival de cine de Toronto, en septiembre, dirigida por John Turturro, y con guion de este y Woody Allen, es una pequeña obra maestra
La Dra. Parker (Sharon Stone), una dermatóloga rica, menciona a su paciente Murray (Woody Allen) que ella y una amiga (Sofía Vergara) desean experimentar un “ménage à trois” y le pregunta si conoce a un hombre dispuesto. Murray, convence a su amigo y ex empleado Fioravante (John Turturro) para asumir el desafío, ya que ambos están cortos de dinero. Pronto construyen un comercio próspero de gigolo con Murray como el proxeneta. 
Fioravante es convocado a la ménage planeada desde hace tiempo, pero es incapaz de terminar.
Las dos mujeres, (Sharon Stone y Sofía Vergara) se dan cuenta alegremente la verdad; que se ha enamorado. Paralelamente a ello, Murray es secuestrado por un grupo de judíos, llevado a una corte rabínica, y lo interrogan.
Avigal interrumpe la corte y se confiesa respecto a la violación de la ley del luto, debido a que se sentía sola.
Avigal implícitamente acepta Dovi, pero él la ha conducir a despedirse de Fioravante .
Fioravante algo apesadumbrado, dice a Murray que él se va, pero vuelve de nuevo después de un encuentro con una mujer hermosa que Murray (Woody Allen) trata de atraer haca Fiovarante.  La película es original, magistralmente interpretada por Woody Allen, Sharon Stone, Sofía Vergara y nos da dentro de su humor de comedia, una vista de las rígidas leyes del judaísmo, aun en esté siglo XXI que vivimos.
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'Dos tontos todavía más tontos',  de nuevo,  Jim Carrey y Jeff Daniels



'Dos tontos todavía más tontos'. De nuevo, Jim Carrey y Jeff Daniels. Decía Woody Allen aquello de que añoraba el tiempo en el que el aire era limpio y el sexo, en efecto, sucio. Y también comentaba que el sexo sólo es sucio cuando está bien hecho. Pues bien, lo mismo vale para el humor
Hace tiempo que los hermanos Farrelly viven empeñados en el sucio arte de contar chistes tan profundamente estúpidos que es imposible no rendirse a su cruel sabiduría. 
En su universo feroz y encarnizadamente incorrecto que echó a andar en 1994 con 'Dos tontos muy tontos' no cabe la lejana posibilidad de eso tan desagradablemente pomposo que se ha dado en llamar 'humor inteligente'. ¿Existe acaso otro tipo?
Pues bien, han pasado 20 años desde aquella comedia fundacional que abrió las puertas a todo lo que vino después (desde Judd Apatow a 'The office') y nuestros entrañables Harry y Lloyd vuelven. Lo hacen en 'Dos tontos todavía más tontos'. , Jim Carrey y Jeff Daniels, una vez más, se entregan al espectador como lo que son: la más depurada exhibición de lo idiotas que podemos llegar a ser.
Sólo una advertencia: lo mejor de la película que se estrena este viernes es Kathleen Turner. ¿Se acuerdan de 'Fuego en el cuerpo'? Pues sufran. Nada, absolutamente nada, que ver. Muy guarro todo desde el sexo a la comedia pasando por...
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El documental sobre Edward Snowden "Citizenfour"

El documental sobre Edward Snowden "Citizenfour" recibió aplausos y críticas este fin de semana durante su debut en los cines de Estados Unidos, un país en que algunos lo consideran un héroe y una buena mayoría lo tachan de traidor y 'tonto útil'
El filme, dirigido por la periodista estadounidense Laura Poitras, arranca con un imagen difusa en un túnel desde un vehículo en marcha.
Poitras, que reside ahora en Berlín, relata cómo comenzaron a detenerla de forma rutinaria en los aeropuertos de EE.UU. cuando empezó a hacer documentales sobre los abusos del gobierno y recuerda cómo, en el 2013, recibió una comunicación electrónica anónima de un individuo con el pseudónimo de "citizenfour".
"Me preguntas por qué te elegí. No lo hice. Tú lo hiciste", dice uno de los mensajes de Snowden a Poitras, que la directora, la cual no aparece en ningún momento en la pantalla, lee en voz alta.
"La vigilancia que has sufrido implica que has sido seleccionada (...) Que sepas que cada frontera que atravieses, cada compra que hagas, cada llamada, cada torre de telefonía móvil por la que pases, amigo que tengas, artículo que escribas (...) está en manos de un sistema cuyo alcance es ilimitado", afirma el excontratista de inteligencia estadounidense.
Snowden, asilado en Rusia tras protagonizar una filtración masiva de documentos confidenciales de la Agencia de Seguridad Nacional (NSA), invita a Poitras y al periodista británico Glenn Greenwald, a reunirse con él en Hong Kong para contarles sus hallazgos sobre el espionaje masivo a ciudadanos y otros gobiernos por parte de EE.UU.
Los telespectadores pueden observar cómo se desarrolló ese encuentro entre el 3 y el 10 de junio del 2013 en la habitación 1014 del hotel Mira de Hong Kong, donde un pálido, a ratos temeroso y profundamente convencido de su causa Snowden confía a Poitras, Greenwald y al también periodista británico del diario ‘The Guardian’ Ewen MacAskill su historia.
El documental incluye momentos tensos, como cuando la alarma de incendios del hotel Mira pone en alerta a un visiblemente nervioso Snowden, que aparece más delgado y ojeroso al final del filme.
"Citizenfour" hace hincapié en la valentía e idealismo de Snowden frente a las fuerzas tenebrosas y malignas que lo acechan, lo que hace que el diario The New York Times califique el documental de "parcial y partidista", en línea con lo que también señala el crítico de la revista New York Magazine David Edelstein.
El Times recuerda que varios periodistas que cubren temas de seguridad y tecnología como Fred Kaplan, de la revista Slate, y Michael Cohen, experiodista de The Guardian, han criticado las omisiones y simplificaciones de la cinta.  Esos comentarios, dice el diario, expresan el deseo de alcanzar un punto medio, un equilibrio entre el derecho del público a saber y la necesidad del gobierno de recolectar información de inteligencia en la lucha global contra el terrorismo.
El diario considera que estamos simplemente comenzando a entender el alcance y repercusiones de la recolección masiva de datos por parte del gobierno y califica de "aterradoras" las preguntas que plantea Poitras.
"Citizenfour" revela que la novia de Snowden, que vivía con él en Hawai cuando accedió a los documentos secretos, reside ahora con él en Rusia.   Snowden, de 31 años, voló de Hawai a Hong Kong en mayo del 2013 y obtuvo asilo en Rusia en agosto del año pasado.
EE.UU. lo ha acusado de violar la Ley de Espionaje y de robo de propiedad del gobierno, cargos por los que, de ser juzgado, podría pasar hasta 30 años en prisión.
A continuación expongo algunas de las críticas hechas al documental:
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"Cantinflas", de Sebastián del Amo a representar los Oscar por México
Con su segundo largometraje, el director Sebastián del Amo logró que "Cantinflas" fuera la cinta elegida como representante de México para los Oscar.  Del Amo ahora desea llevar al cine la vida del otro astro de la comedia mexicana: Germán Valdés "Tin Tan".
La ópera prima de Del Amo,  "El fantástico mundo de Juan Orol" (2012), sobre el director de "Gángsters contra charros" apodado el Rey del Churro por la mala calidad de sus películas, tuvo poco público pero logró llamar la atención de los productores de "Cantinflas", al grado que le pidieron que se hiciera cargo de la cinta biográfica del comediante más querido de América Latina.
"Sé que la hija de Tin Tan está moviendo un guion sobre la vida de su padre, sé que está buscando director y yo me he apuntado", dijo a reporteros el jueves tras la conferencia de prensa en la que se anunció que México buscará una nueva nominación al Oscar a la mejor cinta de lengua extranjera con "Cantinflas".
"Me encantaría, después de hacer al Rey del Churro ahora es el Rey de las Carpas (Cantinflas), pues qué mejor que pueda hacer al Rey del Barrio", agregó en referencia a uno de los títulos de las cintas más populares de Tin Tan.
Los Oscar suelen favorecer el drama por encima de la comedia. La cinta de Del Amo, como la vida de Cantinflas, combina ambos de manera perfecta, pero no es desgarradora como "Amour" de Michael Haneke o decadente como "La grande bellezza" de Paolo Sorrentino, ganadoras en el rubro los dos últimos años.
Pese a esto, el director nacido en París en 1971 y radicado en México desde su infancia dijo confiar en sus posibilidades.
"Espero que el estreno, o los buenos números que arrojó el estreno en Estados Unidos, también sea un factor a la hora de que la academia americana tome la decisión", dijo. "Creo que podemos ser un buen contendiente, a menos de películas habladas en español".

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"El Evangelio según San Mateo", de Pier Paolo Pasolini
"El Evangelio según San Mateo", obra capital del director italiano Pier Paolo Pasolini, cumple este año medio siglo de su estreno, efeméride que coincide con la decisión del Vaticano de restaurar la cinta, que conserva la filmoteca papal
El filme fue estrenado en 1964 e ilustra la vida de Jesús de Nazaret, desde su nacimiento hasta su crucifixión, que en este caso transcurre en la pedregosa ciudad italiana de Matera, en la región meridional de Basilicata.
Bajo una atmósfera neorrealista, el director (1922-1975) da vida a los principales pasajes del Evangelio empleando como actores a los habitantes de dicha región, creando una atmósfera sugestiva y espiritual y marcada decisivamente por el silencio.
Una de las copias de esta película de 16 milímetros y en blanco y negro se encuentra en las estanterías de la Filmoteca vaticana, instituida el 16 de noviembre de 1959 por el papa y santo Juan XXIII con el objetivo de recoger y conservar las cintas donadas por particulares sobre la Iglesia y la historia del papado.
Al frente de esta institución se encuentra en la actualidad Claudia Di Giovanni quien señaló en entrevista que el archivo, pese a ser "una pequeña realidad", cuenta con alrededor de 8.000 títulos, entre los que hay verdaderos tesoros.
Pero la pieza en la que la Filmoteca se encuentra trabajando actualmente es el "Evangelio según San Mateo" de Pasolini, que cumple ahora cincuenta años desde que fuera presentada en el Festival de Cine de Venecia.
A pesar de las reacciones negativas que suscitó la cinta, Pasolini logró hacerse con el Premio especial del Jurado mientras que el codiciado León de Oro -máximo galardón- fue otorgado a "El desierto rojo" de Michelangelo Antonioni.
La directora del archivo explicó que el ejemplar de la Santa Sede se había cuarteado y había perdido elasticidad a causa de los efectos del paso del tiempo por lo que ahora están restaurándolo y digitalizándolo con el fin de que pueda ser empleado por estudiosos e investigadores.
Y es que ahora esta cinta ha pasado de suscitar controversias a recibir los halagos de la Iglesia del siglo XXI, concretamente del director de "L'Osservatore Romano", Giovanni Maria Vian, quien la ha calificado como "una de las más bellas jamás rodada sobre la vida de Jesús".
Pasolini, en una carta a su amigo Alfredo Bini, explicaba las razones por las que, siendo agnóstico y marxista, había optado por realizar una película sobre la vida de Cristo, al que consideraba representante de una "belleza moral en estado puro".
El autor alegaba que su decisión se produjo tras leer el Evangelio del apóstol, que le hizo obsesionarse con "la humanidad de Jesús y su fuerza interior" y con su "falta de temor al escándalo", un concepto, este último, muy presente en la biografía del cineasta.
La clave de la producción reside en la figura de Cristo, encarnado por Enrique Irazoqui (Barcelona, 1944) un militante antifranquista español que, a pesar de negarse en un principio, aceptó la propuesta de Pasolini.
Pese a las feroces críticas iniciales hacia la película, Di Giovanni aseguró que "ahora todo ha cambiado" y que tanto la Iglesia Católica como el mundo del cine "han tendido puentes" en pro de una colaboración estrecha.
El año que viene Italia recordará con diversos actos el 40 aniversario de la misteriosa muerte de Pasolini (su cuerpo apareció golpeado y atropellado), quien, por el momento, estará presente en la Mostra de Venecia de este año con una película sobre su vida dirigida por el italiano Abel Ferrara y protagonizada por el estadounidense Willem Dafoe.
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"Vivir es fácil con los ojos cerrados",  director David Trueba


"Vivir es fácil con los ojos cerrados", del director David Trueba, la película española ganadora de seis premios Goya que habla de John Lennon y transcurre durante la dictadura del general Francisco Franco, llegó a las salas de cine de Estados Unidos

"Había por mi parte un interés de contar la historia de esa generación, creo, humilde y anónima que seguramente también ayudó a cambiar mi país a fines de los 60, en el sentido de transformar al país, que venía de una guerra civil, que vivía bajo la dictadura, transformándolo en un país abierto, generoso y libre", dijo David Trueba en una entrevista el viernes.
El filme narra la historia de Antonio, un profesor de inglés interpretado por Javier Cámara que conoce al Beatle en la ciudad costera de Almería, en el sur de España, donde Lennon rodaba un filme.
"Lo que la película retrata es una sociedad autoritaria, donde la autoridad viene del miedo, por la violencia, por la represión y eso es algo más universal y más general que las dictaduras", agregó el cineasta de 44 años.
"Vivir es fácil con los ojos cerrados", de 2013, se alzó el pasado febrero con seis Goya en categorías que incluyen mejor película, mejor director, mejor actor principal, para Cámara; y mejor actriz revelación, para De Molina.
La historia está basada en la historia real del maestro de inglés Juan Carrión, seguidor de los Beatles que a medidos de los 60 viajó a Almería para conocer a Lennon.
El cantante de "Imagine" estuvo en Almería actuando en el filme "How I Won The War", de Richard Lester. Fue allí donde escribió "Strawberry Fields Forever", de donde deriva el título del filme de Trueba ("Vivir es fácil con los ojos cerrados", o en inglés "Living is easy with eyes closed", es una de las líneas de la canción).
El profesor, que según Trueba cumple 90 años el sábado y sigue enseñando inglés en Cartagena, logró conocer al músico inglés, con quien habló sobre las letras de sus canciones y las notas en sus discos.
Trueba dijo que se enteró de la anécdota a mediados de la década pasada, cuando estuvo de vacaciones en Almería. Entonces pensó que la historia reflejaba bien la contribución del español común de la generación de los 60 y decidió hacerle un homenaje.
El filme se estrenó el viernes en tres cines de Florida. Durante el verano se presentaría en Nueva York y Los Ángeles, entre otras ciudades estadounidenses.

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Jerry Lewis después de casi 70 años



Jerry Lewis después de casi 70 años en la industria del espectáculo, Lewis continúa haciendo comedia y funge como líder del Friars Club. El jueves por la noche presentaba una cena en la venerable institución de la comedia para celebrar el 50 aniversario de su filme "El profesor chiflado".

Y también tiene prevista una actuación el mes que viene en Las Vegas y otras dos en el otoño en Los Ángeles.  "El Friars es lo tercero más emocionante que hago", dijo el artista de 88 años durante una entrevista reciente.  Lo primero y segundo es hacer películas y actuar en el escenario, pero Lewis viaja varias veces al año de su casa de Las Vegas al club de comedia privado en Nueva York donde sirve como abad.
Cuando Jerry va a la sede del club en el centro de Manhattan, "es como si papá hubiese llegado a casa con regalos para todos, en forma de risa", dijo el vocero del Friars Club Barry Dougherty.
Jerry Lewis ha sido el líder del club desde el 2006. El difunto cómico Alan King tuvo el cargo previamente, y antes de él lo hizo Frank Sinatra por 20 años. Como abad, Lewis supervisa los homenajes humorísticos anuales y ayuda con eventos para recaudar fondos, continuando la tradición filantrópica que comenzó con la Asociación de Distrofia Muscular hace más de 60 años.
La abrupta salida del comediante como director nacional de la organización y rostro de su teletón del Día del Trabajo sigue sin explicarse, y Lewis se niega a hablar al respecto.
Como abad, Lewis también ofrece guía a jóvenes en ascenso. ¿Un concejo? Aprecien a sus seguidores.
"Nunca los subestimen, que es un error que cometen muchos artistas jóvenes", dijo. "A quienes se interesan por sus vidas hay que dedicarles tiempo ... Es parte del negocio. Si nos les gusta esa parte, sálganse de la otra parte".
Aunque Lewis ha sido criticado en años recientes por su prejuicio hacia las mujeres comediantes y puede ser gruñón e impredecible en entrevistas y en el escenario, su perdurable amor por la conexión a través de la comedia es claro. Cuando se le preguntó qué le gusta de la comedia, dijo, "ver a la gente reír, especialmente cuando te está viendo por primera vez y se está riendo muchísimo. Es un sentimiento increíble".

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'La Jaula de Oro', dirigida por Diego Quemada-Díez, ganando premios

La historia de tres adolescentes migrantes que viajan en el tren "La Bestia" hacia Estados Unidos, 'La Jaula de Oro', dirigida por el español Diego Quemada-Díez, triunfó en la 56 entrega de los premios Ariel del cine mexicano con nueve galardones, entre ellos el de mejor película y mejor ópera prima
"Nuestra alegría es la tristeza y el sufrimiento de muchos migrantes. Como decía mi abuelo, 'las parajodas de la vida", dijo el cineasta al recibir el premio a la mejor cinta que dedicó a México, un "gran país" que lo acogió hace 10 años, aunque lleva 20 siendo "migrante" por la falta de oportunidades de hacer cine en España.

En México, durante una temporada que le tocó vivir junto a las vías del tren, empezó a crear esta dura historia de personas que buscan un sueño y en el camino se encuentran con la crueldad de quienes quieren extorsionarlos, violentarlos o incluso matarlos.

Diego Quemada-Díez
El equipo de producción también dedicó la película, premiada en decenas de festivales internacionales, a los migrantes que día a día tienen que hacer esa ruta, y pidió a las autoridades que trabajen para ver de qué manera se mejoran sus condiciones.
Además de los premios a mejor película y mejor ópera prima, la cinta consiguió los galardones de mejor coactuación masculina para Rodolfo Domínguez, mejor edición, mejor sonido, mejor música original, mejor fotografía, mejor guión original y mejor actor, el guatemalteco Brandon López, quien dijo que el filme le ha permitido cumplir su sueño de alcanzar la fama.
Por su papel logró ganar también el premio a la mejor interpretación de la sección Una Cierta Mirada del Festival de Cannes, junto con sus compañeros Karen Martínez y Rodolfo Domínguez.
Otro ganador de Cannes, el mejor director en 2013, Amat Escalante, obtuvo hoy el Ariel al mejor director por su cinta "Heli", que retrata la cruda realidad de violencia con la que se enfrentan día a día miles de personas en México.
La gala, mucho menos sobria y más divertida que en ediciones anteriores, comenzó con un diálogo entre los dos presentadores, Regina Orozco y Enrique Arreola, haciendo sátiras sobre el Tratado de Libre Comercio entre Estados Unidos y México que hace que las salas se saturen con películas norteamericanas. 
Recibieron el Ariel de Oro por su carrera el director Arturo Ripstein y el actor Ernesto Gómez Cruz, mientras que el actor Ignacio López Tarso fue galardonado con un homenaje en vida y los ya fallecidos José Revueltas y María Félix recibieron un tributo.

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La obra maestra de Roberto Rossellini, "Roma ciudad abierta", restaurada

Expertos de Cinecittà y las filmotecas de Roma y Bolonia han restaurado con técnicas digitales la obra maestra de Roberto Rossellini, "Roma ciudad abierta", fundamental en el cine italiano del siglo XX y que se exhibe en Italia este mes

La película, símbolo de la resistencia italiana frente a la ocupación nazi durante la II Guerra Mundial, llega a los cines en alta resolución, dentro de un ciclo que tiene previsto restaurar diez títulos de este genio del cine neorrealista.
Ha sido restaurada con técnicas digitales por expertos del instituto cinematográfico de los estudios Cinecittà, de la Fundación Filmoteca de Bolonia y de la Filmoteca Nacional del Centro Experimental de Roma.
Casi setenta años después de su estreno, en 1945, el público podrá disfrutar de nuevo de esta joya cinematográfica, ahora con calidad mejorada, en setenta salas de cine de Italia y durante todo abril, un mes en el que el país celebra el fin de la ocupación nazi.
"El 25 de abril (de 1945) Italia festeja la liberación del dominio fascista, y nos pareció que era el mes idóneo para reestrenar esta película", explica el director de la filmoteca de Bolonia, Gian Luca Farinelli, en una entrevista.
Ambientada en la Italia de 1944, "Roma, ciudad abierta" traslada al espectador al corazón de un país en plena ocupación nazi, terriblemente azotado por la guerra y en el que la pobreza y la tristeza son sus máximos protagonistas.
A través de los ojos del sacerdote Don Pietro Pellegrini, Rossellini cuenta la historia real del religioso Luigi Morosini, que fue torturado y asesinado por el régimen nazi, por ayudar a la Resistencia italiana.
El reparto se completa con Giorgio Manfredi, un ingeniero comunista que es traicionado por su examante; Pina, una mujer de pueblo enamorada de un tipógrafo que lucha en la Resistencia, y Marcello, el hijo de Pina, que juega con sus amigos a dejar bombas en los vehículos de los alemanes.
"Esta película forma parte de la historia del cine clásico de Italia, pero también del cine internacional. Es una película de extraordinaria modernidad que aún hoy sigue influyendo a cineastas de todo el mundo", afirma Farinelli.
"Con esta película, Rossellini inventó una forma nueva de hacer cine y logró, por primera vez, que un artista italiano tuviera un gran reconocimiento a nivel internacional y no solo en la cultura italiana", recuerda.
Entre las diez cintas de Rosellini que los expertos de Cinecittà y de las filmotecas de Roma y Bolonia tienen previsto restaurar están "Stromboli" o "Viaje a Italia".
"Hemos recuperado el negativo original y le hemos aplicado técnicas digitales para conseguir una resolución de 4K", explica Farinelli.
Con el empleo de esta técnica, que "permite hacer auténticas maravillas", según Farinelli, "Roma, ciudad abierta" ha ganado en "calidad, profundidad fotográfica, luz e intensidad en los blancos y los negros".
"Hemos pulido el negativo, pero manteniendo la atención para no modificar la naturaleza de la versión original, su fragilidad, porque esa imagen de delicadeza que presenta Rossellini es la esencia de la película", añade.
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'Dos hombres y un destino' (Butch Cassidy y Sundance Kid)

Al contrario que en Europa, defensora de la teoría del cineasta autor al cargo de la dirección y del guion, en Hollywood cada película suele ser el resultado de la labor de un equipo, de la confluencia de momentos brillantes surgidos de mentes experimentadas… siempre que un ejecutivo de un gran estudio no reviente el trabajo previo

Paul Newman y Robert Redford
Un productor reune a las tropas: un guionista o equipo de escritores redacta un buen libreto o adapta una obra teatral de éxito; un director plasma, gracias a un reparto lúcido, los sentimientos del guion, apoyado por una serie de técnicos. 
Después, el  editor de montaje pule y convierte en diamante la joya previa.
Así al menos era en la época del reinado de las majors, y un heredero de esa escuela fue el guionista William Goldman y la película Dos hombres y un destino, la mejor prueba de su talento y de la importancia de un buen guion.

Goldman (Illinois, EE UU, 1931) es escritor de novelas, de divertidísimos libros (Las aventuras de un guionista en Hollywood y Nuevas aventuras de un guionista en Hollywood), donde plasma con brillantez anécdotas estupendas su devenir en la gran pantalla, de los libretos de títulos como Todos los hombres del presidente, Marathon man, La princesa prometida, Misery y Poder absoluto, y autor de una famosísima máxima sobre el mundo del cine: “Nadie sabe nada”.
 Pero a inicios de los años sesenta, Goldman era un desconocido. Había escrito una novela sin éxito, había leído algo sobre Butch Cassidy y Sundance Kid y la historia le impactó, porque la pareja de bandidos había forjado su leyenda dos veces, primero en Estados Unidos y, después, cuando las cosas se les pusieron mal, en América del Sur, donde comenzaron de cero. 
Investigué cuanto me fue posible, con la esperanza de lograr una historia que fuera coherente, y escribí la primera versión en 1966. Me llevó cuatro semanas”, comenta en Las aventuras de un guionista en Hollywood. Ahí estaba la semilla de Dos hombres y un destino, Butch Cassidy and the Sundance Kid en su título original, un filme que recuperó el western para la gran pantalla en una época en que estaba casi desaparecido y que se redactó en las Navidades de 1965, en el tiempo  libre que le dejó a Goldman su labor como profesor de escritura creativa en Princeton.

De Butch Cassidy (su verdadero nombre era Robert Leroy Parker) se tiene bastante información: nacido en Utah, en 1866, se puso como mote Cassidy en homenaje a Mike Cassidy, un famoso ladrón de bancos.
En 1890, lideraba el último gran grupo de forajidos del Oeste: la ‘Banda del Agujero en la Pared’ (en la película, en su versión española, se les bautiza como la Banda del Desfiladero) o El grupo salvaje, la cuadrilla que cometió más crímenes y asesinatos. 
Sin embargo, Cassidy no era un pistolero. No mató a nadie hasta poco antes de morir, cuando trabajaba como guardia en América del Sur. Tampoco sabía pelear. Ni siquiera planeaba los golpes. Goldman lo cuenta: “Eran hombres arrogantes y brutales. Y allí, a la cabeza, estaba Cassidy. ¿Por qué? La respuesta es increíble pero cierta: le caía bien a la gente. A todo el mundo. A veces, cuando le seguían, llegaba a un rancho y decía: ‘Mire usted, soy Butch Cassidy y me vienen siguiendo. Les estaría muy agradecido si me escondiesen una temporadita’. Y lo hacían”.

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«El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares», de Tim Burton
«Dar una versión más humana de los superpoderes» y de las rarezas de un grupo de niños fue el objetivo que se marcó el director de cine estadounidense Tim Burton en su nueva cinta, «El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares»
En un encuentro con la prensa en Londres, el cineasta de 57 años habló de su nuevo largometraje, que se estrenará el 30 de septiembre en España, y en el que de nuevo eleva a la máxima potencia su marca personal: un escenario fantástico y colorido bañado en tintes góticos y tétricos.
La historia, basada en el libro homónimo infantil de fotografías del escritor Ransom Riggs (2011), sigue los pasos del joven Jake (Asa Butterfield) hasta Gales en su intento por descubrir los secretos de su abuelo (Terence Stamp), después de que este muriera en extrañas circunstancias.
La cinta cuenta con grandes espadas de Hollywood, como Samuel L. Jackson, Judi Dench y Eva Green, que se enfunda el traje victoriano de Miss Peregrine, una mujer que puede convertirse en pájaro y que regenta una escuela en la que viven un grupo de niños con habilidades especiales.
«Quiero que la película conmueva al público y los ayude a enfrentar sus problemas y la forma en la que se sienten. Esto es lo que me define», repuntó el director de películas como «Charlie y la fábrica de chocolate» o «Pesadilla antes de Navidad».
Atrapados en un bucle temporal durante la Segunda Guerra Mundial, entre los pupilos de Green resaltan una joven que manipula el aire, un chico con una colmena de abejas en su cuerpo, una niña pizpireta que esconde una boca con dientes afilados detrás de su cabeza y unos gemelos mudos que cubren sus rostros con máscaras y que recuerdan a Tomás, el misterioso protagonista de la cinta española «El Orfanato».

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Sully, dirigida por Clint Eastwood y con Tom Hanks

Se llama Chesley Sullenberger, le apodan Sully, y se convirtió en un héroe sin pretenderlo. Fue un 15 de enero de 2009. Sullenberger, piloto de profesión, salvó la vida de 155 pasajaros del avión que conducía gracias a un pericioso aterrizaje de emergencia sobre las aguas del río Hudson, en Nueva York. El suceso pasaría a la posteridad conocido como El milagro de Hudson










La proeza del aviador da el salto a la gran pantalla de la mano de Clint Eastwood, que dirige por primera vez a Tom Hanks. El actor se mete en la piel de  Sully.
Además, cuenta en su reparto con Aaron Eckhart, quien interpreta al copiloto Jeff Skiles, Laura Linney, Anna Gunn y Autumn Reeser, entre otros. El filme se estrenará el 4 de noviembre/16. Mientras tanto, aquí puedes ver el primer avance. 
El Sully real visitó el rodaje de la película en varias ocasiones y Hanks y Eckhart practicaron en un simulador del Airbus A320 -el mismo modelo de avión en el que ocurrió el suceso- para interpretar a sus personajes. De esa forma podían capturar las emociones y la presión del fatídico vuelo. Por otro lado, el actor que interpreta al copiloto Skiles afirma que Hanks "encarna" totalmente a Sully.


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La casi increíble historia de McDonald´s en 'El fundador'
Michael Keaton nos trae la verdadera y casi increíble historia de McDonald´s en el tráiler de: El fundador
'El Fundador' es un drama que cuenta la historia de cómo Ray Kroc, un vendedor de Illinois, conoció en 1950 a los hermanos Mac y Dick McDonald, cuando llevaban una hamburguesería al sur de California.
Impresionado por la velocidad del sistema de cocina de su hamburguesería, Kroc visualizó el potencial de la franquicia y hábilmente se fue posicionando para arrebatárselo y crear el hoy imperio de un billón de dólares. Así nació McDonald's.

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'Alicia a través del espejo', dirigida por James Bobin y producida por Tim Burton


'Alicia a través del espejo', la secuela de 'Alicia en el país de las maravillas', la secuela que esciribió originalmente Lewis Caroll, película de esas que le gustan tanto a Tim Burton y a su actor  favorito, Johnny Depp. A ambos, sobre todo al actor, les encantan los disfraces, los colores y las aventuras de hadas imposibles. Las críticas no han sido muy favorable


A Depp, de hecho, le encanta tanto que es capaz de disfrazarse de chocolate suizo a la menor A Depp, de hecho, le encanta tanto que es capaz de disfrazarse de chocolate suizo a la menor ocasión.

Viene a cuento de que esta Alicia es producto de la obsesión de uno y de otro, a pesar de que aquí Burton es solo productor. Sin embargo, James Bobin, alumno aventajado, ha puesto el acento aún más en la imaginación desbordante, en los colores chillones, en los efectos especiales desmesurados y en todo lo que se puede esperar de una película que es desbordante por los cuatro costados.
Digamos que en este aspecto, el espectáculo es impresionante, que cada escena llena la retina de todo, hasta tal punto que llega a ser excesiva pues no da tiempo a asimilar cada rincón de la pantalla con personajes que se quedan un tanto al margen, mucho más la gran cantidad de ellos que asoman sus extrañas cabezas en el relato. 

La pega de Bobin (vaya con el apellido) es, además de la ya irritante ingenuidad, que tanto estruendo de color y espectáculo oculta a los personajes, a los que apenas se les puede pasar una capa de profundidad, insuficiente para ponerlos en circulación.

En este aspecto hay que destacar el esfuerzo mimético de los actores: la potente presencia, como es habitual en ella, de Wasikowska; la templanza y mesura (extraña en él) de Depp, y lo mejor: el buen retrato de Reloj e Iracunda, brillantemente llevados a escena por un sorprendente Baron Cohen y por Bonham Carter, sin duda la más beneficiada por un personaje muy agradecido

Dirección: James Bobin. Con: Mia Wasikowska, Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Anne Hathaway, Sacha Baron Cohen.
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'Money monster; de Jodie Foster, en Cannes
La actriz y directora Jodie Foster narra la "peligrosa" alianza de las finanzas, la tecnología y los medios de comunicación en la película Money monster, un frenético thriller en el que dirige a George Clooney, Julia Roberts y Jack O'Connell y que se estrena el 8 de julio en España
Según ha señalado el miércoles la intérprete y cineasta, durante una entrevista con motivo de su visita a España, este largometraje ofrece "muchas capas y preguntas" sobre la cultura actual y la manera en la que se conforma, por lo que las respuestas acerca de cómo actuarán las personas deben partir del espectador.
En esta película, Lee Gates (George Clooney) es un famoso presentador de un programa de televisión sobre finanzas, que se convierte en un gurú de Wall Street gracias a la información privilegiada que posee. Un día, el joven Kyle Budwell, una de las personas que han perdido todo su dinero tras una inversión realizada según sus consejos, decide secuestrar a la grandilocuente personalidad televisiva junto a la directora del programa (Julia Roberts) y todo su equipo en pleno directo y vengarse.
Tal y como ha indicado Foster, el papel de Clooney es el de un "showman que se ha perdido en ese espectáculo" así como "en el personaje que ha creado". "Es egocéntrico, superficial, engreído, egoísta y no piensa en los demás", señala Foster.
En sus palabras, el objetivo del papel al que da vida Clooney es "encontrar inquietudes periodísticas", y eso ocurre "a través de un joven que se convierte en un espejo y un reflejo de lo que sienten las personas de a pie".
La directora de Money monster destaca que esta película habla también de la "faceta maravillosa de la tecnología", puesto que pone de relieve que varias personas "desde Sudáfrica, Islandia y España, sin dinero ni poder, pueden unir fuerzas para derribar a los gobiernos corruptos".
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François Truffaut: 'El cine según Hitchcock' y 'Hitchcock /Truffaut', documental de Kent Jones
François Truffaut murió de un tumor cerebral en octubre de 1984. Un año antes había sido padre de Josephine, su tercera hija, fruto de sus relaciones con Fanny Ardant, protagonista de sus dos últimas películas, La mujer de al lado (1981) y Vivement dimanche (1983)
Estos dos títulos -sobre todo, el primero- confirmaban la plena madurez de Truffaut, que, además, acababa de lograr uno de los mayores éxitos populares de su carrera con El último metro (1980), explorando, como tantas veces, los amores acechados por la imposibilidad y por la muerte.
La desaparición de Truffaut, a los 52 años, fue un mazazo para la generación de cinéfilos que tanto tenía que agradecerle.
Las deudas con Truffaut eran -y son- muchas, y una de ellas, muy importante, sigue siendo su libro El cine según Hitchcock (1966), que Alianza Editorial tradujo al castellano en 1974 y que acaba de reeditar en su versión más completa, esto es, con el extenso capítulo que el cineasta añadió un año antes de morir.
Este libro imprescindible fijó para siempre el valor de la entrevista detallada y minuciosa con un director como eficaz, ameno e insustituible método de análisis de sus películas. Ha sido mil veces imitado y jamás superado. Truffaut, además, reivindicó a Hitchcock -hasta entonces considerado como un artesano al servicio del entretenimiento- como un autor de pleno derecho.
Fue el crítico Truffaut, junto a sus compañeros de la revista Cahiers du cinéma, quien estableció y reclamó, a mediados de los años 50, para los directores capaces, de ofrecer una visión personal de la vida con un estilo en la puesta en escena igualmente personal, la categoría de autor, concepto y teoría que llevaron a una completa reformulación de la mirada hacia la historia del cine precedente y a un cambio drástico en los planteamientos y posibilidades del cine futuro, que llega hasta hoy mismo.
En coherencia con esos principios y junto a sus colegas de Cahiers -Godard, Rohmer, Chabrol, Rivette y tantos otros-, Truffaut engrosó, ya como director, las filas de la llamada Nouvelle Vague, un movimiento que supuso el acta de defunción del cine académico francés y que, en connivencia con otros movimientos parecidos -surgidos por los mismos años en Inglaterra, Brasil, Alemania, España y, también, en los países del Este europeo-, transformó las pantallas del mundo, incluidas las de Estados Unidos, donde la Nouvelle Vague acabó influyendo en las rupturas de los años 70 y sigue gravitando sobre el cine indie de hoy mismo.
Después de dos cortometrajes, François Truffaut conmocionó, con 27 años, el Festival de Cannes de 1959, en el que presentó Los 400 golpes. Ahí estaba, hecho carne, el manifiesto de la Nouvelle Vague: cine de bajo presupuesto, tono documental, cámara ligera y ágil, escenarios naturales, actores no necesariamente profesionales... 

En efecto, el infortunado niño Antoine Doinel -interpretado por Jean-Pierre Léaud- era, prácticamente, el autorretrato de François Truffaut. Nacido de madre soltera y padre desconocido, reconocido luego por el marido de su madre -que le dio su apellido-, el niño Truffaut, no querido, fue entregado al cuidado sucesivo de niñeras y abuelas hasta ser parcialmente recuperado por su madre y su padre adoptivo, que se desentendían de él, mientras pasaba por pésimas experiencias en el colegio y era finalmente ingresado en un correccional. Los libros y el cine eran su consuelo, su refugio y su escuela.
En un proyecto sin precedentes, Truffaut siguió contando la vida de Antoine Doinel -y, en parte, la suya- en un episodio de El amor a los 20 años (1962), en Besos robados (1968), en Domicilio conyugal (1970) y en El amor en fuga (1979), un ciclo vertebral que abarca 20 años: la infancia, la juventud, los primeros trabajos, los primeros amores, el matrimonio, la paternidad, los engaños, la ruptura... 
Truffaut se casó en 1957 con Madeleine Morgensten. La pareja tuvo dos hijas, Laura y Eva, y se divorció en 1965. Madeleine y François mantuvieron su amistad (su amor, sin duda) hasta la muerte.
Pero Truffaut, ansioso de amor, era un seductor compulsivo, como el protagonista de su película El amante del amor (1977). Tuvo relaciones con muchas de las actrices con las que trabajó. Todas (o casi) figuran en la espléndida biografía escrita por Serge Toubiana y Antoine de Baecque, publicada en castellano por Plot.
Si Truffaut necesitó y buscó figuras paternas como André Bazin, Roberto Rossellini, Henri Langlois, Jean Renoir e, incluso, Alfred Hitchcock, también necesitó y buscó maternales amantes. Incontables. He aquí algunas: Jeanne Moreau (Jules et Jim, 1962), Marie-France Pisier (El amor a los 20 años), Françoise Dorleac (La piel suave, 1964), Julie Christie (Fahrenheit 451, 1966), Catherine Deneuve (La sirena del Mississippi, 1969), Claude Jade (en el ciclo Doinel), Kika Markham (Las dos inglesas y el amor, 1971), Jacqueline Bisset (La noche americana, 1973, su Oscar), Isabelle Adjani (Diario íntimo de Adèle H.) y, claro, Fanny Ardant.
Ahora, además de leer y releer el libro, tenemos la estupenda posibilidad de ver Hitchcock /Truffaut,el excelente documental de Kent Jones sobre las conversaciones que los dos cineastas iniciaron en agosto de 1962, con imágenes y sonidos inéditos, con las opiniones de otros grandes realizadores y, sobre todo, con la fascinante pedagogía de contemplar fragmentos de las películas de Hitchcock junto a las explicaciones que el director daba sobre sus intenciones y modos de trabajar.

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Steven Spielberg, 'El puente de espías', con Tom Hanks

La última película de Steven Spielberg, El puente de espías, que a pesar de ser considerada por la crítica su mejor obra desde Salvar al soldado Ryan no ha tenido el funcionamiento esperado en la taquilla norteamericana.
El vigésimo noveno largometraje de Steven Spielberg narra la historia real de James Donovan, un abogado de Brooklyn a quien la CIA le encargará negociar la liberación de un piloto que ha sido capturado por la Unión Soviética.
El factor Spielberg con el aroma más clásico
En el año 1957  el abogado James Donovan se encargó de la defensa del espía de la KGB Rudolf Abel, que había sido detenido en Brooklyn y que se enfrentaba a la pena de muerte. Al mismo tiempo la Unión Soviética derribará un avión espía estadounidense, capturando a su piloto, Francis Gary Powers, y detendrá en Berlín Este a un estudiante de económicas llamado Frederic Pryor al que acusarán de espionaje.
De esta manera se inició un proceso para el intercambio de prisioneros. James Donovan narraría estos hechos en un libro que se publicó en el año 1964.
El guionista Matt Charman (Suite Francesa) se interesó en esta historia, recopiló datos a través del hijo del abogado, y escribió el guión que logró vender a Dreamworks. Steven Spielberg se comprometió a dirigir el film y los hermanos Coen entraron en escena para pulir el trabajo de Charman.
El puente de los espías supone  el reencuentro en la gran pantalla del director con Tom Hanks, once años después de La terminal. Completan el reparto Mark Rylance, Amy Ryan, Alan Alda, Billy Magnussen y Eve Hewson. Con la financiación de Fox 2000 Pictures, Dreamworks y Participant Media, el presupuesto de la producción está estimado en 40 millones de dólares, comenzó el rodaje en Septiembre del pasado año en Nueva York, también se rodaron escenas en Berlín. Spielberg contó con sus colaboradores habituales, Michael Kahn y Janusz Kaminski, pero no con John Williams, que por un problema de salud ya superado tuvo que abandonar el proyecto, en su lugar entró Thomas Newman.
El puente de los espías tuvo su debut en el festival de Nueva York. Cosechó muy buenas críticas, se alabó que Spielberg homenajease a clásicos como Caballero sin espada de Frank Capra, Con la muerte en los talones de Alfred Hitchcock y El tercer hombre de Carol Reed, pero lo que más se le achacó fue que el film no está bien resuelto.
La película se estrenó el pasado 16 de Octubre /15  con una valoración de 92% en Rotten Tomatoes y de 81 en Metacritic.
Hasta el momento ha recaudado 50 millones de dólares en los Estados Unidos y su taquilla mundial asciende a los 62 millones. Una cifra muy pobre teniendo en cuenta quiénes son los implicados en este proyecto.
La crítica considera que El puente de los espías revitaliza los clásicos thrillers de espionaje ambientados durante la Guerra Fría, gracias a la maestría de Steven Spielberg y a las eficaces interpretaciones de Tom Hanks y Mark Rylance. También se alaban la dirección de fotografía de Januz Kaminski y el diseño de producción de Adam Scotckhausen, ganador del Oscar en la pasada edición por El gran hotel Budapest.

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